HORAS DE OSCURIDAD

Brevísimo ránking de horror del 2011

2012-02-07T09:06:00.000+01:00

El 2012 comienza para Horas de oscuridad tarde, y debido al largo tiempo que llevamos sin actualizar, creo necesario abrir el año con lo que normalmente he utilizado para cerrarlo: un breve recuento de aquellas cintas de terror que más llamaron mi atención durante el 2011. Por desgracia, lo improvisado de este regreso ha causado que este año no pueda repetir la ya acostumbrada encuesta con la opinión de los lectores acerca de qué ha sido lo más importante del panorama terrorífico del año pasado, pero eso es algo que espero podamos compensar en los comentarios o, en su defecto, en nuestra nunca bien ponderada página de Facebook donde podéis seguir los despropósitos que voy dejando aquí. Y hablando de despropósitos, las tres películas que se nombran a continuación son, tal como afirma el título de la entrada, las tres cintas de terror que me parecieron más destacables de este año que terminó hace poco. Pido excusas, dicho sea de paso, por el hecho de que todavía me falta la reseña de una de ellas.

Dos cosas, eso sí, hay que aclarar: la primera es que, evidentemente, no soy un crítico de cine y por lo tanto no puedo afirmar haber visto todas las películas de terror que se estrenaron en el 2011, ni siquiera una parte significativa de ellas. Así que esta lista se refiere únicamente a aquellas piezas destacables en lo que sí he podido ver. La otra cosa que hay que destacar es que este año me he visto en auténticas dificultades a la hora de componer el podio, y las tres películas que se nombran a continuación son perfectamente intercambiables en cuanto a sus posiciones. Si ocupan los lugares que ocupan es únicamente debido a una preferencia personal que ya explicaré más adelante. Así que sin más preámbulos, aquí viene lo más destacado del 2011.

POSICIÓN No. 3

La posición número 3 de este podio de horror del 2011 es para The Woman, de Lucky McKee (reseña aquí). Lo último del director de May (2002) es, para los pocos que no se hayan enterado aún, una secuela de Offspring (2008), per no es necesario haber visto la primera parte para entenderla, al menos más que como abreboca de una cinta que da un giro grotesco al arquetipo narrativo de seres civilizados enfrentados a humanos salvajes. Aquellos que hayan observado la evolución de McKee a lo largo de los años verán asimismo su entrega a una crueldad desmedida para con los personajes y a un humor negrísimo que en mi opinión supera a todos sus otros trabajos. Vale la pena sin duda. Y ojo: quedaos después de los créditos.

POSICIÓN No. 2

No podía ser de otra forma; The Human Centipede: Full Sequence (reseña pendiente) es otra de esas secuelas destinadas a ir donde la original no se atrevió. Aquellos que gustaron de la primera parte harían muy bien en verla, ya que aquí el director Tom Six nos da aquello que en la anterior sólo estaba en nuestra mente. Rodada en un glorioso blanco y negro salvo momentos muy puntuales en los que el color resalta de forma sutil la virulencia de la película, y dotada también de una mirada nada agradable sobre el "fenómeno" de culto de su antecesora, esta cinta rescata la idea de un cine de terror hecho para incomodar y lo hace de una forma indigesta y agresiva que no sé si será del agrado de todos, pero a mí en particular me ha encantado.

POSICIÓN No. 1

Por último, y reconociendo mi evidente parcialidad, os recuerdo a todos que en este blog siempre hemos dado preferencia a lo sobrenatural, y en ese sentido Insidious (reseña aquí), lo último de James Wan, sigue siendo lo que más disfrutamos el año pasado, tanto por la habilidad del dúo Wan/Wahnnell de recombinar sus influencias de los subgéneros mundos paralelos/niños en peligro como su valentía al hacer una película que aborde el tema del horror metafísico desde una perspectiva carente de ironía y cien por cien honesta. Y lo mejor de todo es que da miedo, como debe ser.

¿Volveremos a actualizar con cierta regularidad? No se sabe, pero este es uno de esos textos que hacían falta para dar carpetazo con el pasado. Ahora viene lo bueno.

Reseña: Grave Encounters (2011)

2011-10-31T22:24:00.003+01:00

Y de tres van tres. Ahondando aún más en la manía actual por los falsos documentales llegamos a una pequeña producción canadiense llamada Grave Encounters (2011), que además sirve de prometedora carta de presentación para sus directores, que trabajan aquí bajo el pseudónimo de The Vicious Brothers. Confieso que estaba reacio a ver esta, no sólo por ser un ejemplo más de la moda del terror documental y el recurso narrativo del "metraje hallado", sino también por el hecho de que su trailer (que lleva rodando por la red alrededor de un año) ciertamente no auguraba nada demasiado destacable, si acaso una película de terror del montón de esas que suelen poblar Fangoria o Bloody Disgusting. Pero de hecho no ha sido así; la verdad es que hay aquí no sólo una película bastante eficiente, sino también un par de sorpresas para quienes puedan temporalmente dejar de lado sus prejuicios.

El argumento, que parte de la típica premisa de las cintas perdidas de un reality show (llamado precisamente "Grave Encounters") que tuvo un misterioso final, recicla muchas de las constantes de casas embrujadas y tiene grandes parecidos con otras películas de terror como House on Haunted Hill (1999), manteniendo conocidos esterotipos como el psiquiátrico abandonado y la leyenda negra de un doctor psicópata asesinado por sus pacientes, historia que el equipo de "Grave Encounters" decide no sólo investigar sino también explotar de una manera desvergonzada y arrogante; la película deja claro desde el principio que los protagonistas, si bien no pierden la esperanza de entrar en contacto con lo sobrenatural, quedan evidenciados como unos fraudes dedicados por encima de todo a excitar el morbo del público. En este sentido una de las cosas más interesantes es cómo la película comienza en un tono abiertamente cómico y se va poniendo progresivamente más seria hasta alcanzar un clímax que es puro horror del bueno.

Aparte de los clichés de casas embrujadas y fantasmas iracundos (lugares comunes que ciertamente abundan), la cinta tiene algunas salidas argumentales muy interesantes gracias a un uso curioso de las convenciones del fantástico para plantear juegos espacio/temporales dedicados a desorientar al espectador y romper con el tono "realista" de la trama y su ambientación. No puedo hablar de dicho recurso narrativo sin revelar sorpresas clave del argumento, así que tendréis que confiar en mi palabra que cuando este momento llega la cinta toma un giro mucho más siniestro que nos obliga a abandonar gran parte de nuestro recelo e incluso lleva a los personajes a un nivel de sufrimiento superior. Es un toque inusual en este tipo de producciones y francamente de agradecer.

Ahora, si algún problema tiene Grave Encounters es sin duda el mal aprovechamiento de su condición amateur, que lleva a momentos francamente un tanto cutres cuando opta por los efectos especiales digitales, que son bastante rudimentarios y de andar por casa. De hecho la película es mucho más efectiva en aquellas secuencias más sutiles y ambiguas en las que la principal fuente de terror viene del muy efectivo uso de esa maravillosa locación que es el psiquiátrico abandonado. Pero estas son cosas que podéis comprobar vosotros mismos. No es casualidad que las más interesantes muestras de este sub-género del horror documental nos estén llegando precisamente de la mano de estas propuestas independientes. Desde aquí recomendamos acercarnos a esta como precisamente uno de esos ejemplos positivos.

Reseña: Paranormal Activity 3 (2011)

2011-10-29T11:14:00.000+02:00

Con los grandes estudios desesperados por encontrar cualquier cosa que pueda ser rentabilizada, no es de extrañar que Paranormal Activity (2009) esté poco a poco convirtiéndose en la franquicia de terror por excelencia de esta segunda década del siglo XXI. El descomunal éxito de la primera entrega ha dado paso no sólo a una saga que no tiene pinta de terminar pronto, sino también a una obsesión por el formato de metraje hallado que empieza a plagar la cartelera, con al menos cinco (!) películas estrenadas este año con ese mismo formato. Sabiendo esto, y tras la brutal decepción de una segunda entrega en la que misteriosamente el público de masas se tragó algo que parecía una pieza de arte y ensayo de largos planos fijos en los que no ocurría absolutamente nada, Paranormal Activity 3 (2011) queda expuesta como un vulgar intento de explotación taquillera. Esto es innegable, pero mentiría si no dijera que he salido al menos un poco impresionado; no es una experiencia tan intensa como fue la original, pero es definitivamente mucho mejor que la segunda ya que retoma varios de los elementos que hicieron la primea parte exitosa.

De hecho el argumento es en gran medida un remake inconfeso de la original, tanto que podría perfectamente haber sido vista sin haber visto antes la primera parte: Paranormal Activity 3, a pesar de ostentar dicho número en el título, es una precuela ambientada en 1988 que cuenta el primer encuentro de Katie y su hermana menor Kristie con lo sobrenatural, cuando su joven padrastro (un aspirante a cineasta por lo visto) instala una serie de cámaras en la casa para averiguar la procedencia de unos ruidos extraños y termina metido hasta el fondo en un asunto de ultratumba). Esto es, como ya podéis intuir, prácticamente el mismo argumento de la primera película, y los nuevos directores Henry Joost y Ariel Schulman repiten varios de los trucos estéticos de dicha primera parte, como el plano fijo diseñado para que el público escudriñe la imagen o el súbito adelanto de la cinta para indicar el paso del tiempo. Otros trucos nuevos incluyen un paneo automático de izquierda a derecha que juega con imágenes que se ocultan y revelan intermitentemente. Eso sí: aquella estructura cíclica en la que los horrores únicamente ocurrían de noche se ha ido. Esta vez los sustos vienen también de día.

Es en este apartado puramente de terror donde Paranormal Activity 3 consigue sus mejores momentos. A diferencia de la segunda parte en la que la película se dedicaba a frustrar al público con aquellas escenas nocturnas en las que no ocurría nada, esta vez el horror se manifiesta progresiva pero continuamente. Siendo el miedo una sensación puramente subjetiva, debo decir sin embargo que la película tiene grandes momentos en los que la interacción de la entidad conocida como "Toby" y las niñas produce escenas realmente pavorosas, y personalmente he agradecido que casi ninguna de las escenas del trailer aparezca en la película final. Algunos sustos son predecibles, otros ingeniosos y otros mantienen en velo esperando el clímax que a veces no resulta ser el esperado. En mi opinión, lo mejor es sobre todo ese final, que aunque se ve venir desde antes, es sin duda de lo mejor de la película gracias a su (no tan) velada referencia a El proyecto de la bruja de Blair (1999), con la diferencia de que aquí el elemento fantástico se desmadra dando punto final a una película bastante aceptable.

Por este motivo yo terminaría recomendando Paranormal Activity 3 a todos aquellos a los que les haya gustado la primera, aunque la segunda les haya decepcionado. No es una cinta que vaya a permanecer mucho tiempo en la memoria de nadie, pero es un cuento de miedo bastante eficiente que me reconcilia un poco con un estado del género de terror actual en el que la mayor parte de los cineastas incluso independientes han tirado la toalla en cuanto a eso de "meter miedo". Ese, al menos a mí, me parece el mayor valor de una película si no memorable al menos simpática.

Reseña: Apollo 18 (2011)

2011-10-23T18:50:00.003+02:00

Si dudábais como yo acerca de echar un vistazo a Apollo 18 (2011) es hora de dejar los prejuicios atrás y darle una oportunidad. Si bien es cierto que esta cinta americana dirigida por el español Gonzalo López-Gallego representa el enésimo ejemplo de esta ya fastidiosa tendencia del falso documental o "metraje hallado", no es menos cierto que al menos es de las más eficientes de dicho estilo, sobre todo debido a su gran sencillez argumental y el buen uso que hace de los recursos, siendo el último de ellos (curiosamente) el formato narrativo que se ha escogido. Trataremos de ahondar en esta idea en los siguientes párrafos.

Lo cierto es que, como decíamos arriba, estamos ante una película tremendamente sencilla cuyo argumento ya fue destripado incluso desde el primer trailer: la historia (supuestamente verdadera) de la última expedición humana a la Luna, mantenida hasta hoy en absoluto secreto, y el perturbador registro audiovisual de la misión que muestra entre otras cosas por qué la Humanidad no volvió a pisar la superficie de nuestro satélite. Esa es básicamente la premisa y seguramente aquellos que hayan visto los avances o se hayan interesado un poco al menos por saber el argumento de la cinta sabrán cual es el supuesto "misterio": una presencia en los solitarios parajes de la Luna que será la fuente de terror durante gran parte del metraje.

Siguiendo esta premisa, la idea de situar una película de terror de este tipo en el espacio es buena y tanto López-Gallego como los guionistas Brian Miller y Cory Goodman dan en el clavo al retratar de manera muy eficaz el ambiente de soledad y aislamiento absoluto de la misión. Pero ojo: dicha atmósfera es lograda no gracias al recurso narrativo del metraje hallado sino debido al uso de componentes básicos de la ambientación, contraponiendo las imágenes del apretado pero familiar y seguro entorno de la nave y la vastedad inmensa y amenazante de la superficie lunar. Esta idea de la soledad aplastante y del astronauta que se enfrenta a lo desconocido está muy bien lograda y emparenta a la película con la también reciente Moon (2009), de Duncan Jones, la cual si bien es muy diferente sí que comparte similitudes acerca del efecto que crea en el público el paisaje escogido para la trama. Esta idea de la Luna como un paraje enorme y desconocido tiene mucho más peso en sí misma que la estética de registro audivisual; de hecho el recurso del metraje hallado se olvida tras pasar poco tiempo de metraje, y la película está montada de una forma tan dinámica y con tantas "cámaras" y perspectivas diferentes que al final termina pareciéndose mucho a una narración convencional.

Tampoco se trata de la película definitiva del género falso documental ni mucho menos, y tiene el problema que suelen tener muchas de estas producciones al tardar en arrancar y ser bastante aburrida en su tramo inicial, pero una vez que comienza realmente el terror la cosa mejora mucho y logra dar el componente de terror atávico del Alien (1979) de Ridley Scott de una forma muy sutil pero llena de sustos genuinos y momentos francamente siniestros que hacen del viaje espacial una experiencia genuinamente aterradora. Aquellos que estén cansados ya de esta nueva moda narrativa de cintas encontradas harían bien en acercarse a Apollo 18 y dejarse llevar por una cinta particularmente bien hecha, sencilla pero efectiva en la nada difícil tarea de hacer cine de terror de ambientación espacial. Bastante recomendable.

Ya estamos en la red (sí, de verdad)

2011-10-20T12:00:00.000+02:00

En caso de que no os hayáis dado cuenta, en la columna de la derecha está la prueba irrefutable de que tras años de actualizaciones y rozando las cuatrocientas cincuenta reseñas finalmente tenemos una página de Facebook desde la cual correr la voz acerca de lo que realmente nos interesa: películas de terror de todo tipo. La idea con todo esto es poco a poco ir dejando el blog únicamente para las reseñas y relegar a las redes sociales todo aquello que en años anteriores solíamos llamar "posts de transición". Confiamos en que esto permita un mayor dinamismo y a la vez una presión menor en cuanto a tener siempre algo de qué hablar que no sean películas en concreto. Así que ya estáis tardando en seguirnos en FB y disfrutar en dosis pequeñas de aquello que en la medida de lo posible intentamos proporcionar aquí.

Os esperamos.

Reseña: Noche de miedo (2011)

2011-10-18T10:08:00.000+02:00

Noche de miedo (2011) es, junto con La cosa (2011) uno de los remakes de terror más anticipados de este año, al menos por quien esto escribe, ya que como todos saben ya, la original de Tom Holland de 1985 es una de mis películas favoritas de vampiros. Esta nueva versión, dirigida por Craig Gillespie, recupera gran parte de su legado y repite la mayor parte de su estructura, aunque al menos se esfuerza por sacar algo nuevo de su material base y no se contenta con simplemente repetir la misma fórmula. Esto es ciertamente algo que hay que agradecer ya que no tenía muchas esperanzas con ella y al final he quedado ligeramente sorprendido con un proyecto concebido como una película de terror de verano.

Como decíamos arriba, la premisa es bastante parecida en su base: la historia de un joven de suburbio llamado Charlie Brewster que descubre que su nuevo vecino, Jerry, es en realidad un vampiro. Hasta ahí todo es similar a la de Tom Holland, pero esta nueva Noche de miedo introduce algunos cambios al menos curiosos; uno de los mayores aciertos a mi parecer ha sido el de situar la película en los suburbios ubicados en medio de un desierto junto a Las Vegas, ciudad que ya de por sí tiene un largo y auténtico historial de desapariciones que hacen más que apropiada la historia de un misterioso depredador que empieza a cargarse a sus vecinos.

En realidad las alteraciones que hay tienen que ver principalmente con una diferencia en cuanto a tono con la original. Tal como se podía apreciar con los primeros avances, esta versión no parece estar tan inclinada hacia la comedia; hay sin duda momentos cómicos, pero se ve que esta vez han intentado ir más en la dirección de una genuina película de terror de suburbio aún a costa de ciertos detalles tremendamente distintos a los que nos había traído Tom Holland. Algunos de estos cambios, en mi opinión, son un tanto desafortunados, siendo el principal de ellos la inexplicable transformación de Peter Vincent en un mago con un conocimiento bastante arbitrario de los vampiros y su mitología. El cambio de Peter Vincent no funciona entre otras cosas porque despoja a la película de su contenido referencial hacia el cine de terror, que era una de las cosas más interesantes de la primera Noche de miedo. Por fortuna esto al final termina siendo bastante marginal puesto que no es este el principal enfoque de la película y la participación del propio Peter Vincent es bastante limitada (casi no sale en toda la película) y reducida a un personaje cómico explotado de forma bastante evidente por el actor David Tennant.

Pero estas concesiones a la comedia son minoritarias; Noche de miedo redux tiene momentos genuinamente terroríficos en cuanto a imaginario, desde su ambientación de penumbra perpetua en medio de un suburbio prefabricado y solitario hasta una secuencia en particular (la mejor de la película en mi opinión) en la que Charlie Brewster va al rescate de una joven y guapa vecina secuestrada por el vampiro. Dicha secuencia, con su sorprendente desenlace, destaca por su efectivo manejo del suspense heredado de toda una tradición de vecinos psicópatas. Todo esto además aderezado con la genial actuación de Colin Farrell, un actor que a mí particularmente nunca me ha llamado mucho la atención pero que está que se sale en esta película y borda su papel de depredador dotado de un magnetismo sexual completamente salvaje, un complemento perfecto y a la vez diferente del playboy ochentero de Chris Sarandon en la original, al que hace algún que otro guiño. Farrell es una de las mejores cosas de la película y aporta muchísimo en una época en la que la imagen de los vampiros como seductores ha sido sustituida por la blanda y banal fantasía adolescente que muchos asocian con Crepúsculo pero de la que tiene mucha mayor culpa la escritora Anne Rice. La nueva Noche de miedo es por el contrario una cinta que nos devuelve la imagen del vampiro como monstruo inmundo e invasor que tantos placeres nos ha dado. Esta película puede que no llegue a los niveles de la original, pero me ha parecido lo bastante interesante para por lo menos merecer un vistazo.

Casi lo olvido: en un intento de sacar mayor rentabilidad de la taquilla, esta nueva versión de Noche de miedo ha sido estrenada en 3D, pero como suele ocurrir en muchas ocasiones, el efecto es bastante esporádico y a todas luces superficial, con uno que otro objeto saltando hacia la pantalla. Lo realmente lamentable es precisamente el hecho de que (al menos en mi ciudad) no haya sido posible verla sin este efecto añadido y por lo tanto el pase por caja haya sido más contundente. Mucho me temo que en determinadas producciones esto se vaya convirtiendo en una práctica cada vez más habitual.

Reseña: The Woman (2011)

2011-10-05T17:49:00.003+02:00

The Woman (2011), una de las películas de horror más comentadas de este año, marca el regreso de Lucky McKee al mundo del terror "independiente" tras el fracaso comercial que supuso El bosque maldito (2006), aunque ya había tenido una más modesta entrada al thriller con Red (2008). Al igual que sucedía en el caso de esta última, en The Woman McKee se adentra en el mundo del escritor Jack Ketchum y sus historias llenas de crueldad y sadismo pero también portadoras de un interesante comentario (no muy positivo) sobre la condición humana que ha hecho que dicho autor trascienda los límites de la pura provocación. Ketchum es un autor brillante que lleva escribiendo varias décadas pero que recientemente ha visto incrementada su popularidad gracias a varias adaptaciones cinematográficas de su obra, principalmente (creo) debido al también reciente renacer del horror físico.

Para aquellos que no lo sepan, The Woman es en realidad la secuela de una película anterior, Offspring (2009), pero no hace falta haber visto la primera parte para entenderla ya que las dos historias son perfectamente independientes. Si bien su antecesora era una película hasta cierto punto mucho más convencional en el género de familia-que-se-enfrenta-a-salvajes-caníbales, esta segunda parte revierte los roles de cazador y presa creando un argumento mucho más apropiado al discurso de empoderamiento femenino que caracteriza gran parte de la obra de Lucky McKee. Aquí vemos como un aparentemente normal hombre de familia captura a una feroz mujer salvaje en medio del bosque y la mantiene prisionera en su casa, en la certeza absoluta de que podrá reeducarla y convertirla en alguien civilizado. Lo que realmente se viene encima es un sinfín de torturas y humillaciones con las cuales este pater familias y su prole se ven enfrentados a la parte más oscura de sí mismos, diferenciándose muy poco del monstruo que mantienen prisionero.

La mayor parte de la película se va en esta guerra psicológica que mantiene el personaje del padre (brillantemente interpretado, por cierto, por el actor Sean Bridgers) no sólo contra la mujer atada en su cobertizo y que se convierte en el blanco de todo su sadismo acumulado, sino también contra las mujeres de su propia familia, en quienes percibimos a lo largo del metraje toda una historia de dominación y opresión que pone los pelos de punta una vez que McKee y Ketchum (autores de un guión escrito a cuatro manos) van revelando poco a poco la verdadera naturaleza de este tirano doméstico. El tema que se va forjando poco a poco es interesante porque calza bastante bien con el ya citado discurso protofeminista de McKee, el cual consiste simplemente en el usurpamiento del poder y lo que ocurre cuando ese poder es súbitamente recuperado tras una larga serie de maltratos y humillaciones. En este sentido la imagen de esa mujer bestial atada de pies y manos y con una ferocidad completamente inhumana anticipa momentos terribles que desembocan en un clímax sangriento que se ve venir pero que no deja de impactar.

Debido a todo lo ocurrido antes de este final y el regodeo de la película en la miseria humana de los personajes masculinos, el público se sentirá inevitablemente identificado con la mujer feral del título y celebrará sin duda la llegada de la justa venganza, tal como ocurre en los más famosos ejemplos del Rape & Revenge como I Spit on Your Grave (1978), pero esto es sólo superficial puesto que McKee y Ketchum van mucho más allá al dotar a la venganza de la Mujer un componente inhumano que revierte a través de la violencia la subyugación de lo femenino.

Como nota final, esperad el final de los créditos para ver uno de los epílogos más surrealistas pero a la vez más sugerentes de este año. En general, The Woman es un descubrimiento notable que puede que dificulte el regreso de Lucky McKee a los predios del cine de terror mainstream, pero francamente con estos resultados eso importa más bien poco

Reseña: Wrong Turn 3 (2009)

2011-10-02T17:41:00.000+02:00

Mientras esperamos a ver la cuarta parte lanzada este año, repasamos aquí esta tercera entrega de la saga de Wrong Turn (2003), ese simpático plagio/homenaje de Las colinas tienen ojos (1977) con sus mutantes caníbales de la profunda West Virginia. Como ya habíamos comentado en una ocasión anterior, la primera parte dirigida por Rob Schmidt resultó ser una película de terror más que eficiente que en cierta forma se adelantó a un resurgir del horror físico que habría de demostrar ser muy fructífero en años posteriores, si bien las comparaciones con la obra anteriormente citada de Wes Craven no se hicieron esperar. La segunda parte, dirigida por Joe Lynch y lanzada directamente en formato doméstico, abrazó radicalmente esta nueva ola de cine sangriento y resultó ser (al menos en la opinión de quien esto escribe) una película muy superior a su antecesora que rescataba el auténtico espíritu cafre del material en el que se basaba, con un sentido del humor muy entrañable y una brutalidad que aprovechaba al máximo las posibilidades de su formato en cuanto a censura. Esta tercera entrega, mucho más modesta, parece tomar sin embargo un camino diferente.

Al igual que la secuela inmediatamente anterior, Wrong Turn 3: Left for Dead (2009) parte de una premisa que sólo es una excusa para situar a sus personajes en el bosque, en este caso un autobús lleno de presidiarios que tras intentar un aparatoso escape deben cruzar los parajes de West Virginia para alcanzar la tan ansiada libertad. Hay asimismo una subtrama acerca de unos sacos de dinero encontrados por accidente en medio del bosque pero todo no es más que un pretexto; el verdadero interés está en enfrentar a esta panda de maleantes contra un mutante caníbal que los irá cazando sistemáticamente uno a uno, dificultando su odisea. De entrada esto, que en un principio pareciera ser un enfoque más dedicado al suspense, termina demostrando las carencias de medios de la película, ya que efectivamente esta vez sólo hay un mutante que da caza a los protagonistas, y no la ya acostumbrada familia de caníbales.

Este detalle en apariencia meramente anecdótico es la primera de muchas señas que hablan de un estancamiento de la saga de Wrong Turn y de las prisas en realizar una secuela que carece del sentido del humor de la segunda entrega y en la que tampoco vemos rastros de la genuina falta de restricciones que mostraba en cuanto a violencia y desmembramientos. Tampoco ayuda el subordinar la premisa de terror al drama carcelario que representa el juego de poder de los personajes, así como la inexplicable insistencia en obtener el dinero perdido, como si la lucha por la supervivencia no fuese ya sufiente motivación. Aún no he visto la cuarta entrega, pero por lo poco que he podido leer, parece ser que en esta ocasión sus responsables han decidido reinventar la franquicia cambiando radicalmente el entorno rural de estos paletos asesinos. Wrong Turn 3 representa en todo caso un traspié si se le compara con la muy superior segunda parte, y en general resulta un entretenimiento demasiado ligero comparada con otras muestras similares de un grupo enfrentado rivales terribles en tierras extrañas.

No más vacaciones

2011-09-18T12:07:00.000+02:00

Ritmo de actualizaciones bajísimo, lo sé. Pero existe un buen motivo: he regresado finalmente de vacaciones y del exitoso magical mistery tour en el que nos hemos dejado la vida promocionando esto. Ahora, nuevamente en tierras germanas, esperamos recuperar el ritmo y poner en marcha alguna que otra sorpresa. De momento, nos la hemos pasado metidos en casa con el invitado que podéis ver en la imagen que adorna estas líneas, así que ya sabéis por donde irán los tiros a partir de mañana. Saludos.

Reseña: Mirrors 2 (2010)

2011-09-07T22:50:00.000+02:00

Aquí tenemos otro ejemplo más de esas secuelas tardías que parecen surgir de la nada en formato doméstico. Aunque en este caso sólo dos años separan a Mirrors 2 (2010) de la primera parte, el hecho de que ambas películas sean tan diferentes sólo puede referirnos a una necesidad imperiosa de depredar el éxito, grande o pequeño, de cintas anteriores con elencos más vistosos. Esta segunda parte de Mirrors (2008), dirigida por Víctor García (un veterano ya en estos temas) tiene un argumento completamente diferente al de aquella película con Kiefer Sutherland, y de hecho se muestra como una historia de fantasmas bastante convencional que podría perfectamente haber sido parida con un título diferente sin que nadie objetase nada al respecto.

Hay cosas que se mantienen, como la idea del centro comercial embrujado y el guardia de seguridad que descubre una maldición relacionada con los espejos. Hasta allí las semejanzas con el original son evidentes, pero Mirrors 2 termina teniendo una estructura mucho más limitada al hacer de su misterio algo pequeño que afecta a personajes específicos, cuya relación con el maleficio del centro comercial prueba ser algo bastante concreto. Es así como muy pronto no tardamos en encontrarnos el arquetipo clásico de la maldición producto de un crimen sin resolver del que uno de los personajes es culpable, un misterio que el protagonista deberá resolver pronto si no quiere pasar a engrosar la lista de víctima.

Por desgracia este giro más convencional de la secuela elimina una de las pocas cosas interesantes que tenía su predecesora dirigida por Alexandre Aja, y es que la primera Mirrors al menos rescataba un poco la ideal del Mal como fuerza antagónica pura, algo que se había perdido en el horror sobrenatural y que sólo en los últimos años ha comenzado a recuperar algo de empuje en parte gracias, curiosamente, a la invasión de producciones asiáticas que originaron esta película. Esta secuela por el contrario cae en la ya aburrida representación de un predecible misterio y una mucho más predecible resolución en la que el maleficio del centro comercial es despojado gracias a la ejecución de una venganza.

Completismo puro y duro es el único motivo que encuentro para acercarse a Mirrors 2, eso y la voluntad de escudriñar en el azaroso mundo de las secuelas en formato doméstico. Con todo y eso, el nivel de esta película es bastante bajo incluso para los estándares de este tipo de producciones, tanto que el director Víctor García se ve incapaz de repetir incluso los superficiales atractivos estilísticos de Return to House on Haunted Hill (2007). En esta por el contrario no encontramos nada de original o atractivo y sí todos los molestos tics y lugares comunes de esa mala manera de entender el terror sobrenatural, tendencia de la que tristemente forma parte.

Reseña: Los Hamilton (2006)

2011-08-23T08:30:00.001+02:00

Muy probablemente no sean pocos los que conozcan a los directores Mitchell Altieri y Phil Flores, quienes trabajan bajo el pseudónimo de The Butcher Brothers a pesar de tener apellidos diferentes. En este blog ya hemos reseñado su relativamente reciente remake de April Fool's Day (2008), que no salió muy bien parado pero que de alguna manera tiene cierta continuidad temática con la película de la que hablamos hoy y por la cual se dieron a conocer. Los Hamilton (2006) fue una de las cintas salidas del primer After Dark Horrorfest, y valga decir que de ese año fue la que tuvo el look más amateur (cada quien decidirá si dicho término esconde o no una connotación peyorativa).

En Los Hamilton vemos uno de los arquetipos más conocidos del cine de terror actual en lo que se refiere a la encarnación de familias de psicópatas que se dedican a capturar y torturar desconocidos, preferentemente jovencitas de buen ver. Sin embargo, algo ha de reconocerse a los hermanos Butcher y es su explícita voluntad de romper el lugar común que esto representa y centrarse no tanto en las depravaciones carniceras de los miembros de este clan familiar sino más bien en la representación de la cotidianidad de estos seres desquiciados a través de una perspectiva hasta cierto punto innovadora. La familia Hamilton en cuestión está formada por una camada de jóvenes huérfanos que idolatran a sus padres muertos y parecen protegerse mutuamente de un mundo exterior que depredan pero que al mismo tiempo parecen temer.

La idea central y la forma tan curiosa como los Butcher han usado este arquetipo de terror para elaborar una sátira de la típica unidad familiar de clase media es lo más interesante de una propuesta por lo demás poco atractiva en su desarrollo. El principal problema que veo aquí es la estética plana y aburrida que inunda el metraje producto sin duda de un uso indebido del formato digital. Sorprende en este sentido la existencia de un prólogo puramente "de terror" en el que destaca la presencia de la actriz Brittany Daniel en un brevísimo cameo. La Daniel no es solamente la única actriz conocida de la película (si no contamos la descolocante presencia como actor del productor Joel Silver), sino que encima este breve prólogo tiene una estética, tono y estilo completamente diferentes al resto de la cinta, con lo que se hace evidente que estamos ante un fragmento rodado de forma separada como posible estímulo para inversores.

Este prólogo es además el primer momento en que se nos adelanta el que será tema constante durante la película, y es el misterio que ronda a la familia y que se explica mediante las continuas referencias a una "enfermedad" que acosa permanentemente a los Hamilton y que sienta las bases de una subtrama de intriga con uno de los miembros más jóvenes de la hermandad. La revelación final es, eso sí, bastante predecible (la película prácticamente te la tira en cara más o menos a la mitad) y algo cutre una vez llegado el momento decisivo. Con todo y eso, y a pesar de que Los Hamilton tenga buenas ideas en cuanto a su concepción, su pobre estética y su desarrollo lento y aburrido hace que no me termine de convencer.

Reseña: Insidious (2011)

2011-08-07T18:50:00.005+02:00

Hace poco pude ver finalmete Insidious (2011), que a pesar de ser una de las cintas de terror más esperadas de este año se estrenó tarde y mal en una ciudad que tiene por norma un abierto desprecio hacia este género en particular. A estas alturas espero que todos los que leen esta página la hayan visto, aunque sea por los nombres que se encuentran tras ella: el título del que hablamos hoy es el nuevo trabajo del director James Wan y el guionista Leigh Whannell, los responsables de Saw (2004) y Dead Silence (2007). La primera fue, como sabéis todo, un gran éxito que partió de una película con una premisa básica y sencilla y una producción muy modesta que terminó generando un fenómeno taquillero que se extendió por una larga serie de secuelas en las que Wan y Whannell tendrían cada vez menos participación. Dead Silence, por el contrario, fue una película muy distinta con énfasis en lo sobrenatural, arquetipos clásicos del cine de miedo y una clara inspiración en las estilizadas grandes obras del fantaterror europeo, con Bava y Argento como material de cabecera.

He de repetir aquí algo que ya he confesado anteriormente: Dead Silence siempre me ha parecido una película muy superior a Saw, al menos mucho mejor construída, más ambiciosa y sobre todo con un mayor despliegue de imaginación que la repetitiva saga de Jigsaw. No son muchos los que lo ven así, ya que si bien los excesos sanguinolentos de Saw han generado toda una avalancha de secuelas y hasta un supuesto "sub-género" de torturas, el horror sobrenatural de Dead Silence fue casi universalmente ninguneado por público y crítica. Insidious parece entender esto y por ello podríamos clasificarla como un hipotético punto intermedio: su ángulo es marcadamente sobrenatural, pero la forma en que está rodada (sobre todo en los primeros dos tercios) la revela como una producción muy modesta que se vale de pocos artificios y de una estética muy sobria acorde con las limitaciones de su ajustadísimo presupuesto (apenas millón y medio de dólares). La presencia como productor de Oren Peli, responsable de Paranormal Activity (2009), resulta muy reveladora porque como esta, Insidious también se vale de la sensación de inmediatez transmitida en un principio por su ambientación netamente doméstica: una joven familia acosada por seres sobrenaturales que parecen ensañarse con el hijo que ha entrado en un misterioso estado de coma.

Este acoso de los fantasmas, sutil al principio pero progresivamente más siniestro y terrible a medida que transcurre el metraje, no tiene en sus inicios nada de novedoso pero aún así es de agradecer debido a que me reconocilia con un género que en los últimos años se ha dejado llevar por un cinismo mal asumido que hace que la gran mayoría de las cintas de terror que se estrenan (tanto en el mainstream como en las producciones independientes) sólo parecen tomar la senda del horror físico o la parodia. Insidious por el contrario es una película que al menos intenta dar realmente miedo, y a mi parecer lo consigue sobradamente a pesar de que gran parte de sus logros son tomados de otras películas. Es así como el esquema del niño en peligro y la llegada (ya casi llegando al tercer acto) de unos investigadores paranormales vincula a la película de Wan con otras conocidas cintas del género como Poltergeist (1982) o El ente (1982), siendo esta última una referencia más que obvia al contar en el elenco con la protagonista de aquella cinta, Barbara Hershey.

Es precisamente a partir de este punto en el que Insidious entra en la polémica que divide al público en cuanto a su calidad y se deja llevar por sus delirios estéticos, abandonado el sobrio ambiente realista de sus primeros dos tercios para entrar en una espiral atmosférica en la que Wan hace gala de sus influencias construyendo un imaginario tan estridente que en ocasiones parece caer en la comedia involuntaria. Aquí sin embargo he de estar nuevamente en desacuerdo con aquellos que han despreciado la película por eso ya que desde el principio la cinta nos ha preparado para ello gracias al planteamiento inicial del poder de la imaginación como puerta al terror, un gran concepto que por otro lado valida la siempre difícil tarea de hacer cine de terror con niños. Todo ello hace de esta una cinta muy recomendable para aquellos que buscan realmente cine de terror desprejuiciado y conocedor de sus referentes más básicos. En medio de la plaga de secuelas, remakes, precuelas y adaptaciones, el trío de Wan, Whannell y Peli han conseguido el que quizás sea el primer estreno comercial de terror genuino de este año, uno que se merece sobradamente el considerable éxito que ha tenido.

Ahora os pido a todos que volváis a ver Dead Silence y seguramente la miraréis con otros ojos.

Tres tristes trailers 36

2011-08-01T09:38:00.003+02:00

La primera vez que escuché hablar de Knights of Badassdom pensé que su producción sería algo más amateur, pero el trailer ha terminado por revelarme lo contrario gracias al despliegue de efectos especiales y rostros conocidos en lo que se perfila como una comedia de horror que toma como evidente inspiración a Army of Darkness (1993). El argumento ya lo conoceréis todos: un grupo de jugadores de rol ataviados con vestimentas medievales invocan por accidente un demonio de otro mundo al que ahora deberán enfrentar. Siempre puedo estar equivocado al ser este no más que un avance promocional, pero todo parece indicar a una cinta mucho más convencional de lo que esperaba, aunque con todo y eso será difícil arruinar una idea tan buena. Desde aquí mantenemos la fe aunque sea por el hecho de ver a nuestra Summer Glau repartiendo estopa una vez más.

Por otro lado, y a escaso tiempo de su estreno, no ha dejado de sorprenderme el trailer de la nueva versión de La cosa, el cual ha terminado de convencerme de que estamos ante un evidentísimo remake encubierto ya no de la versión original de Christian Niby de 1951, sino de la versión que John Carpenter sacara en 1982. A pesar de que esta nueva película supuestamente es una precuela que narra los eventos transcurridos antes de que el monstruo llegara a la base americana en el Polo Sur, ya el trailer nos deja ver que veremos exactamente el mismo argumento que en la película de Carpenter y que, para colmo, la cinta tendrá el mismo título (gracioso será el día en que intentemos hablar a un amigo de una o de la otra). El avance deja entrever una mirada un tanto más profunda en la mitología del monstruo, con esos maravillososo planos de la nave espacial que adentran la historia aún más si cabe en la clara inspiración lovecraftiana de En las montañas de la locura, pero las excesivas ganas de referencia la original y la desesperación actual del cine mainstream por parasitar los éxitos del pasado llaman a la cautela. Aún así,y a pesar de que hubiese preferido una secuela, sigue siendo La cosa y su regreso es más que bienvenido.

Sorprendentemente, de los tres avances este es el que más ha llamado mi atención. 11-11-11, como ninguna otra película de este año, basa gran parte de su efecto en su fecha de estreno, algo por otro lado poco recomendable si se desea tener algo de validez en fechas posteriores. Sin embargo, lo nuevo de Darren Lynn Bousman (aquí publicitado únicamente como el director de tres entregas de Saw a pesar de tener una carrera más allá de dichas películas) tiene una pinta mucho mejor de lo que esperaba con su historia de corte apocalíptico y su estética amateur y tradicional. Al menos el gancho temático del 11 de noviembre de 2011 le asegurará un nicho en salas comerciales y dará a su director una oportunidad a pesar del fracaso de Repo! The Genetic Opera (2008) y el todavía pendiente estreno de su versión de El día de la madre (2010), la cual continúa atascada en el ciclo de festivales sin todavía encontrar distribución comercial. En Bousman confiamos.

Reseña: El bosque maldito (2006)

2011-07-27T17:40:00.001+02:00

Con un título muy apropiado en su versión española, El bosque maldito (2006) (The Woods en el original) fue en su momento el proyecto más problemático de Lucky McKee. El director que ya venía de cosechar grandes halagos con May (2002) se encontró de repente con que la cinta que había concebido con apoyo del estudio quedaba atascada en líos de distribución y engavetada por dos años antes de pasar directamente al formato doméstico. La decisión es incomprensible ya que esta película cuenta con grandes aciertos a pesar de no ser el mejor trabajo de McKee, por lo que el rechazo puede deberse a la fría recepción que tuvo en numersoso festivales o a las expectativas creadas en cuanto a qué clase de cinta es simplemente por el hecho de tener a Bruce Campbell en el reparto. La presencia del protagonista de The Evil Dead (1981) es algo puramente anecdótico no sólo porque su personaje no tenga mucho peso argumental sino también porque estamos ante un trabajo muy diferente con el que McKee intenta dar un tono diametralmente opuesto a la pieza indie con la que había comenzado su carrera.

De hecho, la misma trama de El bosque maldito ya deja esto bien claro al hacernos entrar en un argumento más acorde con lo que sería otro ejemplo práctico de un oscuro cuento de hadas: una jovencita problemática va a parar a un curioso internado ubicado en medio del bosque y descubre, tras una serie de misteriosas muertes y desapariciones de las alumnas, que las directoras de la escuela ocultan un terrible secreto relacionado con un antiguo cónclave de magia negra. Si esto os suena de algo no es casualidad; varias veces se ha mencionado que McKee y el guionista David Ross han calcado su premisa argumental de Suspiria (1977), lo cual es una gran verdad, tanto que si en su momento alguien me hubiese dicho que estábamos ante un remake de la cinta de Dario Argento yo me lo hubiese creído. Pero es que aparte de las semejanzas narrativas y el tono de cuento de hadas macabro, hay aquí también un importante regodeo estético que si bien no tiene nada que ver con el colorido mundo del director italiano, sí está bastante marcado en su intención de mostrar el arraigo del Mal con las fuerzas de una Naturaleza hostil de la cual los villanos sacan su poder.

Pero lo más interesante de la película es como ese mismo tratamiento de cuento de hadas se mantiene con coherencia incluso a través de dos formas distintas de relato; lo que en un principio parece una historia juvenil de instituto con énfasis en la crueldad de las chicas y algunos momentos de contenido sobrenatural poco a poco se va dejando llevar por una escalada de excesos estéticos hasta ofrecernos un clímax argumental de malvadas brujas, ramas vivientes, árboles que sangran y hasta Bruce Campbell al rescate hacha en mano. Todo esto hace que El bosque maldito sea una película injustamente maltratada que ciertamente no se merecía haber sido dejada de lado tan radicalmente, aunque sea por el hecho de que con ella McKee demuestra ser capaz de algo en el fondo muy distinto a la película que le hizo famoso, encima mostrando un gran respeto por el legado de cine de terror fantástico que ostenta.

Reseña: Mum & Dad (2008)

2011-07-18T22:20:00.000+02:00

A pesar de ser una de las más recientes entradas destacables del horror británico independiente, Mum & Dad (2008) parte con la desventaja de no sorprender demasiado a aquellos más acostumbrados a este tipo de relatos de horror físico. Todo en ella muestra cosas que ya hemos visto antes en muchas ocasiones, partiendo de la base argumental de una chica prisionera de una familia de perturbados psicópatas que se cebarán con ella durante casi todo el metraje, esquema popularizado tras La matanza de Texas (1974) y que aquí encuentra una de sus más recientes encarnaciones. Hay, sin embargo, diferencias sustanciales en esta película que la hacen un ejemplo más interesante de lo que pudiera parecer en un principio. En primer lugar, la cinta acomete de forma exitosa el riesgo que significa situar su argumento en un contexto netamente urbano (específicamente, una residencia de clase media-baja en las inmediaciones del aeropuerto de Heathrow, en Londres), lo que ya de entrada evita la ambientación rural que suele acompañar este tipo de trabajos.

En segundo lugar, Mum & Dad desarrolla su ya trillado argumento de una forma mucho más inteligente de lo normal al mostrar a la familia de psicópatas de una forma mucho más detallada dando importancia a las miserias personales de sus miembros y de cómo la estructura familiar depende exclusivamente de un juego de dominación del que todos forman parte, manteniendo una estructura autoritaria vertical en la que la espantosa figura del padre brutal, represivo e irascible se complemente con una madre portadora de un sadismo y una crueldad que tiene mucho de gratificación sexual, elementos que ambos intentan inculcar a sus hijos “adoptivos”.

Con todo esto sólo queremos decir que la película consigue dar a sus personajes un delicado equilibrio que les aleja un tanto de la sórdida caricatura paleta normalmente dada a este tipo de psicópatas; lo realmente terrible de esta familia es lo normal que parece en la superficie y el hecho de que detrás de su locura parece haber un método y una lógica bastante retorcida pero sin duda presente. No quiere decir esto, sin embargo, que el director y guionista Steven Sheil escatime esfuerzos a la hora de mostrar todo el repertorio de depravaciones de las que estos seres son capaces y que sin duda consiguen el efecto buscado de hacernos temer genuinamente por la vida de la joven protagonista.

Todos estos excesos de violencia y ensañamiento (remedo sin duda no sólo de La matanza de Texas sino también de Hostel (2006), película de la que esta cinta hasta cierto punto toma su esquema y lo invierte) está intercalado con un humor bastante negro que no pasa desapercibido y que está centrado sobre todo en el espectacular trabajo actoral de Perry Benson como el padre, hecho curioso dado que este actor es principalmente conocido por su trabajo en comedias que en poco desentonan con el elemento estrafalario y satírico de las clases populares urbanas que Mum & Dad parece entrever. De todas formas, este ángulo humorístico mezclado eficientemente con una película tan depravada como esta la convierten en una pieza muy recomendable dentro del panorama británico de terror, por mucho que su premisa ya esté bastante vista.

Reseña: Blancanieves: La verdadera historia (1997)

2011-07-12T09:06:00.003+02:00

Blancanieves: la verdadera historia (1997) es otra de esas joyas que vale la pena volver a rescatar, una película de gran interés que por desgracia quedó sepultada entre historias similares durante los noventa. Por un lado no es de extrañar, ya que este telefilme realizado para la cadena americana Showtime tiene muchos puntos en común con otras historias de terror gótico que proliferaron en la misma década como Drácula de Bram Stoker (1992), Frankenstein de Mary Shelley (1994) e incluso Entrevista con el vampiro (1994), de las que se diferencia sin embargo por un tratamiento mucho más oscuro de la dualidad horror/fantasía. Con todo y eso la crítica en su momento la pasó bastante por alto, si bien se reconocía por un lado su valor al revivir el lado perverso de los cuentos de hadas (prácticamente anulado por el cánon Disney y reforzado en parte por las producciones de Hallmark que empezaron a surgir entonces), así como el trabajo de Sigourney Weaver como la villana, quien fue nominada a varios premios y cuya actuación es sin duda lo mejor de la película y por sí sola una razón para verla.

El argumento se toma varias libertades con todas las versiones conocidas del cuento de los hermanos Grimm, pero como decíamos arriba rescata el lado siniestro de la original y al menos se esfuerza en incluir detalles del cuento que no son conocidos por el público mayoritario. Asimismo, la historia de rivalidad entre la madrastra y la joven Lilliana (quien nunca en la película es referida como Blancanieves) está aderezada con directas aluciones a la brujería, canibalismo, satanismo, incesto y necromancia impensables para una cultura audiovisual en la que los cuentos de hadas apelan únicamente al lado bueno de los niños. De hecho una de las cosas más interesantes de esta versión es que en ella Blancanieves pasa a ser un personaje secundario, centrando más bien la atención en la madrastra interpretada por Sigourney Weaver, un personaje interesante, complejo y el único que muestra cierto tipo de evolución, comenzando como una mujer que intenta sinceramente ser aceptada por la hija de su nuevo esposo y que sólo sucumbe ante la maldad (y la magia negra heredada de su madre) luego de una desgracia personal.

Todo esto está narrado desde una perspectiva sombría y cruel que no escatima cebarse con personajes normalmente calificados como héroes, tales como el príncipe salvador y hasta la propia Blancanieves (una joven Monica Keena), quien se podría decir tiene la subtrama más trasgresora pero por otro lado predecible una vez que se establece su relación con los siete desconocidos que la albergan en el bosque, no enanos sino una banda de forajidos cuya adoración hacia la joven no es precisamente unánime. Sin embargo, y como ya hemos dicho antes, el personaje de la joven no es aquí lo principal de la película y el argumento no se ocupa de elaborar mucho la relación entre Blancanieves y sus nuevos amigos: nunca queda muy claro por qué la joven no regresa a casa inmediatamente, y su enemistad con uno de los integrantes del grupo queda sin cerrar dramáticamente hablando. Pero los vacíos argumentales quedan en cierta forma compensados con una muy cuidada estética renacentista ayudada por las locaciones reales de Alemania y República Checa y sobre todo por la inquietante figura de ese espejo mágico habitado por una fuerza maligna cuyo origen muy sabiamente permanece en medio de un misterio.

Blancanieves: la verdadera historia queda fuertemente recomendada para aquellos que busquen un ejemplo de cómo llevar correctamente un cuento de hadas oscuro y cruel a la pantalla. Algunos sin embargo puede que queden algo decepcionados con el tratamiento lento y sobrio de una película más dada a la imagen y en la que ni siquiera hay muchos diálogos, pero la perfecta síntesis de fantasía y terror de la que hace gala sorprenderá a más de uno, especialmente por la soberbia actuación de una Sigourney Weaver particularmente inspirada en un personaje que sin duda es el que está mejor escrito. El formato televisivo, si bien condiciona a la película a tener un desenlace carente de epílogo que se siente algo abrupto, no debería por otro lado hacer surgir un prejuicio completamente injustificado. si no la conocéis, echadle un vistazo lo antes posible.

Otras versiones

2011-07-10T22:30:00.001+02:00

Si la última reseña dejada por aquí os ha picado la curiosidad en cuanto al tratamiento más o menos diferente que ha tenido Caperucita roja en el cine, entonces es un momento tan bueno como cualquier otro para mencionar otras adaptaciones que he visto anteriormente y que (a mi parecer) vale la pena revisar. Hay muchas más, evidentemente, pero estas cuatro que he visto son de las que considero más destacables, al menos por los motivos que nos atañen en esta página.

De las cuatro, En compañía de lobos (1984) es probablemente la más famosa y una de esas reseñas que llevamos pendientes desde hace mucho tiempo. El tratamiento que esta suntuosa película de Neil Jordan hace de Caperucita roja es más bien alegórico y temático en vez de anecdótico, pero toca las teclas correctas en cuanto a cine de terror y posee algunas imágenes inolvidables, como por ejemplo la del cartel que adorna estas líneas y que a mí en lo personal me estuvo rondando durante años mucho antes de ver la película.

Sin salida (1996), o como dice su mucho más apropiado título original, Freeway, ha sido desde hace tiempo una película que me ha fascinado, aunque queda claro que no es cine de terror sino más bien una sátira violenta hecha a la sombra de Natural Born Killers (1994), teniendo ambas en común el nombre de Oliver Stone, que aquí hace de productor. Se trata de una adaptación sucia y violenta de la historia de Caperucita en donde esta es una prostituta adolescente que debe escapar a casa de su abuela para eludir a la justicia y termina encontrando a un asesino en serie de la carretera convenientemente apodado Bob Wolverton. Pero lo mejor de la película es sin duda la actuación de Reese Witherspoon, aquí en uno de sus primeros trabajos, y en un tipo de papel que nunca más ha vuelto a hacer, lo cual es sin duda una lástima. Por cierto que el director es Mathew Bright, el mismo de Bundy (2002), una cinta que guarda muchas similitudes con esta.

Red Riding Hood (2003), título similar al que apenas hemos reseñado, es una modesta producción italiana del prolífico Ovidio G. Assonitis que cuenta una versión moderna de Caperucita desde el punto de vista del lobo, incluyendo claras alusiones a la Mafia, enfermedades mentales, y sangre a borbotones. Es una película bastante inusual que aún no sé si reseñar debido a que no se amolda mucho a los estándares (arbitrarios) de este blog, pero que aún existe como posibilidad.

Finalmente llegamos a una de las más interesantes entradas de esta breve lista, que no es otra que Little Erin Merryweather (2006), un slasher film de bajo presupuesto con Caperucita como eje temático, el cual a pesar de su premisa tiene grandes similitudes estéticas con la versión de Catherine Hardwicke, incluyendo un poster muy similar y un derroche visual bastante parecido. No tan destacable como otras de su género pero sí muy interesante aunque sea por el hecho nada común de hacer del asesino una figura femenina, algo que pocas veces se maneja con tanta efectividad.

Reseña: Caperucita roja (2011)

2011-07-07T07:45:00.001+02:00

No exageran aquellos que dicen que Caperucita roja (2011) es el primer clon “oficial” de Crepúsculo (2008), algo que va mucho más allá del hecho fortuito de que la directora sea Catherine Hardwicke, la misma que nos trajo en su momento la famosa saga de películas de romance vampírico adolescente. Pues bien, esta adaptación bastante libre (por decir algo) del cuento recopilado por los hermanos Grimm viene efectivamente a llenar un vacío que aquella historia de amor y chupasangres ha dejado, puesto que las semejanzas estilísticas son demasiadas para creer en la casualidad. Aunque debo decir que a pesar de la casi unanimidad de críticas negativas que ha recibido, esta película de la que hablamos hoy hace al menos un intento un tanto mayor por ser realmente una historia de terror, lo bastante para que le dediquemos unas líneas.

Decíamos arriba lo de adaptación libre en el sentido más literal de la palabra; lo cierto es que esta Caperucita roja tiene poco que ver argumentalmente hablando con el relato original, aunque sí se nota que tanto la directora Hardwicke como el guionista David Johnson (responsable del guión de La huérfana (2009), lo que en esta casa da caché) sí muestran un interés claro en explorar el lado perverso de la historia dejando entrever el subtexto erótico-agresivo del relato original y al mismo tiempo evidenciando un sinfín de referencias a otros cuentos de hadas en los que los lobos son los protagonistas, algo que se nota desde el nada casual nombre del prota masculino (Peter) hasta un personaje haciendo una parodia de “Los tres cerditos”.

Pero esta es ante todo una historia de terror, por lo que la película muy pronto se encarga de mostrarnos aquello que ya anunciaba el trailer: que el supuesto lobo que asola la aldea de la joven Valerie (una bellísima Amanda Seyfried) es en realidad un licántropo que ha pasado a tener una muy malsana fijación con ella, lo que provoca la intervención de un grupo de cazadores de brujas liderados por un inquisidor que no piensa dejar escapar al monstruo con vida. El problema en todo caso es que la historia del guión original ha terminado por ser alterada para satisfacer las intenciones del público hacia el cual va dirigido; Caperucita roja intenta ser no sólo un cuento de hadas y una historia de terror sino también un misterio de baratillo y, sobre todo, un romance adolescente destinado a hacer suspirar a la fanaticada femenina de Crepúsculo. Tal mezcla de géneros no está lo que se dice muy bien llevada, sobre todo las escenas románticas, las cuales se notan incluso más artificiales que los cursis decorados que componen la película, increíblemente falsos más allá de su estética preciosista y bucólica. Todo el aspecto romántico de la cinta está tan mal hecho que por momentos parece una parodia. El lado del “misterio” (básicamente, quién es el hombre lobo) tampoco está mucho mejor porque la película no hace sino tirar pistas falsas en un intento de parecer más lista de lo que es y fingir al menos por un momento que esta no es una orgía camp de lo más sonrojante en ocasiones, tomándose en serio un tono que en muchas ocasiones mueve a la risa. Únicamente Gary Oldman en el papel del inquisidor parece saber en qué clase de película está, y lo demuestra con una gloriosa sobreactuación que sorprende por lo caricaturesca, con su terrible villano de fina barba, uñas postizas de plata y guardaespaldas multiculturales.

Todo esto al final termina siendo una lástima porque Caperucita roja es al menos en su concepción una película mucho más interesante de lo que pintaba en su momento Crepúsculo, y si falla es precisamente por su insistencia en emular a esta a través de un triángulo amoroso plagado de clichés entre los que destaca el ofensivo estereotipo de la niña guapa enamorada perdidamente del “chico malo” mientras que da esquinazo al guaperas decente. De haber desechado este ángulo y concentrarse en el lado perverso del argumento (algo insinuado muchas veces durante el metraje) habríamos tenido lo que en un principio parecía prometer y que sólo logra a medias: un cuento de hadas oscuro que devolviese al menos en parte el auténtico legado de horror que los hermanos Grimm quisieron dejarnos. Si queréis algo de eso, yo recomendaría que os acercarais mejor a Blancanieves: la verdadera historia (1997), una película con Sigourney Weaver que a pesar de haber sido hecha para la televisión está mucho mejor que esta, tanto que os prometo será la próxima reseña.

Reseña: Cold Prey 2 (2008)

2011-07-05T09:00:00.000+02:00

Cold Prey 2 (2008), secuela de uno de los mayores éxitos comerciales del nuevo cine de terror nórdico (aunque también uno de los más convencionales), es una película por la que siento una confesa debilidad. A pesar de no haber sido tan bien recibida, en realidad me parece mucho más destacable que la primera entrega, al menos como muestra de lo que es un slasher clásico. Lo es en el sentido más literal de la palabra; esta continuación de la gélida aventura iniciada en la primera parte es, sin ir más lejos, una copia nada disimulada de lo visto en otros trabajos similares, especialmente Halloween 2 (1981), la cual fusila sin ningún disimulo al incluir un argumento muy similar situado inmediatamente después de los eventos del primer Cold Prey (2006) y ambientado en un hospital donde la heroína deberá hacer frente al asesino de una vez por todas.

Pero su falta de originalidad se ve más que compensada en esta ocasión al tener todo lo que un slasher necesita y mostrar una genuina evolución a partir de la primera cinta muy a pesar de de sus semejanzas estilísticas. La final girl Jannicke (otra vez interpretada por Ingrid Bolsø Berdal) no se limita a correr desesperada por los pasillos sino que se enfrenta valientemente al misterioso montañés que ha empezado a despedazar a los trabajadores del hospital. Este asesino en particular también ha sufrido una evolución al convertirse en una máquina de matar con una fuerza y habilidad casi sobrenaturales que chocan frontalmente con el supuesto realismo de la primera entrega, pero que hacen de esta una película de terror mucho más efectiva. En general Cold Prey 2 es mucho más sangrienta y otorga menos concesiones que su antecesora, lo cual es de agradecer.

Y lo más curioso de todo es que la película echa mano de toda esa truculencia y bagaje en cuanto a horror físico se refiere sin caer en la tentación de hacer su contenido más digerible mediante la ironía o el guiño fácil con el espectador, un error que cometen muchos ejemplos recientes de este cine de asesinos misteriosos. Es encomiable también la manera en que esta secuela complementa la original al ahondar un poco más en su propia mitología y explorar los orígenes del asesino (que ya se intuían en la primera parte pero que aquí están mucho más detallados gracias a la gratuita inclusión de un antiguo testido de dicha génesis) y cerrar con una vuelta al hotel abandonado donde comenzó todo, rematando con la confrontación final entre la bestia y la chica final.

No hay realmente mucho más que destacar: Cold Prey 2 es aún más básica que su predecesora en cuanto a argumento y probablemente no pasará a la historia como uno de los ejemplos más destacables del terror nórdico que nos ha llegado recientemente, pero su mayor fiereza y su sincero respeto hacia las formas clásicas del cine que emula (nuevamente, la primera secuela de Michael Myers asoma por todos lados) la hacen para mí mucho más válida que la primera parte, y sin duda bastante recomendable para aquellos interesados en el nuevo cine de terror comercial noruego. Echadle un vistazo y lo compraréis. Falta comprobar ahora si la tercera parte estrenada en 2010 (muy previsiblemente, una precuela) estará a la altura.

Reseña: The Creature Walks Among Us (1956)

2011-06-26T23:00:00.000+02:00

La tercera y última película del monstruo de la laguna negra fue también la única que no se rodó en 3D y la única que no fue dirigida por Jack Arnold. De hecho, The Creature Walks Among Us (1956) es una cinta muy diferente de sus dos antecesoras, empezando por el hecho de que muestra ya una transición del cine de monstruos puro y duro hacia un tratamiento más ambicioso en su temática de ciencia-ficción sobre la curiosa crisis de identidad de la criatura, y lo mejor de todo es que lo hace con un argumento que muestra una clara coherencia con la forma como se venía desarrollando la saga. En esta tercera parte, un grupo de científicos con ínfulas de aventureros son contratados por un millonario mad doctor para capturar al monstruo (que tras huir del parque acuático de la segunda entrega se ha refugiado en los pantanos de Florida) y llevarlo a su mansión, no para exhibirlo sino para hacerlo parte de un misterioso experimento genético que buscará dar con las claves de cómo controlar la evolución humana.

Aparte del subtexto de ciencia ficción, sorprende por otro lado el oscuro tratamiento que el nuevo director, John Sheerwood, da a la película, desprovista esta vez de héroes intrépidos y en la que incluso está ausente la típica subtrama romántica; en The Creature Walks Among Us todos los personajes principales son moralmente bastante cuestionables, desde el científico desequilibrado que financia la expedición hasta su joven y martirizada esposa que ventila su frustración matando tiburones rifle en mano desde el bote, por no hablar del guaperas que busca seducirla aunque para ello tenga que recurrir a la fuerza. En este contexto de despreciables humanos la figura del hombre-pez se percibe una vez más como un personaje trágico que sólo busca escapar de sus captores, y los inquietantes paralelismos que traza el argumento entre el monstruo y su recién descubierta humanidad (que en un recurso un tanto risible pasa incluso por proporcionarle vestimenta) hace de esta una película distinta que sólo por eso merece ser revisada.

La mayoría de las reseñas que he leído de esta película siempre la califican de aburrida principalmente por sus diferencias con las dos anteriores y su menor inclinación al cine de monstruos que Universal había popularizado. Estoy de acuerdo en que tiene, efectivamente, menos acción que sus antecesoras y que la premisa de ciencia-ficción de la que parte es bastante disparatada bajo cualquier estándar posible, pero considerando que los monstruos clásicos del estudio como Drácula, el hombre-lobo o Frankenstein terminaron convertidos en parodias de sí mismos a lo largo de sus muchas secuelas, el que los responables de The Creature Walks Among Us intentaran hacer algo diferente y en cierta forma atrevido para el estricto código moral de los cincuenta es algo bastante loable que los amantes de este monstruo no pueden dejar de ver. Esta, como ya decíamos arriba, fue la última película de dicha criatura, aunque desde hace varios años se ha hablado de la posibilidad de hacer una nueva versión en la que la tecnología actual de efectos especiales nos permitiría ver al monstruo definitivo. Tras el gran salto temático que esta tercera entrega dio, incluyendo el agridulce (y, sorprendentemente, abierto) final, un remake es de hecho la única opción posible.

Tres tristes trailers 35

2011-06-24T16:09:00.003+02:00

Robert Hall vuelve a la carga con Chromeskull: Laid to Rest 2 (2011), la cual demuestra que estar muerto es sólo un pequeño escollo que resolver en la carrera de cualquier slasher que se respete. A juzgar por lo que podemos ver en el teaser, esta vez podemos esperar un argumento un tanto más elaborado (plagado por cierto de actores reciclados como Brian Austin Green o la misma Danielle Harris, quien poco a poco se va convirtiendo en una presencia perenne en el cine de terror actual) sin detrimento de los litros de sangre que ya acompañaban a la primera parte.

En el apartado de intereses personales, Bereavement (2011) es una a la que le tengo puesto el ojo desde hace tiempo, más que nada por este inquietante trailer con imaginería de gótico americano que sin embargo parece ir más allá de las típicas historias de asesinos rurales e intentar al menos adentrarse en el cine de miedo y no simplemente en el impacto de la violencia gratuita. La única reticencia, como siempre, la figura de los niños como algo tenebroso más o menos porque sí (sin razón aparente), pero no lo bastante como para mermar mi entusiasmo.

Y hablando de niños, este cortísimo avance de la británica Inbred (2011) pinta de lo más prometedor para aquellos seguidores del subgénero de niños malvados y encima mezclado con el terror a las remotas áreas rurales, una tradición por cierto muy fructífera en el cine de terror inglés y que ya nos ha dado otras obras similares desde The Wicker Man (1973) hasta Eden Lake (2008). La cercanía temporal con The Children (2008) parece un tanto arriesgada, pero quien vea este trailer no puede negar el interés que suscita.

Reseña: Laid to Rest (2009)

2011-06-21T10:15:00.001+02:00

Los seguidores del slasher no lo tienen fácil: siendo como es uno de los subgéneros de terror más prolíficos, separar los trabajos ejemplares de aquellos que simplemente buscan la mera explotación del horror físico se hace una tarea casi imposible. Aparte de eso, en muchas ocasiones el prejuicio ante esta particular forma de cine de terror hace que muchas veces se busquen coartadas discursivas y segundas (o terceras) lecturas a lo que debería ser un muy básico fenómeno del asesino enmascarado y sus escurridizas víctimas. En este sentido, Laid to Rest (2009) no pide disculpas a nadie; es lo que se dice un slasher en estado puro, y al igual que la muy recomendable Hatchet (2006), contiene todos los lugares comunes de dicho subgénero y no se corta nada a la hora de mostrar violencia en pantalla. La falta de contenido paródico y de nostalgia es lo que la diferencia, en todo caso, de la película de Adam Green.

De hecho Laid to Rest intenta ser una cinta más "seria" y brutal ya desde el inicio, cuando la final girl Bobby Sue Luther (quien, sorprendentemente, no explota sus atractivos físicos) despierta dentro de un ataúd con un conveniente caso de amnesia y descubre que está a punto de ser la víctima de un despiadado asesino de grandes cuchillos y máscara cromada de calavera. Los intentos desesperados de la chica por escapar de su captor es una situación que se explota desde su concepción más básica, algo que garantiza que los fanáticos de este tipo de cine se lo pasarán muy bien. Decimos "situación" en el sentido más literal: no es exagerado decir que esta película no tiene argumento, puesto se trata tan sólo de la representación del asesino, la posible víctima y los fiambres que dejan a su paso. Hay un delicado dejo de posmodernidad al hacer que el asesino grabe en vídeo las muertes de sus víctimas, otorgando cierta capa metanarrativa y enlazando con cierto discurso acerca del carácter vouyerista de gran parte de este cine en los últimos años, pero esta por fortuna es una lectura que está completamente subordinada al carácter lúdico con que se toma la propuesta, alimentada por otro lado con una amplia generosidad en cuanto a efectos especiales sangrientos, incluso dentro de los estándares actuales. Estos excesos compensan hasta cierto grado la falta de lógica narrativa y el desprecio que el director y guionista Robert Hall muestra hacia las convenciones argumentales.

De todas formas, lo que me parece el mayor acierto de la película, y lo que sin duda merece ser recordado más allá de su por otro lado rutinario desarrollo, es la imponente figura del villano (que por cierto me recordó mucho a la imagen del rapero alemán Sido en su album Maske) y el absoluto mistrio tras su origen. La cinta de este modo consigue uno de los principales (y menos comunes) objetivos de los slasher film al crear un asesino icónico y esteticamente memorable. Desde ya predigo que con un par de secuelas más se convertirá en un exitoso disfraz de Halloween. El logro de convertir al principal villano en una forma completamente desprovista de personalidad ha sido una de las constantes de este género desde los tiempos de John Carpenter, y me alegra comprobar que dicha tradición se mantiene.

Tengo que reconocer que Laid to Rest, después de todo, no es lo mío, pero quizás sea porque mi relación con el cine de terror ha cambiado a lo largo de los años y mis gustos no son los mismos de antes. Sin embargo, si cada generación tiene derecho a sus propios iconos terroríficos, el matarife de la máscara cromada se alza como uno de aquellos que más posibilidades tienen, al menos hasta que arruinen todo con una precuela o tontería similar. Este largomentraje de Robert Hall (quien, muy apropiadamente, tiene una larga lista de créditos como técnico de efectos especiales) puede que me haya dejado frío a nivel de argumento y seguramente no gustará a aquellos que busquen algo más cerebral, pero pocos ejemplos actuales le igualan en brutalidad y desprecio hacia las vidas de sus personajes. Con todo, es lo suficientemente interesante para echarle un vistazo al menos una vez.

Reseña: Terror en Amityville (1979)

2011-06-18T09:05:00.000+02:00

Una cosa que durante mucho tiempo me sorprendió fue el éxito inicial de Terror en Amityville (1979), que fue en su momento una película cuya inmensa popularidad sólo es comparable con los palos que recibió por parte de la crítica, lo cual no le impidió sin embargo tener una larga serie de secuelas y hasta un remake de 2005 realizado por la Platinum Dunes. Reconozco que yo me hallaba entre aquellos que no la ven como un buen ejemplo de cine de terror, una opinión que he terminado por matizar pero que por otro lado es comprensible; después de todo, esta cinta de Stuart Rosenberg ha terminado por quedar bastante eclipsada por otros trabajos posteriores que comparten su misma base temática, como Al final de la escalera (1980), El resplandor (1980) o Poltergeist (1982). Sin embargo, esta llegó antes, y la forma en como trata el argumento es lo bastante sobria y carente de efectismos como para alzarla por encima de sus mucho más explícitas continuaciones.

Dicha base temática parte del ya clásico argumento de la casa construída sobre terreno maldito y familia que se muda a ella y comienza a ser acosada por un Mal de procedencia desconocida. Lo que diferencia en todo caso a Terror en Amityville es su ambientación moderna (inusual para la época) y el hecho de que estaba supuestamente inspirada en hechos reales, contados en un famoso best-seller de entonces acerca de la familia Lutz y su experiencia con demonios, fantasmas y posesiones en su residencia. Hoy en día la fama de dicho fenómeno ha terminado por eclipsarse bastante, con la mayoría considerando hoy como fraude aquel relato y con la película siendo ninguneada incluso por sus actores, entre ellos un James Brolin que afirmaba no creerse un ápice de lo que el verdadero Lutz le había contado. Otra cosa que la hace perder puntos ante muchos fanáticos del género de terror es su general ligereza y su escasa cantidad de muertes, lo que la hacía perder muchos puntos ante otros productos sobrenaturales de la época mucho más brutales como El exorcista (1973) o La profecía (1976), las cuales tocaban temas similares con ambientación moderna y que eran sin duda mucho más eficientes como cine de terror.

Pero a pesar de las malas críticas y del hecho innegable de no haber envejecido tan bien como sus arriba mencionadas contemporáneas, un segundo visionado de Terror en Amityville me ha hecho reconsiderar mi posición y reconocer que después de todo no le faltan méritos que expliquen la enorme popularidad que suscitó en su momento (más allá del morbo generado por el libro en el que se basa). Como decíamos arriba, la película nunca se rinde ante la salida fácil del efectismo, hay atisbos de una mitología bastante bien desarrollada, y existen genuinos momentos de miedo que hacen de esta una película de casas embrujadas muy disfrutable y sobre todo muy superior a varias de sus imitaciones. Estas cosas se me han hecho bastante evidentes tras haber visto el remake de 2005, que hace que esta de la que hablamos hoy parezca una obra maestra.

Por desgracia gran parte del público actual que haya visto antes el remake tenderá a despreciar la original por el simple hecho de que no se ven los fantasmas, pero pienso que estarían cometiendo un grave error. A tantos años de su estreno, es verdad que esta primera cinta de Amityville dista mucho de ser una gran película, pero tiene auténticos aciertos a nivel de cine de terror que la nueva versión intenta compensar con efectos especiales y un elenco de gente guapa. En los próximos días iremos revisando el resto de entradas de la saga, de la que por cierto ya se espera un segundo remake (por supuesto) en 3D, así que de momento dejamos la original como una película curiosa y simpática que simplemente no está a la altura de las cintas similares que conforman su legado.

Reseña: Warlock (1989)

2011-06-14T09:00:00.005+02:00

Recuedo que en su momento, cuando el poco criterio que pueda tener era muy distinto, una película llamada Warlock (1989), una de las cintas más famosas de Steve Miner, ocupaba un lugar preferencial como una de mis cintas de terror favoritas. El tiempo se ha encargado de matizar un poco esta preferencia y un visionado posterior ha hecho evidentes las carencias de la película en más de un sentido. Sin embargo, he de reconocer que me sigue fascinando la curiosa mezcla de terror y fantasía que tanto Miner como el guionista David Twohy (cineasta varias veces alabado en esta página y que para aquel entonces apenas estaba en sus primeros trabajos) lograron cocer. Si quien lee estas líneas aún no la ha visto, debería remediar esa situación cuanto antes ya que ni siquiera hoy en día existen muchos trabajos similares, al menos no con ese equilibro tan delicado entre géneros.

El argumento en este sentido es bastante lineal; un hechicero del Boston del siglo XVII (interpretado magníficamente por el británico Julian Sands, quien desde entonces se vería encasillado durante muchos años en papeles de villano) escapa de su ejecución gracias a un conjuro que le transporta a la California del siglo XX, tras lo cual emprenderá una búsqueda de los tres fragmentos de un grimorio satánico que le permitirá destruir el mundo. Sin embargo, el viaje en el tiempo del villano ha traído consigo también a un cazador de brujas dispuesto a detenerle a como de lugar, y para ello recluta a una joven chica de la época moderna que debe romper un embrujo que el hechicero ha puesto sobre ella. Es precisamente la persecución del villano a lo largo de Estados Unidos de lo que trata la película, y como público vamos alternando entre las fechorías del oscuro pesonaje y los mil y un métodos de detección y lucha de los héroes, quienes van soltando cada tanto tiempo un sinfín de detalles acerca de la mitología de los hechiceros, varios de ellos bastante interesantes y que demuestran al menos que el guión de la película tiene cierto trabajo de documentación detrás.

Esta documentación está puesta al servicio de un esquema argumental bastante conocido. De hecho la trama no es más que una versión un tanto diferente de Terminator (1984), con la diferencia de que esta vez héroe y villano vienen del pasado y no del futuro, y de que el tratamiento de la historia está más inclinado hacia la fantasía oscura que hacia la ciencia-ficción. Las similitudes son tan marcadas que estaría dispuesto a jurar que Twohy tuvo a la cinta de James Cameron muy en mente a la hora de escribir el guión, y que los elementos fantásticos son asimismo un muy claro intento de parir una versión terrorífica de Los inmortales (1986), con la que también hay claras semejanzas de estilo. Sin embargo, tanto Twohy como Miner consiguen dar a su trabajo un toque original en la forma como dicho tono fantástico está metido con total naturalidad en una ambientación realista que incluso no desaprovecha la oportunidad de enlazar con tradiciones y supersticiones típicamente americanas como la presencia de ciertos cultos religiosos típicos de dicho país como los puritanos y los menonitas.

Este ángulo es sin duda lo más interesante de Warlock y el motivo por el cual la sigo considerando una película muy inteligente que por desgracia se ve un tanto afectada por lo limitado de sus recursos y su aspecto excesivamente típico de finales de los ochenta, con todo y estética muy a la moda de entonces que sin embargo se ve bastante dignificada gracias a la inclusión de dos estrellas del cine británico como el ya nombrado Julian Sands y Richard E. Grant, quien borda su papel de cazador de brujas cubierto de pieles en medio del calor californiano. El guión tiene sus carencias, evidentemente, notables sobre todo en lo poco explotado que está el choque de los personajes principales en una época tan extraña a la suya, pero por otro lado gana al incluir detalles de una crueldad inusitada para una producción comercial como la violencia que el hechicero ejerce sobre sus víctimas, una violencia que no está desprovista de un componente sexual agresivo que le reportaría al pobre Julian Sands muchos papeles similares a lo largo de los años. Por todos estos detalles, la sabia reticencia de Steve Miner a dejarse llevar por el efectismo, su clímax final en un cementerio abandonado y su coherente imaginario de terror hacen de Warlock la película perfecta de Halloween y un trabajo al que hay que volver aunque sea una vez más.

Secuelas que nunca fueron

2011-06-13T14:00:00.000+02:00

Interesante esta galería hallada en la (muy recomendable) web Kindertrauma acerca de secuelas de películas de horror que nunca llegaron a hacerse, un curioso ejercicio de creatividad que una vez llegó a hacerse bastante popular entre amigos míos dedicados a la escritura: idear continuaciones para obras apreciadas por cada uno de nosotros, a más sacrílega mejor.

Y vosotros, ¿qué segunda (o tercera) parte os hubiese gustado ver?

Reseña: Hello Mary Lou: Prom Night 2 (1987)

2011-06-11T16:00:00.003+02:00

Una joya injustamente poco mencionada y que merece ser redescubierta, Hello Mary Lou: Prom Night 2 (1987) es una cinta que reinvindicamos como uno de las más atrevidas comedias de horror de mediados/finales de los ochenta. La primera Prom Night (1980) sigue siendo incluso hoy en día más popular y conocida debido sin duda a la presencia de Jamie Lee Curtis en el papel protagonista, pero esta secuela de 1987 es superior en todos los sentidos, aún cuando no tiene absolutamente nada que ver con su antecesora más allá del trivial hecho de transcurrir en el mismo instituto. La falta de vínculos es de hecho total, empezando porque no hablamos de un slasher sino de una historia de corte sobrenatural que bebe de numerosas fuentes a la hora de construir su imaginario, especialmente del arquetipo fantasmagórico de la Bloody Mary, un vengativo fantasma femenino que sólo busca retribución entre los vivos.

Tal fantasma es el de Mary Lou Maloney, una libidinosa y malhablada reina de graduación que muere horriblemente en la que sería su gran noche y que treinta años después logra poseer el cuerpo de una jovencita a la que usará como medio para su venganza de ultratumba. La película muestra durante este desarrollo dos grandes influencias: por un lado está Carrie (1976) con la historia de terror de ambiente colegial y la presencia de la religión como fuerza opresiva, y por el otro la saga de Pesadilla en Elm Street (1984), por el elenco juvenil, la existencia de un oscuro secreto mantenido por una generación mayor con consecuencias nefastas en la siguiente, y sobre todo por el estilo surrealista que la película muestra en las escenas de muerte, algunas de ellas realmente ingeniosas y que muestran un interesante imaginario visual producto de haber copiado a la saga de Freddy Krueger, sí, pero que al menos se ha hecho bien.

Las semejanzas, sin embargo, son principalmente estilísticas, ya que esta es una película de terror juvenil en todo sentido, con una visión un tanto lúdica del horror que la equipara a otras piezas ochenteras como La noche del cometa (1984) o Night of the Demons (1988), pero con todo y eso sorprende que esta Prom Night 2 contenga algunos momentos sorprendentemente atrevidos para una película mainstream, sobre todo en lo que el fantasma de Mary Lou obliga a hacer a la chica protagonista cuyo cuerpo ha poseído, aparte de una abierta sátira sobre la religión que resulta bastante evidente y que demuestra que estamos ante una película genuinamente trasgresora y ambiciosa a pesar de su condición de terror juvenil y sus concesiones a la comedia.

Por supuesto no todo es tan redondo; el argumento se toma algunas licencias que resultan poco creíbles, como el hecho muy conveniente de que el responsable de la muerte de Mary Lou sea años después el director del instituto, o que la película se vuelva en ocasiones confusa debido al intento de regodearse en su propio imaginario por encima de la lógica narrativa, pero estos son males menores y que son ampliamente compensados. Así que aquellos interesados en revivir las obras rescatables del horror de los ochenta tienen una deuda pendiente con Prom Night 2 y sacarla del oscurantismo impuesto por la sombra de su mucho más famosa pero inferior antecesora. Este reverso femenino de Freddy Krueger puede que no sea tan terrorífica como otros de sus contemporáneos, pero sí que merece ser atesorada.

Reseña: El rito (2011)

2011-06-08T12:30:00.001+02:00

Fue el primer estreno de terror comercial de este año, y aquellos que la hayan visto en su pase en salas sabrán que El rito (2011) es una de las entradas más recientes de ese cine de miedo que se vale del discurso religioso como fuente incuestionable de lo sobrenatural, en este caso los exsorcismos. Ya desde el principio hay una evidente intención de explotar el morbo del público resaltando el supuesto carácter "serio" de este fenómeno por parte de la Iglesia católica, lo que en cierta forma diferencia a esta película del sueco Mikael Håfström (responsable de otras cintas de terror como El fantasma del lago (2004) en su país de origen o 1408 (2007), ya en los Estados Unidos) es que no hace tanto énfasis en las posesiones demoníacas en sí, sino en la vida y preparación de los propios exorcistas. De hecho, se puede afirmar que El rito tiene muy poco de película de terror y más de un drama con toques sobrenaturales que se centra en la historia de un cura joven con una crisis de fe (¡alerta de cliché!) que viaja a Roma y conoce a un veterano sacerdote con una amplia experiencia en expulsar demonios y métodos muy poco ortodoxos.

Es este tratamiento uno de los principales problemas, puesto que la película vacila constantemente entre una mirada seria y científica del exorcismo y los excesos propios del cine de terror, pero sin el delicado equilibro que exhibía, por ejemplo, El exorcismo de Emily Rose (2005). En El rito, la insólita creación de una "academia de exorcistas" se nota demasiado impostada y mueve más bien a la risa debido a la seriedad con que se toma a sí misma, aparte de la inverosimilitud del personaje de Alice Braga, presente únicamente para forzar la introducción de un personaje femenino. No es esta la única carencia en cuanto al reparto, puesto que allí tenemos a la espectacular Maria Grazia Cuccinotta desperdiciada en un miserable papel de relleno o a un Anthony Hopkins en piloto automático y metido en un personaje que parece más bien una parodia de sus anteriores trabajos, hablando en italiano con un acento chunguísimo.

Siguiendo además los pasos de varias de sus antecesoras en cuanto a gancho publicitario, El rito afirma estar basada en hechos reales, o al menos en el libro del escritor y co-guionista Matt Baglio acerca del fenómeno del exorcismo visto desde una perspectiva científica. Sin embargo, tal como su web de wikipedia revela, las semejanzas entre el libro y la película son muy escasas y el énfasis en la academia de exorcistas no se corresponde con el enfoque efectista que se le da a las (escasas) escenas de exorcismo en las que la cinta inevitablemente termina cayendo, quedándose en tierra de nadie y sin comprometerse seriamente con ninguna de sus dos vertientes: cine de terror puro y duro o drama paracientífico acerca de un fenómeno cultural tan extendido. Por el contrario, veo en esta película más bien un afán propagandístico de la religión como fuente de "verdad" y unas ganas de mostrar "empíricamente" la existencia de la lucha entre el Bien y el Mal, algo que se hace tan evidente que termina molestando al ser imposible de combinar con las pretensiones intelectuales de la cinta. Un acercamiento más sincero a las posesiones diabólicas hubiese sido mucho más de agradecer que este débil y aburrido medio drama de tintes terroríficos que nos han intentado colar.

Reseña: Los ojos de Julia (2010)

2011-06-02T10:30:00.000+02:00

En caso de que os la hayáis perdido, Los ojos de Julia (2010) fue una de las principales apuestas del terror mainstream español el año pasado, la nueva producción de Guillermo del Toro con Belén Rueda como protagonista, esquema que viene directamente del éxito comercial de El orfanato (2007). Con todo y sus carencias, esta película me parece mucho más interesante que la anteriormente mencionada cinta de Bayona, al menos desde la perspectiva de alguien que gusta del cine de terror. Es también una obra hecha en gran medida para el lucimiento de su protagonista, quien aparece prácticamente en todas las escenas y quien lleva el ritmo del argumento en todo sentido, labor nada fácil de la cual la actriz sale bastante bien parada en su rol de una mujer que poco a poco se está quedando ciega y que busca desesperadamente aclarar el misterio de la muerte de su hermana gemela, cuyo supuesto suicidio se nota cada vez más sospechoso.

La trama detectivesca representa un gran cambio en estas producciones fanta-terroríficas de Del Toro al abandonar por completo el ángulo sobrenatural y dejar entrever las ganas del director y co-guionista Guillem Morales de emular las estructuras y momentos del thriller clásicos con inquívocas referencias a cintas como El fotógrafo del pánico (1960), Sola en la oscuridad (1967) o incluso El silencio de los corderos (1991), guiños que por otro lado son muy evidentes y han sido señalados más de una vez. Sin embargo, en la representación del asesino hay también cierta continuidad temática con otra película de Guillem Morales titulada El habitante incierto (2004), especialmente en lo que se refiere a la figura del "hombre invisible". Es de hecho la dirección de Morales una de las cosas que salva a la película, que en ocasines se hace demasiado larga y está plagada de salidas dramáticas y momentos tremendamente inverosímiles destinados únicamente a hacer que la trama avance a como de lugar.

Uno de los motivos por los cuales se hace larga es algo que ya estaba presente en El orfanato pero que aquí se nota un tanto exacerbada, y es la molesta presencia de un melodrama sentimental que se siente forzado y ñoño (atención a esa imagen final), y sobre todo imposible de combinar efectivamente con los recursos y maneras de cine de terror de los que la película hace gala, lo cual es una lástima porque aquellos momentos en los que la cinta realmente se adentra en el contenido terrorífico son bastante buenos. Es por eso que aquellos instantes dedicados a la exploración del lado romántico de la película se sienten como una interrupción muy poco agraciada que podría perfectamente haber sido dejada de lado en beneficio del lado más macabro del argumento, que en su tramo final alcanza cimas muy interesantes a pesar de que la "sorpresa" no es tal.

Esto y la estética es lo que al final termina haciendo rescatable Los ojos de Julia al menos como ejercicio de terror extravagante y elaborado. Curiosamente, es esta misma estética la que ha inspirado una reflexión breve pero interesante del crítico Jordi Costa en cuanto a la insistencia de gran parte del cine fantástico español de los últimos años en explotar la vertiente filogótica de sus historias en detrimento de otras formas de terror más viscerales y rompedoras. En todo caso, reflexiones aparte, me sigue pareciendo encomiable que Guillem Morales haya conseguido dejar entrever parte del estilo de su ópera prima en lo que es sin duda un intento de aprovechar la vertiente sobrenatural hispana cuya solvencia ante el público mayoritario ha quedado legitimada ya desde los tiempos de El espinazo del diablo (2000), la cual por cierto es mucho más recomendable que esta. El tiempo dirá si dicho estándar continuará repitiéndose.

El índice de reseñas (ahora de verdad)

2011-05-31T21:56:00.003+02:00

Creo que una vez le comentaba alguien que, más que de escritor (o juntaletras, mejor dicho), tengo espíritu de bibliotecario, notable en el afán de clasificar y delimitar todo a pesar de que de sobra sabemos que es imposible. Parte de esta frustración la podéis notar en el cambio más reciente que hemos hecho a la estructura del blog, ordenado las reseñas en una lista de estricto orden alfabético que podéis encontrar en la barra lateral o pulsando aquí. En ella podréis apreciar lo terribles que eran los textos de esta página en sus inicios, lo cual no quiere decir que ahora no sean susceptibles a mejoras. Eso sí, el criterio (o la falta de él) sigue siendo el mismo.

Tengo que destacar, no obstante, que realizar el índica está probando ser lo que se conoce coloquialmente como un trabajo de chinos, motivo por el cual todavía está en fase de construcción. Disculpe las molestias.

Asimismo, creo necesario mencionar que el motivo de la falta de actualizaciones no es debido a un desinterés de mi parte sino más bien a la creciente dificultad de escribir sobre algo que no sean películas específicas, así que a partir de ahora debo anunciar la ruptura definitiva de la estructura original del blog, que ya no se limitará a las tres reseñas/texto de transición, sino que se dedicará única y exclusivamente a reseñas... con el ocasional texto de transición de vez en cuando y no cada tríada (así que no creáis que os habéis librado del brevísimo ránking de cada año). Espero que disculpéis una vez más la inconstancia que me caracteriza y hagáis la vista gorda cada vez que publique mis desatinos por aquí, cosa que seguiré haciendo con mucho placer.

Reseña: Noche de miedo 2 (1988)

2011-05-22T14:00:00.001+02:00

Animada por el éxito de Noche de miedo (1985), esta secuela de 1988 dirigida por Tommy Lee Wallace intentó repetir la fórmula de su predecesora volviendo a sacar una historia de terror con vampiros de por medio y un tono fuertemente inclinado hacia la comedia, aunque prescindiendo esta vez del contenido metaficcional del que hacía gala la primera parte. De hecho, Noche de miedo 2 (1988) puede ser considerada una película de vampiros un tanto más convencional, en la que las principales innovaciones vienen de revertir las situaciones dramáticas que daban pie a la primera película; ahora es Charlie Brewster quien se ve acosado y seducido por una vampira llamada Regine quien está lentamente convirtiéndole en un chupasangre, y es su chica quien recluta al presentador televisivo Peter Vincent para salvar su cuello y su vida. En muchos sentidos, el argumento es una versión un tanto más "seria" de Once Bitten (1985), conocida en España como Mordiscos peligrosos, aquella entrañable comedia de vampiros con un entonces desconocido Jim Carrey.

No es esta la única forma en la que Noche de miedo 2 da la vuelta a aquello que veíamos en la primera parte y la referencia: la credulidad de los personajes también se ha visto invertida, ya que es ahora Peter Vincent quién cree desde el principio en el regreso de las criaturas de la noche, mientras que Charlie, que ha pasado los últimos tres años en terapia psiquiátrica, se muestra escéptico y ansioso por aferrarse al mundo racional y dejar atrás sus pesadillas. A lo largo de la película, sin embargo, los roles de escéptico y creyente llegan a intercambiarse tan a menudo que toda la cosa parece un chiste bastante pobre. En general hay demasiados momentos similares (por no decir idénticos) a la primera Noche de miedo, por lo que se nota una dependencia excesiva en el éxito de la original.

Por fortuna esta secuela tiene sus propios aciertos ante los cuales no hay discusión posible, desde la voluntad sincera de llevar a su personaje protagonista a situaciones inexploradas (Charlie Brewster cayendo víctima de los vampiros es una consecuencia natural de la primera parte) hasta la elección como villana de la bellísima Julie Carmen (a quien años más tarde veríamos en la película En la boca del miedo (1994), de John Carpenter), sin duda un gran acierto de casting y un complemento perfecto de la imagen de playboy de Chris Sarandon en la primera cinta. Hay, de hecho, una muy interesante subtrama de rivalidad entre el personaje de Regine y Peter Vincent que por desgracia no es convenientemente explorada y que hubiese sin duda dado mucho juego.

En definitiva, no pretendáis que Noche de miedo 2 alcance la misma calidad de su predecesora, pero tampoco desdeñéis tan fácilmente las cualidades de una continuación divertida que al menos sabe orquestar correctamente el regreso de dos de nuestros cazavampiros favoritos. Tal como ocurría en la primera parte, la proporción terror/comedia inclina más la balanza hacia esta última, pero la película muestra un marcado y sincero respeto por el cine de monstruos, sobre todo a aquellos de grandes colmillos, con todo y la introducción de decadentes vampiros andróginos (con una estética late eighties que tira de espaldas), atolondrados hombres-lobo y fornidos engendros insectívoros. Ahora que se acerca el inevitable remake de la Noche de miedo original (la cual tiene una pinta mucho menos cómica por lo visto), una sesión doble de sus dos encarnaciones ochenteras se antoja como la forma ideal de ponerse al día.

Reseña: The Troll Hunter (2010)

2011-05-19T00:40:00.001+02:00

The Troll Hunter (2010), más que simplemente otra de las muestras del súbito interés despertado por el terror de origen escandinavo, es probablemente una de los más interesantes ejemplos de esta nueva moda de cine de género con estética de falso documental y estructura de metraje hallado. Al menos esta producción noruega evita los sustos fáciles y la mayor parte de los clichés de estos experimentos en primera persona y se centra en los aspectos más interesantes de su argumento: un grupo de jóvenes que deciden hacer un reportaje sobre un misterioso cazador furtivo que termina siendo en realidad un agente del gobierno encargado de mantener a raya a la población de trolls que abundan en los parajes silvestres de Noruega y que han permanecido ocultos a los ojos del público.

Es este argumento y su tratamiento lo que aleja un tanto a The Troll Hunter del género de terror propiamente dicho y lo acerca (tal como ocurrió con la finlandesa Rare Exports (2010), su innegable compañera temática) a los predios de una fantasía oscura en la que el verdadero centro de atención son las criaturas que pueblan el rico imaginario mitológico de los países nórdicos. Si bien las secuencias en las que los personajes se encuentran con los trolls no carecen en muchas ocasiones del componente de miedo (después de todo, siguen siendo seres salvajes y muy peligrosos), la película busca más imitar la estructura de un documental sobre la "vida salvaje" en la que no falta el componente didáctico al conocer en gran medida y con mucho detalle las características de los diferentes tipos de trolls, su hábitat y sus costumbres, todo esto tratado de forma muy seria y sin una intención irónica o paródica demasiado evidente. Al final la película termina siendo un verdadero documental en el que el espectador conoce en realidad a las criaturas y termina asumiendo la posición del cazador que ve su labor de exterminio con una cierta tristeza.

Los componentes de terror son mínimos aunque existentes (básicamente el enfrentamiento contra las criaturas y una pavorosa secuencia dentro de una cueva con el ya recurrente uso de la visión nocturna) pero eso es porque la película parece más preocupada en estimular el sentido de maravilla del espectador, algo por lo demás común en el género de fantasía. En este sentido es una lástima que la que es sin duda la imagen más impactante de la película (una que no en vano se guarda para el clímax) esté spoileada sin ningún tipo de pudor en el cartel promocional. Con todo y eso, y aunque muchos de vosotros podáis estar cansados del sub-género de falso documental, The Troll Hunter es una excepción a tomar en cuenta al menos por el hecho de que su formato está puesto a disposición de una idea bastante original y una intención que va más allá de la sensación de inmediatez que da la perspectiva de la cámara autoconsciente, algo que la aleja de trabajos explotativos como Paranormal Activity (2009) y la acerca más, por el contrario, a experimentos de género como Cloverfield (2008) o similares.

Reseña: Scream 4 (2011)

2011-05-12T18:46:00.001+02:00

Once años después de la tercera entrega, y a quince de la original, finalmente se ha hecho realidad Scream 4 (2011). Tras todas las especulaciones posibles, la tercera continuación de la última gran película de Wes Craven llega para retomar su tradicional muestra de terror referencial y posmodernidad. Lo hace además marcando el regreso del guionista Kevin Williamson, quien se había ausentado en la tercera parte pero que repite junto a Craven tras la mala experiencia sufrida por ambos hace seis años con Cursed (2005). Los motivos de su alejamiento se debieron en su momento a una continuación innecesaria de la fórmula evidenciada en dos secuelas que con todo y sus diferencias a nivel de calidad, quedaban delatadas como prolongaciones hechas únicamente para exprimir la novedad que significó el primer Scream (1996), y aunque esta cuarta entrega peca en gran parte de lo mismo, tiene un par de elemento nada desdeñables.

Una de las cosas más interesantes de esta cuarta entrega es que asume sin ningún tipo de vergüenza su condición de secuela innecesaria a la vez que hace burla precisamente de eso. Que esto responda a una voluntad artística de Craven o Williamson o únicamente a un afán por parte del estudio de rentabilizar una franquicia es una pregunta de la cual todos conocen la respuesta (la b), pero al menos los dos responsables han conseguido dotar a la película de innegables virtudes y atractivos conservando los detalles infaltables como el elenco original (incluso la sempiterna Neve Campbell que se enfrenta nuevamente al asesino con la cara de fantasma) al mismo tiempo que consigue entrar en su acostumbrado juego metaficcional con la introducción de nuevas "reglas" y un nuevo comentario acerca del estado actual del cine de terror.

Este nuevo comentario se basa en parte, como mencionábamos arriba, en la condición de secuela innecesaria de una saga condenada a rizar el rizo cada vez más, pero también en explotar los nuevos clichés del cine de terror: la obsesión por los remakes (evidenciada en el hecho de que la sobrina de Sidney Prescott parece una versión más joven de ella misma que empieza a sufrir una experiencia similar, así como la repetición del esquema de asesinatos de la primera parte), el horror documental, el cinismo en cuanto a los personajes y el mayor énfasis en la violencia, esto último algo que queda patente en la complacencia que tiene esta entrega en la sangre y las vísceras (literalmente). Todo esto sin dejar, claro está, de apostar por la comedia sin caer en los excesos cómicos de Scream 3 (2000). De hecho, el apartado cómico está asombrosamente comedido, siendo mayoritario únicamente en un prólogo hecho de escenas superpuestas que parodia no sólo los clichés del género de terror sino también los de la propia saga de Scream en una secuencia que constituye una de las mejores cosas de la película.

A pesar de que el guión de Williamson peca muchas veces de intentar parecer más inteligente de lo que es, el juego metarreferencial es lo suficientemente descabellado para resultar divertido incluso a los ojos del público natural de esta película: adolescentes ávidos de un asesino enmascarado y nostálgicos de los noventa, algo que da que pensar y nos recuerda como ninguna otra cosa la necesidad por parte de cada generación de tener su propia saga de películas de terror. Es esta marca generacional lo que al final termina siendo lo más interesante de Scream 4, ya que por lo demás esta secuela no hace más que constatar lo buena que era la primera parte; el nuevo elenco más allá de los veteranos no es tan interesante, se hace repetitiva en muchas ocasiones, y el misterio del asesino es bastante barato porque la película da bastantes pistas falsas como para que el culpable, al final, pueda ser realmente cualquiera, convirtiendo la resolución del misterio en algo completamente arbitrario. Aún así, los fanáticos incondicionales de la saga encontrarán una película divertida que resulta al menos una mejora en cuanto a la tercera entrega, aunque la primera siga siendo el auténtico referente y la única de todas que era una auténtica película de terror y no principalmente una mirada irónica de guiño-codazo destinada a un público que muchas veces comete el error de creerse más listo que las películas que ve.

Argento nunca se vió tan bien como en Blu Ray

2011-05-09T13:00:00.000+02:00

Y no me refiero a la calidad de imagen.

Reseña: Fido (2007)

2011-05-05T17:05:00.004+02:00

En el panorama de mayoritaria mediocridad de las comedias de zombis, la producción canadiense Fido (2007) es una obra maestra que perfectamente puede ser colocada al nivel de Shaun of the Dead (2004) sin ningún tipo de pudor. Curioso es sin embargo que el final de esta última haya anunciado la premisa de la cinta que tocamos hoy: Fido es en realidad una ucronía ambientada en unos años cincuenta alternativos, en los que los Estados Unidos han sobrevivido a una epidemia zombi gracias a una poderosa corporación que ha inventado dispositivos para "domesticar" a los muertos vivientes y convertirles en los siervos de los vivos, sumiendo todo en una tranquilidad idílica que se ve trastocada cuando un niño hace de su zombi particular su mejor amigo e inicia un proceso de domesticación mucho más genuino.

Las comparaciones anteriores con la película de Edgar Wright son algo que se mencionó mucho en el momento de su estreno y que saco a colación únicamente por automatismo, ya que las dos cintas no pueden ser más diferentes ni tener un mensaje más opuesto; mientras que la de Shaun es una suerte de experimento de género en el que se contraponen las reglas de dos géneros cinematográficos contrarios por antonomasía (la comedia romántica y el zombie survival horror), Fido es abiertamente una comedia retro en la que su director y co-guionista Andrew Currie utiliza la epidemia de muertos vivientes como una metáfora para hacer una parodia de la comodidad burguesa. No hay aquí (al menos no tanto) una reverencia hacia lo Zombi como género cinematográfico; de hecho la mayor alusión que se puede encontrar a este tipo de cine está en el documental educativo que se muesta al principio de la película y que incluye escenas de un cortometraje del propio Andrew Currie, Night of the Living, título que sumado al blanco y negro evidencia un guiño hacia la génesis de estas películas con George Romero a la cabeza.

Por otro lado, si hay una película con la que Fido tenga semejanzas mucho más marcadas es la también muy recomedable Pleasantville (1998), la cual aborda temas similares como la de una comunidad utópica que se protege aislándose de sus propios sentimientos. No en balde ambas películas están ambientadas en unos ficticios años cincuenta; las constantes temáticas como el conservadurismo burgués, el miedo al Otro y la constante comparación entre un mundo cerrado e idílico aislado del caos exterior encajan perfectamente en la representación fantasiosa de una época percibida como "ideal" por los defensores de ciertos valores. Estos temas están perfectamente tratados en la película de Currie y ocupan el protagonismo mucho más que los propios muertos vivientes, aunque la cinta por supuesto no se corta en cuanto a la aparición de estos, dejando por instantes asomar su vocación de auténtica película de horror y con un clímax final que sugiere un mundo exterior diametralmente opuesto al colorido suburbio que hemos presenciado con anterioridad.

Son estos momentos los que quizás llamen más la atención del amante del cine zombi, que probablemente se sienta un tanto defraudado al ser esta una película con un énfasis mucho mayor en su contenido satírico y en sus aptitudes como comedia, que están por otro lado muy bien llevadas a cabo gracias a un elenco genial en el que todos los personajes destacan, desde el bastardo corporativo de Henry Czerny, un enorme Dylan Baker o una particularmente inspirada Carrie-Anne Moss (que sale aquí increíblemente guapa, valga decir), sin olvidar por supuesto al Fido del comediante británico Billy Connolly. Eso y los personajes infantiles, quienes contrariamente a lo que suele suceder en este tipo de películas con niños de protagonistas, otorgan las principales fuentes de humor negro de esta película que hace falta rescatar de la sombra que Shaun of the Dead ha terminado por proyectar sobre el resto de comedias zombífilas de la década pasada. Más que recomendable, indispensable.

Reseña: Halloween: Resurrection (2002)

2011-05-02T08:00:00.002+02:00

Si bien intentó sinceramente cerrar el ciclo de secuelas con su cerradísimo y explícito final, Halloween H20 (1998) tuvo la desgracia de ser bastante exitosa a nivel de taquilla, con lo que poco después ya alguien se estaba sacando de la manga una nueva secuela de la saga de Michael Myers titulada Halloween: Resurrection (2002), empleando además una de las más trilladas codas en la historia de los títulos de películas. Probablemente más que ninguna otra, esta octava entrega del asesino de la máscara blanca, la última de la saga original, es descarada en su intento de rentabilizar la franquicia de estas películas con una secuela completamente innecesaria y absurda que por supuesto pasa por completo (como de costumbre) de justificar el regreso del asesino tras varios años pero al mismo tiempo intenta explicar cómo es que Michael Myers continúa con vida después de haber sido contundentemente decapitado en la entrega anterior por su hermana Laurie Strode.

Este personaje reaparece por cierto aquí, y está nuevamente interpretado por Jamie Lee Curtis en un muy corto papel durante el prólogo, que transcurre esta vez en un hospital psiquiátrico donde la incombustible y madura final girl ha terminado tras sus numerosos enfrentamientos con el asesino. Hay que decir en favor de la película que este prólogo es al menos valiente al cometer uno de los mayores sacrilegios posibles a los ojos de los seguidores de la saga, apostando radicalmente a una reinvención de la franquicia y despojándola de sus constantes tradicionales, todo un reto para el director Rick Rosenthal, quien aparte de Rob Zombie es el único cineasta que ha dirigido dos entregas de Halloween (en concreto se hizo cargo de la segunda entrega, allá por el 81). Esta vez la premisa del asesino enmascarado parte del gimmick del horror documental, centrándose en el elenco de un reality show de terror que transcurre en la famosa casa de Michael Myers en Haddonfield, sin saber que el Hombre del Saco está volviendo a casa a acabar con los intrusos.

La idea del reality es atractiva, muy a pesar de que el ambiente de inmediatez que dan las cámaras personales no es aprovechado en todas sus posibilidades (sólo una de las muertes es contemplada por el público, lo que da para un interesante comentario sobre la saga y su base fanática pero que por desgracia se queda en un muy breve guiño), y la película se hubiese beneficiado sin duda de un tratamiento más intimista y menos dado a la repetición de un esquema agotado ya hace años. Aparte hay un intento de hacer ciertas concesiones a la comedia que terminan siendo bastante contraproducentes por culpa de una mala elección de casting, especialmente la del rapero Busta Rhymes, quien tiene uno de los papeles principales de la película y que simplemente destaca demasiado, aportando ruido y quitando protagonismo a lo que debería ser el centro de la película: Michael Myers y sus víctimas.

Al final la voluntad de romper con el estilo anterior se queda en nada porque la película repite el mismo esquema de las anteriores, con una muy predecible confrontación final cuyo desenlace tira el ya infaltable guiño a una nueva secuela. Esta, como todos sabemos ya, nunca llegó, ya que tras el fracaso de esta cinta la saga de Halloween vería su verdadera "resurrección" con el remake de Rob Zombie cinco años después. En cuanto a Halloween: Resurrection, hay que ser muy fan de la saga para darle una oportunidad, ya que esta entrada se pierde en el limbo que existió entre los inofensivos slashers de los noventa y la llegada de un horror más dado a los excesos que vio su explosión justamente el año después.

Reseña: And Soon The Darkness (2010)

2011-04-30T11:00:00.001+02:00

Contrastando con el apacible inicio de la original, esta nueva versión de And Soon The Darkness (2010) comienza con un prólogo en el que se ve a una mujer gritando y siendo torturada por sus captores, lo que ya desde el principio debería darnos una idea bastante clara del tono buscado por este remake de aquel minimalista thriller británico de Robert Fuest, así como su voluntad de apelar a las constantes del cine de terror actual, específicamente al subgénero de los "turistas en apuros" al que tantas veces nos hemos referido. Eso explica en parte la decisión por parte de sus responsables de dotar al argumento de un mayor grado de exotismo al trasladar la acción de la campiña francesa de la original a la Argentina profunda, donde un par de jóvenes chicas americanas cometen la imprudencia de separarse del resto de su tour de bici en busca del color local, con los resultados ya esperados: una de las chicas desaparece misteriosamente y su amiga debe ser quien la localice a pesar de la escasa ayuda de las autoridades del lugar.

El prólogo al que nos referíamos anteriormente no es la única pista del nuevo tono adoptado por esta versión; son varias las escenas de la película que nos recuerdan la marcada influencia de otros catálogos de crueldades desde Hostel (2005) hasta nuestros días, y aunque no llega a nunca a ser gráfica en cuanto a violencia, sí que llega por momentos a ser bastante vejatoria y a buscar castigar al espectador con las desventuras de este par de atractivas jóvenes y varios intentos frustrados de salvación, tantos que por momentos llega a parecer una parodia. Un punto negativo en todo esto es el hecho de que este remake elimina de un plumazo todo el misterio de la original al revelar ya desde temprano el motivo de la desaparición de la chica y haciendo de éste parte de un horror más "global" en lugar del cuento de psicopatía rural del que la película original hacía gala.

Otro punto que evidencia como pocas cosas la voluntad de excitar el morbo del espectador está en la elección de las dos protagonistas, Odette Yustman y Amber Heard, dos de las chicas guapas por excelencia del cine de terror actual. La primera es conocida por cintas como Cloverfield (2008) o The Unborn (2009), y hay que decir que en esta película se siente completamente fuera de lugar en el papel de la amiga tonta, intentando muy probablemente canalizar el espíritu de socarronería de una Megan Fox light con el que no pega para nada. El caso de Amber Heard es aún más decepcionante; esta chica, a la que hemos visto ya en películas como All The Boys Love Mandy Lane (2006) y el reciente remake de El padrastro (2009), es una que no solamente es bastante atractiva sino que encima me parece una actriz bastante intersante que por desgracia todavía no ha encontrado una película que la haga realmente despegar. En esta versión de And Soon The Darkness, aparte de protagonista aparece acreditada como productora, lo que explica que la cinta gire realmente en torno a ella (casi no hay una escena en la que no salga) y los peligros que la acechan una y otra vez.

No será esta la película que cumpla su cometido de dar más proyección a su carrera (tiene más probabilidades con su incursión en Drive Angry (2010), lo cuasi-último de Nicolas Cage), puesto que el redux de And Soon The Darkness no tiene nada realmente memorable y se queda en un thriller bastante predecible y genérico una vez que se elimina el misterio de la original, algo notable incluso en la escogencia del actor Karl Urban en un papel engañoso que en un principio parece ser aquel misterioso desconocido de la moto que salía en la cinta original pero que finalmente termina ser un personaje de relleno completamente prescindible que incluso se podrían haber ahorrado. Del resto hay pocas cosas destacables, ya que ni siquiera la recreación del entorno rural argentino como una zona de "peligro" consigue reproducir el progresivo ambiente de miedo que Robert Fuest conseguía en su limitado entorno pueblerino que poco a poco se iba volviendo hostil. La única recomendación que se puede hacer, una vez más, es que le echéis un vistazo a la original de 1970 y dejéis esta aparcada.

Brevísimo ránking de horror del 2010

2011-04-15T09:00:00.001+02:00

Llega el momento, con un considerable retraso, de presentar lo mejor del 2010 en cuanto a cine de terror se refiere, siempre eso sí según el exclusivo criterio personal del habitante de este blog. El motivo de la tardanza es, como ya sabéis, que este año la selección ha sido mucho más amplia al no limitarse únicamente a los estrenos comerciales en España sino a todo lo que pudiésemos verl del 2010. Con todo y eso hay muchas que me faltaron y que me hubiera gustado catar, pero aún así la muestra ha sido lo bastante significativa para ofrecer estas tres posiciones que representan aquello que más satisfecho me ha dejado. Así mismo, y tal como ocurrió el año anterior, hay una mención especial para aquella que más gustó a los lectores de Horas de oscuridad y que decidimos a través de mención popular. Así que aquí las tenéis:

Posición No. 3

En la tercera posición de este ránking de horror tenemos lo último de Alexandre Aja, Piraña 3D (reseña aquí), una versión en tres dimensiones de la película de Joe Dante de 1978 que hace énfasis más que nunca en la sobreexposición de carne (tanto por dentro como por fuera) rematada con un glorioso clímax de virtuosismo gore. El desparpajo de la película compensa esta vez la desaparición del subtexto político presente en la cinta original, sobre todo por los excesos de su desenlace. Extremadamente recomendable incluso más allá del superficial fenómeno publicitario del 3D.

Piraña 3D ha sido también la favorita de los lectores de Horas de oscuridad para el 2010, por lo que la recomendación viene por partida doble. Aquí las posiciones del resto de la encuesta.

Posición No. 2

En la segunda posición de nuestro podio de terror del 2010 está Dream Home (reseña aquí), singular producción hongkonesa que, como decíamos en aquella ocasión, es probablemente una de las primeras películas de horror que recuerdo haber visto acerca de la burbuja inmobiliaria. Imprescindible si se es de los que habían perdido la fe en el terror asiático, cuyas obras puede que no estén llegando con la misma fuerza comercial de antes, pero al menos sí con un filtro de calidad mucho más riguroso.

Posición No. 1

Y la película de terror del 2010, siempre según el mutable criterio de quien esto escribe, es Enterrado (reseña aquí), de Rodrigo Cortés, una claustrofóbica producción española cuyas virtudes no se reducen únicamente a lo dificultoso de su premisa (hora y media de un sólo personaje metido en una caja sin recurrir a trampas como el conveniente flashback) sino también a la manera como logra administrar sabiamente sus recursos y conseguir la buscada sensación de angustia del espectador. Ryan Reynolds, un actor de quien ciertamente no me esperaba demasiado, está entre las mejores cosas de una cinta que recomendamos como pocas muy a pesar de que no cuente con los preceptos estéticos de lo que una película de terror debe ser.

Y eso es todo por este año. ¿Volveremos a hacer la lista de esta forma? Quizás no, ya que casi cuatro meses de retraso no es la mejor idea posible. De todas maneras, hay bastantes cambios para este blog en el futuro inmediato, así que (para variar) se hace necesario un poco de paciencia.

Aquí para el podio del 2009
Aquí para el podio del 2008
Aquí para el podio del 2007
Aquí para el podio del 2006

Aquí para el podio del 2005

La encuesta del 2010... ahora

2011-04-06T09:00:00.002+02:00

La encuesta este año llega tarde pero no mal. Tal como comentábamos con anterioridad, la escasez de estrenos de terror en España debido a caprichos de las distribuidoras nos ha obligado a ampliar el margen de candidatas para lo mejor del año, para lo cual se ha hecho imprescindible aplazar el momento de la publicación de dicha lista, ¿y qué mejor momento que la semana aniversario de Horas de oscuridad a inicios de abril? En todo caso, lo prometido es deuda, y al final de este texto encontraréis el enlace que os llevará a la votación. Esta vez he decidido ampliar el número de opciones de diez a veinte, alcanzando cierto acuerdo entre algunas que considero destacables y otras que han sido más populares. Como siempre os pediré que seleccionéis tres opciones que nos servirán para saber cuál ha sido la película de terror favorita del 2010 para los lectores del blog.

Evidentemente, las opciones que he puesto en la encuesta no son todas las películas que se han estrenado. Ha habido algunas que he visto pero que no he incluído en la lista, pero cuento con que vosotros las pondréis en el apartado de "otros" si consideráis que merecen una nominación. El único requisito: que los sabios de Internet Movie Database la hayan catalogado como una película del 2010.

Asimismo, estoy muy lejos de haber visto todas las películas de terror estrenadas en el 2010. De sobra sabéis que este blog siempre ha sido bastante mainstream en cuanto a su selección, por lo que es normal que se me escapen joyas escondidas en el fértil mundo de las producciones independientes. Considerad esta encuesta, entonces, como una oportunidad de abrirme los ojos a algunas películas que tendría que haber visto y las cuales deberían haber tenido lugar en la lista de reseñas. Lo dejo en vuestras manos.

Pulsa aquí para la encuesta

La encuesta permanecerá abierta durante una semana, así que tenéis tiempo de sobra para votar. No sé si esta forma de dar la tradicional lista anual seguirá en pie, pero como se suele decir: ya se me ocurrirá algo.

Reseña: Dream Home (2010)

2011-03-29T09:00:00.001+02:00

Ahora que ha pasado la fiebre del mainstream occidental por el cine de terror asiático, es el momento perfecto para la llegada de una película como Dream Home (2010), una producción hongkonesa que no sólo es una gran muestra de humor negro y virtuosismo gore, sino también la primera cinta de terror (al menos que yo recuerde) sobre la burbuja inmobiliaria, argumento que le viene como anillo al dedo ahora que el auge de China en la economía mundial es un tema ampliamente reconocible. En la película, el personaje principal es una joven empleada de telemarketing con un solo sueño en la vida: hipotecarse hasta el cuello para tener un piso con vista a la bahía de Hong Kong, una idea que asocia irremediablemente a la felicidad. Cuando su deseo empieza a ponerse cada vez más cuesta arriba, la chica decide hacer lo que sea para alcanzar su objetivo, así tenga que hacer una carnicería con sus futuros vecinos.

La película no sigue una estructura lineal sino que va saltando entre diferentes flashbacks y episodios situados en el presente en el que presenciamos la masacre desatada por la protagonista. Estas secuencias son sin duda las que permanecerán en el recuerdo del espectador ya que son de una brutalidad bastante notable, aunque la característica más curiosa de estas escenas es la torpeza con la que se desarrolla una violencia para nada estilizada y dotada de un negrísimo humor que se aprovecha de la evidente falta de experiencia de la protagonista en las artes del asesinato. Pero sería un error quedarnos únicamente con esto y no apreciar por otro lado el ambiente opresivo que crea el director Ho-Cheung Pang a través de la muestra nada disimulada de una ciudad tan carente de espacio como Hong Kong, llena de rascacielos que se montan unos sobre otros y con una realidad cotidiana tan asfixiante que hace que el público inmediatamente asuma a la protagonista como una víctima que ejecuta una merecida venganza contra las circunstancias que la oprimen. Hay mucho de catársis en el arrebato violento de esta mujer que ejecuta su carnicería con vulgares herramientas que recuerdan mucho a la visceralidad setentera de The Toolbox Murders (1978).

Algunos han comentado una supuesta falta de equilibrio entre el contenido sociológico de Dream Home y su entrega a la casquería fina, aunque personalmente no me ha parecido así; por el contrario, creo que ambos lados de la historia están perfectamente balanceados no sólo a través de la estructura fragmentada del relato sino también gracias a la soberbia actuación de la protagonista, Josie Ho, quien consigue de forma sobresaliente la transición por la cual pasa su personaje de sufrida asalariada a psycho-killer sin por ello caer en excesivos dramatismos ni rehuir al humor. La actriz, por cierto, también produjo la película y según cuentan tuvo gran parte del control sobre el resultado final. Es cierto que el cine de terror con crítica social y el más dado a los excesos sanguinolentos no siempre encuentran el mismo público, pero este es un ejemplo que ciertamente marca una excepción y vale la pena. Acercaos a ella sin duda alguna.

Reseña: Altitude (2010)

2011-03-27T11:00:00.000+02:00

Perdida en el limbo entre la distribución en cines y el directo a formato doméstico, Altitude (2010) es otra de esas películas de terror minimalistas que transcurren casi por completo en un solo escenario cerrado, en este caso la cabina de un pequeño avión donde cinco jóvenes han quedado atrapados en una tormenta que parece tener una procedencia sobrenatural. Hay en esta película una tendencia a caer en los lugares comunes de este tipo de producciones de terror juvenil, desde los estereotipados personajes hasta los típicos dramas de pasillo, pero con todo y eso me parece que estamos ante una de las pequeñas muestras de terror más interesantes del año pasado, una que al menos elude los dos principales clichés del cine de miedo mainstream de los últimos tiempos: las esquemáticas historias de fantasmas vengativos y las no menos genéricas copias del género slasher.

Otras reseñas ya han destacado las conexiones entre Altitude y The Twilight Zone, no sólo en cuanto las obvias referencias a episodios específicos sino también en cuanto a la atmósfera de tebeo de horror típico de muestras del género de los cincuenta y sesenta, algo directamente representado a través de la figura de un cómic de horror que funciona como elemento cohesionador de una trama que incluye monstruos gigantes, dimensiones paralelas y juegos con la linealidad espacio-temporal. Por desgracia la película sufre en ocasiones de un innecesario énfasis en momentos dramáticos que resultan involuntariamente graciosos, por aquella tendencia tantas veces discutida de algunos personajes en abordar problemas personales en medio de una situación de vida o muerte. Lástima porque todo lo demás está muy bien dosificado, y el suspense generado por la situación de peligro de los personajes es genuino por mucho que algunas salidas resulten bastante insólitas (aunque dentro de todo coherentes con el tono fantástico de la cinta).

Por desgracia la campaña publicitaria de Altitude (trailers e incluso el cartel promocional) revelaba sin piedad cosas que no se manifiestan hasta después de más de la mitad del metraje transcurrido. Y es que en general la "premisa" real de la película tarda mucho en aparecer, con lo que se evidencia que estamos ante una obra de terror que podrá haber sido un muy buen episodio de una hora, pero que se siente un poco estirada como largometraje debido a la supuesta necesidad de "ahondar" en los protagonistas.

A pesar de todo, el balance final es bastante positivo; amantes del terror tipo EC no deberían perderse Altitude por nada del mundo. La comparación con dichos tebeos es pertinente hasta que llega el final, el cual realmente me dejó sorprendido pero que convierte la película en algo muy distinto a aquello que empezamos a ver. Con todo y eso, la considero muy recomendable y una de las más sobresalientes del año pasado.

Reseña: Hatchet 2 (2010)

2011-03-25T05:00:00.001+01:00

En el 2006, Adam Green sorprendió a todos con Hatchet (2006), película perteneciente al género slasher que parodiaba y a la vez reinvindicaba lo que incluso su material publicitario denominaba la “vieja escuela” del horror americano, personificado incluso en la corpulencia de uno de sus mayores símbolos, el stuntman Kane Hodder, quien con su personaje de Victor Crowley acaparaba la atención del espectador. Cuatro años después, y estimulado por su éxito inicial, Green vuelve a la carga con Hatchet 2 (2010), tomando además el riesgo de estrenarla “unrated” en muy pocos cines. El riesgo de esta decisión, que en los Estados Unidos equivale a poco menos que un suicidio taquillero, se hizo sin duda en la confianza de que el boca oreja funcionaría tanto como en la primera parte y daría a esta secuela su propio fenómeno de culto.

Pero hay algo que no funcionó esta vez, y muchos de vosotros sin duda sabréis ya que Hatchet 2 fue un severo traspié en la carrera de Adam Green. Tras verla, y con mi confianza en el director asegurada no sólo gracias a la primera parte sino también a la muy recomendable Frozen (2010), hay que decir que efectivamente esta secuela huele a oportunidad perdida; y no es exagerado afirmar que Green parece haber olvidado qué hacía interesante la entrega anterior. De hecho, su secuela parece ser poco más que un catálogo de ideas dejadas por fuera en el primer Hatchet, incluyendo una indagación un tanto más profunda en la “maldición” que dio origen al antagonista. Green repite en su voluntad de evidenciar la reverencia hacia los clásicos de los ochenta, principalmente a través del elenco, desde el cambio de la actriz protagonista por Danielle Harris (veterana final girl de Halloween 4 (1988) y Halloween 5 (1989), aunque por desgracia en un personaje poco atractivo) hasta la presencia como actor de Tom Holland, director de Noche de miedo (1985) y Child's Play (1988), en un papel de cierta importancia. El argumento esconde pocas sorpresas, con la protagonista regresando al pantano para matar a Crowley, acompañada de un grupo de paletos de Louisiana armados hasta los dientes.

Los problemas, sin embargo, son fáciles de señalar; el primero de ellos tiene que ver con el hecho de que sorprendentemente, y a diferencia de lo que ocurría en la primera entrega, gran parte del metraje de esta secuela se va en largas secuencias de exposición (honestamente, creo nunca había visto un slasher con tantos diálogos) y escenas que no llevan a nada, como una interminable discusión acerca de unas galletas. El personaje que se lleva la palma es sin duda el de Tony Todd, que en la primera película no era más que un cameo pero que aquí parece ser el personaje principal incluso por encima del propio Victor Crowley, el cual aparece en el prólogo y a quien luego no se le ve durante casi una hora (!).

Aparte de esta mayor abundancia en el diálogo, Hatchet 2 parece estar hecho desde la confianza en la calidad de la primera entrega, y sobre todo desde un intento por hacerla menos dada a la comedia y buscando un tratamiento más oscuro y "serio", dos términos que no siempre van de la mano. El énfasis en la violencia exagerada hizo una vez más que Adam Green tuviese problemas con la censura en su país de origen, que le obligó a cometer la osadía de estrenar la película sin clasificación por edades. La cosa no funcionó, y esta segunda parte dejó bastante indiferentes a los seguidores de la primera entrega. Es una lástima porque Green sigue mostrando sus buenas dotes y Kane Hodder sigue demostrando que está en plena forma teniendo en cuenta su edad, pero por lo visto la saga de Victor Crowley no tendrá más continuaciones. Habrá que ver si en el futuro los intentos de Adam Green por resucitar la vieja escuela del horror americano tendrán más éxito.

Tres tristes trailers 34

2011-03-17T09:40:00.002+01:00

Insidious (2011) es la nueva película del director James Wan y el guionista Leigh Wahnnell, responsables de Saw (2004) y de la (para mí) más interesante Dead Silence (2007). Al igual que con esta última, los dos amigos parecen haber vuelto a poner sus preferencias en el horror sobrenatural en lugar de los excesos físicos, esta vez con la historia de un niño en coma cuya codición parece causar la llegada de amenazas de otras esferas. Esta es una que tengo en mi lista de preferencias, en la esperanza (quizás infundada) de romper con la montonía impuesta por estas historias de fantasmas en gran parte del mainstream actual.

Apollo 18 (2011), por otro lado, es la enésima entrada en la nueva fiebre por el horror documental, esta vez ambientado en el espacio exterior. Independientemente del hecho de que uno sienta algo de hartazgo por esta nueva ola de películas similares con metraje hallado, el principal problema que le veo a este avance es que parece revelar de entrada demasiado en cuanto al argumento, especialmente en cuando a la naturaleza del peligro que enfrentan los protagonistas y que resultaba un misterio mucho más interesante cuando la cinta se anunció originalmente. Queda la posibilidad, sin embargo, de que no nos estén contando todo, lo cual personalmente no creo.

Finalmente es Primal (2011) la que me llama más la atención del trío de trailers de hoy. Confieso que el inicio, con la llegada a la isla misteriosa, pinta mucho mejor que la resolución del misterio tras revelar la aparición de esos super-homínidos ataviados con calaveras que parecen ser la fuente del horror, pero la presencia de Lance Henrikseen en el elenco dispara las expectativas de una auténtica pieza de género de la vieja escuela. Habrá que esperar un poco más todavía para comprobar si dicha anticipación está justificada o no.

Reseña: 30 días de oscuridad 2 (2010)

2011-03-13T10:00:00.000+01:00

Una de las cosas más curiosas de esta secuela directo-a-DVD de 30 días oscuridad (2007) es el hecho de que pudiendo haber adaptado el cómic en el que se basa (y que personalmente me gustó más que la primera parte), sus responsables hayan decidido ir a por libre y crear una historia independiente que referencia al original en papel a través de algunos elementos comunes pero con un argumento distinto. Incluso el título que han decidido ponerle en España, 30 días de oscuridad 2: Tinieblas (2010) parece jugar con esta idea al ofrecer algo que es simplemente el esqueleto de la trama ideada por Steve Niles para el cómic original. Hay que decir, sin embargo, que el propio Niles se encarga del guión, por lo que todo queda en familia. En la película vemos el regreso de Stella (ahora interpretada por Kiele Sánchez), la única superviviente de la masacre que los vampiros realizaron en su Alaska natal, quien intenta desesperadamente revelar al mundo la existencia de los chupasangres y ha terminado por llamar la atención que un grupo de cazadores de vampiros que solicitan su ayuda para acabar con la reina de estos monstruos, una criatura llamada Lilith (¡alerta de cliché!) aficionada a los baños en tinas de sangre.

El argumento, como decíamos, introduce ciertos cambios para aquellos que conozcan la obra original pero mantiene varios de sus elementos más conocidos, incluyendo la presencia de un vampiro aliado que ayuda a los héroes a cumplir su misión. Por desgracia la que me parecía en un principio la entrega más interesante de la trilogía vampírica de Steve Niles queda bastante malograda por las evidentes limitaciones que ofrece el pase directo a mercado doméstico para la mayoría de estas secuelas. La estética de la original, sin duda lo más llamativo de la película de David Slade, aquí está prácticamente olvidada y relegada a una muestra plana con sólo leves referencias a la fría oscuridad de la original, casi todas ellas contenidas en el "cuartel general" de los vampiros. Los cazadores tampoco son muy interesantes como personajes y me parece especialmente terrible que una belleza como Diora Baird pase aquí completamente desapercibida en un rol secundario poco aprovechado.

El principal problema en todo caso viene por el desarrollo aburrido y predecible que se apodera de todo, con larguísimas secuencias de diálogos y el ya cansino estereotipo del héroe destrozado por una pérdida, además de villanos poco interesantes. La muy predecible confrontación final entre Stella y Lilith es anticlimática a más no poder y para colmo está adornada por una imagen directamente calcada de The Descent (2005) sin el menor asomo de vergüenza. A pesar de que la primera película no me pareció especialmente destacable, reconozco que su esquema de pueblo asolado por zombis inteligentes estaba mucho mejor llevado que este monótono relato de venganza.

La saga de 30 días de oscuridad ha terminado por extenderse no sólo por el mundo del cómic y el cine sino también en una cantidad considerable de novelas y piezas de fan fiction que hacen de la obra de Steve Niles un fenómeno. Esta segunda entrega contiene algunos aciertos, pero su desesperado intento de hacer una pieza de vampiros lúgubre y deprimente (es decir, "seria") tiene como único resultado una película tremendamente aburrida que hace que la original, por comparación, parezca mejor de lo que realmente fue. Independientemente del oscuro y aún más depresivo final, habrá que ver si alguien se decide a llevar a la pantalla el tercer tomo de la trilogía, Regreso a Barrow, para comprobar qué posibilidades tienen estos chupasangres de seguir teniendo éxito.

Reseña: And Soon The Darkness (1970)

2011-03-08T23:30:00.003+01:00

And Soon the Darkness (1970) ha visto resurgir un tanto su popularidad en América debido al reciente remake que se ha dejado caer por las carteleras, pero por lo visto se trata de un thriller mucho más conocido en su Gran Bretaña de origen, aunque sea por el hecho de que entre sus responsables se cuenta el director Robert Fuest y los guionistas Brian Clemens y Terry Nation, responsables de la famosa serie Los vengadores, a la cual siguió esta historia de dos amigas inglesas que hacen un tour en bicicleta por la campiña francesa (1). Cuando una de ellas desaparece misteriosamente, la otra intenta resolver el misterio de su paradero a pesar de la escasa ayuda de los locales y de un misterioso personaje que ofrece su ayuda con sospechosas intenciones.

En mi caso reconozco que no la había visto nunca y al final ha resultado ser una película muy competente cuya principal virtud está en el ambiente creado por Fuest y la manera cómo llega a él muy a pesar de comenzar de un modo que augura cosas muy distintas, con una alegre melodía instrumental y el paisaje idílico de los campos franceses en el que las dos amigas se encuentran. Esa misma sensación de inmensidad y la forma en que pasa a ser opresiva y terrorífica aún a plena luz del día es una de las mejores cosas que tiene y que la aleja de thrillers más explícitos que compartieron su misma época. La idea de los turistas perdidos en tierra hostil es además afianzada por el nada casual hecho de que las conversaciones en francés del resto de los personajes nunca son subtituladas, lo que ayuda a incrementar la sensación de falta de comunicación que hace más desesperado el estado de abandono de la protagonista.

Pero no hay que confundirse: más allá de lo que su nueva versión nos hace creer, no estamos ante una película que busque la fuerza del impacto. De hecho, la violencia aquí brilla por su ausencia, y el verdadero terror viene de la angustia de la protagonista al encontrarse sola en medio de un paraje desconocido y en el que no puede confiar en nadie. Al final, la resolución del misterio es bastante cotidiana y sencilla, pero aún así componente de una larga tradición de turistas atrados antes incluso de que dicha vertiente se popularizara y mutara en muestras más violentas. En todo caso, la "oscuridad" a la que se refiere el título es algo mucho más sutil que ha terminado por convertirse en rareza en un género que en sus últimos tiempos opta muchas veces por el susto fácil y la ausencia de una auténtica atmósfera. Si os ha pasado como a mí, enmedad el error y acercaos a And Soon The Darkness cuanto antes.

(1) Robert Fuest pasaría tras esta película a dirigir El abominable Dr. Phibes (1971) y Retorno del Dr. Phibes (1972), convirtiéndose ya en un hito del horror británico.

Reseña: I Spit on Your Grave (2010)

2011-03-03T22:07:00.004+01:00

Parecido a lo que ocurría en el remake de La última casa a la izquierda (2009), la nueva versión de I Spit on Your Grave (2010) hace gala de la ligereza actual de la censura en lo que a violencia se refiere para llevar el aguante del público hasta el límite. Si lo logra o no es algo que tendrá que decidir cada espectador por su cuenta, pero sin embargo creo que en esta ocasión el alcance de esta película va más allá que la simple repetición del efecto, algo que tiene su mérito ya que la cinta original de Meir Zarchi es considerada todavía hoy un clásico que no ha perdido su vigencia, a diferencia de lo ocurrido con otros varios trabajos de explotación de los años setenta. La versión del 2010, si bien cuenta exactamente la misma historia (una joven escritora citadina brutalmente violada y humillada por los lugareños paletos desata su terrible y cruel venganza) lo hace cambiando completamente el tono de la película y llevándola más dentro si cabe de los terrenos del auténtico cine de terror, cambio que es de agradecer y que dice mucho de las tendencias actuales de dicho género.

Una de las cosas que más me han llamado la atención es que esta vez, y a pesar de la premisa, la película no hace tanto hincapié como la original en la secuencia de la violación de Jennifer, que ocupa mucho menos metraje que en la original e incluso se permite omitir su violento clímax con una elipsis narrativa que ahorra al público los horrores vividos por la joven y cuya repetición insensata era uno de los aspectos más cruentos de la versión del 78. Sin embargo, toda la segunda mitad de la película, en la que Jennifer desata su terrible venganza, es mucho más brutal y despiadada. El cambio estructural afecta sin duda la reacción emocional del público, ya que era precisamente la tragedia de la protagonista lo que predisponía al espectador en contra de sus agresores y le hacía aplaudir la violencia que se desataba luego. En este remake dicha reacción no llega a ser tan visceral; si bien el público está llamado en un principio a simpatizar con Jennifer debido al terrible agravio que ha sufrido, su vendetta contra aquellos que la han vejado resulta tan cruel y sádica que en ocasiones se me ha hecho difícil de ver.

Aquí es donde viene, no obstante, lo curioso, y es que esta nueva versión utiliza ese mismo grado de violencia para crear una película completamente distinta; tal como se comentaba arriba, la historia es exactamente la misma salvo la introducción de un nuevo personaje (probablemente creado para corregir un famoso gazapo del cartel promocional de la versión del 78), pero esta película lo cambia todo una vez que llegamos a la venganza al trasladar el punto de vista de la narración y centrarlo ahora en los agresores, que pasan a ser las víctimas acosadas por el espectro tangible de aquella mujer que creían muerta y que ahora se manifiesta para hacerles pagar por sus fechorías. Este juego es muy significativo porque cambia el tono "realista" de la película original y se regodea en cambio en un catálogo estilizado de depravaciones en el que Jennifer ejecuta su venganza con métodos cada vez más elaborados y creativos que no están exentos tampoco de cierta carga irónica. Todo esto adrenta a este remake en los predios del slasher film y lo emparenta con la exhibición festiva de la tortura que cintas como Saw (2004) han conseguido popularizar. De hecho, considerando los medios a su disposición, la Jennifer Hills de esta película no tiene nada que envidiar el Jigsaw más inspirado.

La fórmula funciona bastante bien a pesar de que todo resulta bastante predecible y de que al final queda uno que otro cabo suelto en cuanto a argumento. Existe también el problema que ya esperábamos, y es que en medio de tantos estrenos similares y con la entrega actual del cine de miedo a los excesos del horror físico incluso dentro del mainstream, esta cinta se hace un tanto redundante y pasa inevitablemente desapercibida, sin causar el impacto cultural que la original trajo en su día. Con todo y eso, la considero una cinta bastante rescatable y, al menos como remake, mucho más interesante que la aburrida y fácil repetición del esquema e intenciones del original. Me parece incluso que, junto con Piraña 3D (2010), de Alexandre Aja, es el único remake realmente interesante de los muchos que nos llegaron el año pasado.

5 cuasi-terrores del 2010

2011-02-27T13:30:00.001+01:00

Debido a nuestro intento por tragarnos toda la producción posible del 2010 antes del aniversario de Horas de oscuridad (momento que hemos elegido como la nueva fecha de nuestra lista anual) nos hemos topado con algunas obras que si bien en su momento llegamos a pensar podrían ser incluídas en nuestro minúsculo ránking, al final han terminado por no ajustarse a lo que nuestro cambiante criterio reconoce como cine de terror. No quisiera, sin embargo, que dejásemos pasar la oportunidad de lanzar unos breves comentarios acerca de cinco de esas películas que nos han llamado particularmente la atención y que por uno u otro motivo no pasarán a formar parte de nuestra clasificación anual. Será breve, así que podremos sacarlas en esta nueva entrega de Horas de oscuridad lightning round:

Chatroom

La nueva película de Hideo Nakata, el cineasta japonés ampliamente conocido en esta página por sus películas Ring (1998) y Dark Water (2002). Esta es, sin embargo, una producción británica en la que Nakata intenta darnos un thriller juvenil tejido alrededor de un grupo de adolescentes convocados a un chat cuyo anfitrión parece ser un experto manipulador que llevará las cosas demasiado lejos. Lo interesante de esta película, hay que decirlo, es la escogencia estética de representar Internet como un espacio físico, aunque muchas veces ese recurso muestre salidas un tanto banales y llenas de un efectismo más apropiado para el sci-fi. Es por desgracia lo más destacable que he encontrado, porque la película se hace larga y aburrida, y los conflictos juveniles que muestra son en su mayor parte topicazos de mucho cuidado. La estética, insisto, es lo único que en determinados momentos salva el día. Para thrillers juveniles me quedo mil veces con la también británica The Hole (2001).

Hereafter

Lo nuevo de Clint Eastwood, y una que seguramente ya todos habréis visto. A pesar de que la cinta muestra un claro uso de lo sobrenatural, no es una película de terror; es en realidad un drama de historias cruzadas que tienen en común el tema de la vida más allá de la muerte, y el tratamiento que se le da tiene connotaciones románticas y una filosofía demasiado New Age para mi gusto. Confieso que me acerqué a ella porque era dirigida por Clint Eastwood y porque salía la chica de Alta tensión (2003), no necesariamente en ese orden. Algunos de sus momentos son interesantes, pero las intenciones discursivas de la película son demasiado evidentes como para pasar por alto. Atención, sin embargo, a dos detalles a tomar en cuenta: la espectacular secuencia del tsunami al principio de la película y la aparición de una Bryce Dallas Howard más bella que nunca. Del resto me pareció poca cosa.

Monsters

Por su condición de producción independiente y sus ambiciones de cine de ciencia-ficción "con mensaje", Monsters fue vendida en su momento como la nueva District 9 (2009), algo que no deja de ser curioso porque la película de Neil Blomkamp no era al final lo que se nos había intentado hacer creer que era. Eso no pasa con esta, sin embargo; Monsters es, como su nombre lo indicia, una película de monstruos en la que los monstruos casi nunca aparecen, y no dudo que sus responsables habrán creído que eso es algo bueno en sí mismo. De hecho los alienígenas que en ella aparecen son accesorios, y podrían perfectamente haber sido una amenaza más terrena y el resultado habría sido el mismo. Personalmente, me ha parecido una tomadura de pelo aburrida, pretenciosa, interminable, y con un mensaje político tan obvio y evidente que resulta ofensivo. Claro, es cierto que District 9 también tenía una carga política bastante obvia, pero al menos no te lo machacaba a cada momento.

Black Swan

Black Swan, lo nuevo de Darren Aranofsky, parte como una de las favoritas para los Oscar esta noche, y debo decir que personalmente es una película que me ha gustado mucho, más allá de que sus referencias a Cronenberg y De Palma (al menos en sus inicios) sean casi tan evidentes como sus juegos de simbolismo para principiantes (blanco=bueno, negro=malo... nadie se partió aquí la cabeza). Aquí, sin embargo, reconozco mi parcialidad, ya que Aranofsky es un director que personalmente me gusta mucho (ya hablé una vez de La fuente de la vida (2006) como esa película que por lo visto sólo me gusta a mí y a dos más), pero con todo y eso tiene grandes momentos, sabe perseguir claramente sus objetivos en cuanto a discurso, y da a Natalie Portman la que probablemente sea la mejor actuación de su carrera hasta ahora. Un thriller es, sin duda alguna, pero no es una película de terror puesto que todos los aspectos asociables a dicho género, incluyendo transformación a lo John Landis, son usados desde una perspectiva puramente metafórica.

Black Death

Si olvidase por un momento nuestro particular criterio a la hora de elegir candidatos, no me quedaría ninguna duda de que Black Death sería la película del 2010 por unanimidad. Es una lástima por eso que al final no sea una película de terror. En vez de ello, la nueva cinta del británico Christopher Smith (un director que cada vez me gusta más) es una oscura historia de aventuras que comienza con promesas de muertos resucitados y que termina siendo un viaje a las tinieblas de la Edad Media con fuertes reminescencias a la versión original de The Wicker Man (1973) y el anáologo viaje de los protagonistas de Apocalypse Now (1979). En esta ocasión, un monje en plena crisis de Fe durante los tiempos de la Peste Negra se une a un grupo de guerreros que resulta ser una banda de cazadores de brujas. Aparte de los elementos de aventuras, hay en Black Death un discurso sobre la Religión interesante que sabe sorprendernos incluso cuando pensamos que se irá por tópicos ya tocados, eso y que es una película cruel que juega constantemente con las emociones de un espectador que de repente se encuentra con que no es tan fácil tomar bando a favor o en contra de los personajes. Esta es una que a pesar de que no será reseñada aquí no puedo dejar de recomendar, ya que con ella Christopher Smith ha conseguido fraguar la que considero su mejor película hasta la fecha.

Reseña: Déjame entrar (2010)

2011-02-23T16:00:00.001+01:00

Seguramente ya habréis visto la opinión resumida que dejamos en forma de post de transición hace ya un tiempo (por cierto, curioso el interés desatado por lo que no era más que una línea resumiendo una impresión inicial), así que no viene mal desarrollar un poco la idea y explicar lo que realmente nos ha parecido la nueva versión de Déjame entrar (2010), remake de la muy mentada película de Thomas Alfredson. La existencia de estas nuevas versiones recalentadas es algo que ya comentamos una vez y que responde a una realidad económica acerca de cómo se maneja el cine de masas en Estados Unidos, algo que tiene que ver con un concepto que en publicidad se conoce como "conciencia de marca"; si bien la Déjame entrar (2008) original puede ser considerada en muchos sentidos una película de culto, la verdad es que una película extranjera tiene escasas posibilidades (por no decir ninguna) de ser un éxito en la taquilla estadounidense.

Llegados a este punto se hace necesario hablar de la película en sí, cuyo argumento es casi calcado al de la versión sueca, quizás demasiado. Aquellas palabras del director Matt Reeves en las que aseguraba que su versión no era tanto un remake sino una nueva adaptación de la novela original de John Ajvide Lindqvist finalmente han quedado en nada; Déjame entrar redux sigue prácticamente al pie de la letra el argumento de la primera adaptación e incluso la referencia en varias ocasiones con secuencias y planos específicos que son exactamente los mismos, lo que desmonta uno de los principales argumentos de los defensores de esta versión americana: que (supuestamente) no estamos ante una fotocopia del original escandinavo. Por el contrario, Matt Reeves, artífice de la por nosotros muy alabada Cloverfield (2008), parece haberse limitado a "traducir" culturalmente la película original y dudo mucho que haya tenido algún interés en aportar algo propio a aquello que ya se había contado. De hecho, los escasos cambios que se han realizado al argumento son insustanciales (como la presencia de un detective encarnado por Elias Koteas) o directamente empobrecen el resultado si se le compara con la versión original. Es esto lo que sucede, por ejemplo, con la decisión por parte de los responsables del remake de eliminar casi por completo la subtrama de vampirismo de la pareja atacada por la niña protagonista, lo cual borra también uno de los pocos elementos de auténtica película de horror que la cinta de Alfredson tenía. Algo similar ha ocurrido con la decisión de eliminar la ambigüedad del vampiro y la "verdadera naturaleza" de la niña; es cierto que la ausencia de dicha revelación no altera propiamente el argumento, pero sí es una muestra más de cómo la historia original ha tenido que ser suavizada para alcanzar los estándares de una producción comercial, lo cual es algo sin duda triste.

Tampoco estamos, como se ha comentado en anteriores ocasiones, ante una versión más "de terror" de la novela original sino todo lo contrario: la nueva Déjame entrar sigue siendo más que nunca un drama y una historia de "primer amor" entre jóvenes (al menos de espíritu) en los que el tema del vampirismo se trata en muchas ocasiones de refilón. Poco importa que en esta ocasión se haya buscado hacer del vampiro un ser más "feroz" (en realidad la única diferencia es que salta más rápido, vamos) si ese intento se tira por la borda debido al carácter explícito de la forma como se presenta, con un maquillaje vampírico convencional y aburrido que elimina la interesante manera que tenía la película de Alfredson de dosificar la apariencia del vampiro y su metamorfosis en monstruo, contemplada en vistazos fugaces que se quedaban en nuestra memoria. Nada de eso, por desgracia, se ha trasladado a la película de Reeves.

Ahora, después de haber soltado toda esta parrafada, es probable que muchos puedan pensar que no me ha gustado la película pero no es así. Después de todo, sigue siendo la copia al carbón de una cinta muy buena, tiene uno que otro momento interesante a nivel de estética (como ese accidente de coche visto desde adentro) y algunas actuaciones sobresalientes. El problema es que, por un lado, no puedo simplemente fingir que la original no existe y que se estrenó hace apenas un par de años. Por otro lado, me cuesta mucho pasar por alto lo tremendamente vacía y supérflua que resulta, eso y que el saber exactamente qué va a ocurrir cada segundo hace que al final termine siendo aburrida y casi tan larga como la original (y pensar que detrás de esto está la Hammer Films, que una vez fuera sinónimo de entretenimiento). Por eso me sorprende comprobar qué bajos tienen que estar los estándares si al final esta va a resultar ser una de las cintas más "destacables" del año. Aquí por desgracia me toca ser la nota discordante ya que, por más que lo intento, no puedo encontrar nada positivo de este remake que no haya estado ya presente en la cinta original, ante la cual esta versión sigue siendo completamente innecesaria.

Reseña: Frozen (2010)

2011-02-21T22:00:00.000+01:00

Entre Hatchet (2006) y su secuela, el director Adam Green sacó adelante una pequeña producción independiente que nada tiene que ver con la gloria sanguinolenta que le ha hecho famoso. Sin embargo, y a pesar de ser una película muy diferente, Frozen (2010) está perfectamente enmarcada en la trayectoria de este director al ser una película mínima, de presupuesto muy ajustado y hecha en medio de un innegable espíritu de colegueo, evidenciado por ejemplo en el hecho de que todos los personajes llevan los nombres de amigos personales del director, incluyendo Joe Lynch, el responsable de esa joya llamada Wrong Turn 2 (2007). Frozen es, asimismo, una película bastante cruel para con sus personajes y hermanada irremediablemente con otras cintas de "supervivencia" que inmediatamente salen a colación como la desquiciante Open Water (2003), la cual no puedo evitar referenciar aquí.

El elenco es mínimo, así como la locación: tres amigos se quedan varados en una telesilla a varios grados bajo cero, sin esperanza de ser rescatados y con la forzosa necesidad de valerse por sí mismo si no quieren morir de frío. Esa es la premisa y desafortunadamente no puedo decir más por no revelar algunas de las cosas que ocurren tras cada uno de los intentos por parte de los personajes de salir de su terrible situación. He de afirmar, eso sí, que no esperaba nada de esta película y al final he quedado bastante sorprendido por el estilo minimalista pero efectivo que Adam Green ha conseguido dar al conjunto; a pesar de que el espectador va varios pasos por delante de la película en más de una ocasión, esta supera sus expectativas en cuanto a crueldad y ensañamiento para quien está del otro lado de la pantalla (incluyendo el siempre temido congelamiento del tejido corporal).

Todo esto, repetimos, en una propuesta mínima que apenas supera los ochenta minutos, y eso contando con los títulos de crédito, algo que ciertamente ayuda a verse al menos emocionalmente involucrado con un relato de supervivencia estático que contrario a lo que se podría pensar no resulta aburrido ya que consigue inyectar suspense a una historia que cuenta en gran medida con una sola locación. Las situaciones en las que se ven involucrados los personajes y los diferentes intentos por sobrevivir se ven en gran medida creíbles (esto lo dice, sin embargo, alguien que jamás ha ido a esquiar) o al menos lo suficiente como para mantener el interés en todo momento, aparte de ser esta una de las pocas ocasiones en las que las situaciones puramente dramáticas (amén de la ya archiconocida técnica de "dejar salir" los conflictos personales de los protagonistas durante su azarosa situación) funcionan y no se sienten como agregados. Aparte habría que destacar el buen oficio de Adam Green a la hora de construir la película desde una locación real y con un mínimo de recursos bien aprovechados que demuestran en todo caso que es capaz de salir adelante incluso con un cambio tan radical de registro.

Dicho todo esto, queda claro cuanto me ha gustado Frozen. No esperéis, sin embargo, la película del año como he llegado a escuchar por ahí; este relato de superación de Adam Green está más cerca de la ya citada Open Water que de Tiburón (1975) en lo que a películas de supervivencia se refiere, sólo que resulta mucho más entretenida e ingeniosa más allá de la obviedad que resulta su minimalista propuesta. Echarle un vistazo tratando de olvidar la carta de presentación gore de su director y puede que os llevéis la misma sorpresa que yo.

Reseña: Rare Exports (2010)

2011-02-17T18:15:00.005+01:00

A pesar de que no recibió el debido estreno comercial en la época idónea (es decir, las Navidades pasadas), la producción finlandesa-noruega Rare Exports (2010) sí que ha terminado siendo bastante conocida en los últimos meses no sólo por el reciente surgimiento comercial del cine de terror escandinavo, sino también por la repercusión que tuvo en el último Festival de Sitges. Hay que decir que no la ví en su momento y tras haberlo hecho considero que su fama está más que justificada; estamos ante una cinta interesante por varios motivos, siendo (para mí al menos) el primero de ellos el que sea una fábula anti-navideña que sin embargo sabe valerse no sólo del legado cultural de la mitología finlandesa sino también de toda una tradición de cine infantil dedicado al tema de Papá Noel y los niños que ansiosamente lo esperan cada año.

Esto último lo decimos porque hay que dejar claro en primer lugar que Rare Exports es ante todo una película bastante ligera en cuanto al tratamiento que hace del terror y muy poco dada a la violencia, afincándose más en un sentido del humor bastante retorcido que quizás sea más apreciable para aquellos que en cierta forma conecten con sus principales referencias culturales, desde los aguerridos protagonistas equivalentes a vikingos modernos pertenecientes a un mundo enteramente masculino (no aparece ni una mujer en la película) hasta el pequeño niño retraído que es quien conoce la leyenda del "verdadero" Papá Noel (que nada tiene que ver con aquel amable anciano que reparte sonrisas y regalos en Nochebuena) y que acaba convirtiéndose en un héroe. Sin embargo, la película sale airosa en lo que es su mayor desafío: ser una eficiente comedia de terror con niños de por medio, hasta el punto que no exageramos cuando decimos que Joe Dante se sentiría muy orgulloso de esta película. Tal como se ha mencionado ya, es probablemente Gremlins (1984) la influencia más evidente de esta cinta no sólo en su sátira de la Navidad sino también en su tratamiento del terror, que sin embargo no está exhento de un componente macabro considerable en la tétrica figura de ese prisionero de barba blanca que una excavación arqueológica ha liberado de forma bastante irresponsable (en este sentido el argumento me ha recordado mucho al relato Rawhead Rex, de Clive Barker).

La mezcla de géneros sea quizás lo que pueda echar a algunos para atrás a la hora de valorar correctamente una película como esta, ya que no es un trabajo netamente de terror; es ante todo una oscura fantasía navideña que echa mano de elementos mitológicos puramente nórdicos (de nuevo, esos vikingos modernos enfrentados a terribles demonios) y los aborda desde una perspectiva cómica que puede ser disfrutada especialmente por aquellos nostálgicos de grandes terrores juveniles como The Monster Squad (1987) y The Gate (1987), y aunque carezca del componente pop que caracteriza estos últimos, sí que comparte con ellos el saber convertir a los niños en protagonistas de historias de miedo, cosa nada fácil. Aparte de eso la premisa de la película está bastante bien llevada aunque no sea cien por cien original, y la desmitificación que hace de la Navidad aludiendo a sus orígenes paganos es muy acertada, aparte de que la figura del anciano es genuinamente inquietante y se convierte rápidamente en una de las mejores cosas de la película.

Así que desde ya podéis consideraros avisados: Rare Exports es una película aparentemente ligera y bastante sencilla (80 minutos incluyendo títulos de crédito), pero también es una gran cinta que hace falta revisar aunque su ideal contexto navideño haya sido superado. No os acerquéis a ella esperando una cruel y terrible historia de terror, sino más bien una película simpática en la que los monstruos son reales y los niños son héroes. Puede que su mezcla de géneros no sea la ideal para muchas personas, pero sinceramente no se me ocurren muchos ejemplos de esta nueva ola de cine de terror nórdico que sean tan entretenidos y genuinamente entrañables como este que nos ocupa hoy. Recomendable fuera de toda duda.

Parecidos razonables (6)

2011-02-16T16:00:00.001+01:00

The Ring (2002)

I Spit on Your Grave (2010)

Spooky.

Reseña: I Spit on Your Grave (1978)

2011-02-14T16:00:00.002+01:00

I Spit on Your Grave (1978), archifamosa película de venganza conocida también con el mucho más apropiado título Day of the Woman, forma parte de una tendencia muy popular durante los años setenta que nos trajo películas crudas tanto en estética como en temática, y que casi siempre se centraban en mostrar mujeres en peligro, lo cual no estuvo exento de cierto grado de polémica. Uno de los ejemplos más conocidos de este tipo de cine es La última casa a la izquierda (1972), película con la que siempre se le compara. Sin embargo, esta cinta de Meir Zarchi es muy superior en todo sentido, y al contrario de la cinta de Wes Craven, todavía sigue manteniendo gran parte de su fuerza y capacidad de impacto, aún a más de 32 años de su estreno. Aunque a decir verdad las dos se parecen sólo en su premisa inicial y tienen objetivos temáticos y discursivos muy distintos, siendo la fundacional Deliverance (1972) una película mucho más cercana en espíritu a la que hoy nos ocupa, desde su contraposición de incautos citadinos y peligrosos paletos hasta un catálogo de salvajismo y crueldad que en ocasiones se hace bastante difícil de ver.

Las comparaciones con la película de John Boorman son muy pertinentes ya que I Spit on Your Grave tiene incluso un argumento muy similar que trata sobre una joven escritora llamada Jennifer Hill que representa el arquetipo ideal del citadino (joven, bella, inteligente, liberal), que se encuentra de repente acosada por un grupo de salvajes rústicos que la violan, humillan y dejan por muerta. Toda esta serie de vejaciones ocupa un trozo considerable de película y resulta bastante incómodo no sólo por lo que muestra sino por su frialdad y su repetición, algo que justifica ante el espectador la segunda mitad de la cinta, en la que Jennifer planea y ejecuta su terrible venganza contra aquellos que la han agredido.

Por supuesto es por todos sabido el grado de controversia que siempre ha rodeado a esta película y que explica en parte su éxito; por su parte, el director Meir Zarchi siempre ha defendido su trabajo alegando que se trata en realidad de una alegoría pro-feminista debido (evidentemente) a su muestra final de poderío femenino. Estoy seguro de que él cree realmente en eso que dice, sin embargo también es cierto que el argumento de la película muestra simplemente el otro lado de una de las más comunes fantasías misóginas, aquella que habla de la furia que nace dentro de una mujer ultrajada. No es casualidad en este sentido el retrato de Jennifer en la segunda mitad de la cinta como un bello ángel vengador ni tampoco el regodeo en la crueldad y frialdad absoluta con la que ejecuta su vendetta personal.

Por suerte, y a diferencia de la anteriormente citada película de Wes Craven, I Spit on Your Grave tiene suficientes méritos estéticos como para considerarla una pieza alejada del uso despectivo del término amateur, llegando a sorprender en ocasiones por las elecciones formales de Zarchi, inusuales en un supuesto producto de explotación. Sorprende por ejemplo la total ausencia de música (exceptuando un momento en específico en el que dicho acompañamiento musical se usa literalmente para ahogar los gritos de horror de uno de los momentos más conocidos de la cinta) y el ambiente conseguido por el director durante los primeros minutos, dedicados a mostrar el refugio de Jennifer como un sitio idílico que pronto se verá roto por la llegada de la violencia. Aparte de todo esto hay que reconocer la acertada elección de la protagonista Camille Keaton (nieta de Buster Keaton, valga decir), cuya frágil belleza contrasta con una soberbia actuación de justiciera que le valió en su momento el premio a Mejor Actriz en el festival de Sitges.

Confieso que llegué a ver I Spit on Your Grave muy tarde en mi vida y que durante mucho tiempo dudé en incluirla entre las reseñas de esta página. Si al final lo he hecho ha sido únicamente para poder hablar de su reciente remake del año pasado y comprobar si el grado de violencia ha aumentado y si realmente tiene sentido resucitar una obra así alejada de su contexto de provocación propio de la época en la que se estrenó. Por mi parte, me ha sorprendido re-visitarla y descubrir que sigue siendo una muy buena película, quizás no tanto como la ya mencionada Deliverance, pero al menos sigue teniendo gran parte de su energía y valor icónico, aparte de que algunas de sus escenas llegarán a producir una reacción emocional bastante desagradable en aquel que se acerque a ella. Con todo y eso, yo diría lo que tantas veces se ha comentado respecto a estos clásicos de venganza: con verla una vez ya seréis libres.

Reseña: Carrie (2002)

2011-02-12T14:30:00.002+01:00

A pesar de que probablemente no existe fanático del género de terror que no conozca al menos de nombre la película Carrie (1976), de Brian de Palma, no son muchos los que saben que existe una secuela de 1999, e incluso son menos aún los que saben que en el 2002 se estrenó una nueva versión hecha para la tele de esta primera novela de Stephen King. La supuesta necesidad de rehacer una adaptación que todavía está bastante vigente es algo que se me escapa, teniendo en cuenta sobre todo que King no carece de material ampliamente adaptable, pero alguien debió haber pensado lo contrario y decidido dar una segunda oportunidad a la historia de una chica de instituto que descubre sus poderes telequinéticos y los usa para lanzar su venganza contra aquellos que la han martirizado, ya sea sus crueles compañeros o su desquiciada y religiosa madre.

Se podría pensar asimismo que el mayor tiempo de metraje (132 minutos frente a los 98 de la versión de Brian de Palma) permitirían una mayor "fidelidad" al argumento original que presentaba la novela de King, aunque esto no es del todo cierto; hay de hecho una fuerte intención de referenciar la versión de 1976 evidenciada incluso en el material publicitario de la película y la carátula del DVD, que muestra una clara alusión a la técnica de "pantalla dividida" que constituye uno de los trucos estéticos más emblemáticos de la original. Con todo y eso, esta nueva versión incluye detalles argumentales de la novela ausentes en la versión de De Palma, concretamente la lluvia de piedras causada por Carrie siendo todavía una niña. Sin embargo, el resto de la película está hecha con la clara intención de mantener la mirada fija en la versión de los setenta como principal fuente de inspiración, algo ineludible puesto que incluso la visión de Carrie ensangrentada durante el baile de graduación es ya una imagen clásica del género de terror.

El formato televisivo, no obstante, pasa factura de la peor manera posible: aparte de una estética bastante plana y sin gracia y una mayor condescendencia ante el espinoso tema de la religión presente tanto en la novela como en la cinta original, el ritmo de la película se hace lento al intentar centrar gran parte de su metraje en el mundo diario de los jóvenes pero al mismo tiempo prescidiendo del humor que en ocasiones destilaba la original. Hay asimismo una pésima elección de casting a la hora de tomar el papel protagonista, puesto que Angela Bettis se ve demasiado mayor para su personaje, y aunque considero que es una actriz muy interesante que ha demostrado ya su valía como arquetipo de "patito feo", no pega como Carrie para nada.

En definitiva, el único motivo por el cual se me ocurriría que alguien pudiera querer echar un vistazo a Carrie (2002) sería por puro afán de completismo de las adaptaciones cinematográficas de la obra de Stephen King. Paradójicamente, es este público potencial el que se verá más afectado en el momento en que llega la que es probablemente la mayor licencia de guión (en cuanto a adaptación de la novela se refiere) que nos podemos imaginar, y es que el final de la película es un auténtico sacrilegio que pondrá a los seguidores de Stephen King en pie de guerra. No voy a decir aquí de qué se trata (aunque muchos lo podrán intuir ya) pero sí debo adelantar que dicha licencia tiene una explicación, ya que este telefilme era originalmente el piloto de una serie televisiva sobre Carrie que nunca llegó a realizarse. Del resto, la verdad es que no encuentro nada destacable en este intento televisivo completamente innecesario.

Reseña: Saw 3D (2010)

2011-02-10T16:00:00.001+01:00

Si alguien me preguntara ahora mismo cual me pareció la peor película de terror del 2010, seguramente diría Paranormal Activity 2 (2010), pero estoy seguro de que Saw 3D (2010), séptima y hasta la fecha última entrega de la saga de Jigsaw, pelearía por un muy cercano segundo lugar. Incluso para sus propios estándares, es una secuela muy pobre y (para mí al menos) la peor de toda la saga, un desesperado último intento por parte de Lionsgate de exprimir su franquicia más rentable hasta la última gota y despedirse a lo grande: esta séptima parte tiene el presupuesto más abultado de todas las entregas, la mayor cantidad de cadáveres (24) y la mayor cantidad de trampas (11). Con estos datos parece difícil que me haya parecido la peor, pero definitivamente es así, aunque sea por la sencilla razón de que en ella se multiplican a lo bestia todos los problemas que estas cintas han tenido desde sus inicios, algo que ni siquiera el cebo taquillero del 3D ha podido solventar.

Hay sin embargo dos cosas que me han parecido muy positivas y dignas de mencionar: la primera es un intento serio y coherente por parte de los guionistas Patrick Melton y Marcus Dunstan de dar a esta película una sensación de finalidad y cierre de la saga en general, prescidiendo por primera vez del final abierto (aunque no del final sorpresa, valga decir) en pos de una conclusión que incluso se da el lujo de trazar un círculo con la primera entrega no por medio de la explotación banal de Jigsaw, quien de hecho casi no aparece, sino con el regreso ya anticipado de ciertos personajes de los que nos habíamos olvidado antes. Lástima sin embargo que esta resolución argumental no se haya podido realizar sin recurrir a trampas de guión muy evidentes que toman al espectador por imbécil o al menos por olvidadizo, puesto que varios de los giros argumentales contradicen información que se nos había dado en anteriores entregas para facilitar el argumento a esta séptima parte. Asimismo, algunas subtramas que se perfilaban como importantes terminan por ser insustanciales, como por ejemplo todo el tema de la venganza de Jill, la viuda de Jigsaw, que finalmente no termina teniendo ningún peso en la trama. Y es que esta es precisamente la entrega de Saw con menos argumento, la que más se siente como una concatenación de escenas sin ningún tipo de coherencia narrativa más allá de la ocasional presentación de un tema, casi siempre de carácter moralista.

Es aquí, no obstante, donde está el segundo punto positivo que le veo a la cinta, y es que por primera vez el (escaso) foco temático se centra no en Jigsaw (prácticamente ausente, como ya hemos mencionado) ni en su discípulo Hoffman, sino en los sobrevivientes de las trampas anteriores y su recién descubierta relación con la vida y su papel como auténticos perpetuadores del legado del asesino. La idea ya está presente desde la primera trampa (presentada incluso ante un público ávido de violencia) y continúa en el juego al que es sometido un gurú de autoayuda que ha empleado las enseñanzas de nuestro psychokiller en beneficio propio. Por desgracia pronto queda bien claro que el "juego" al que es sometido dicho personaje no es más que una exhibición de trampas y no tiene salida argumental ni termina siendo lo "principal" de la película, que prefiere culminar con una muy fugaz y banal trama de venganza que podría perfectamente haberse desarrollado en los últimos minutos de la sexta entrega sin necesidad de darnos esta continuación.

El recurso del 3D, con todo y lo adecuado que hubiese sido para esta producción, está sorprendenemente poco aprovechado teniendo en cuenta que muchas de las trampas parecen estar diseñadas especialmente para este efecto. No logro imaginarme la inclusión de esta tecnología como más que un simple agregado comercial que estaba mucho mejor en sus diferentes muestras publicitarias, que hacen gala en la mayoría de las ocasiones de una grandiosidad que no se deja ver en el resultado final: una película sin nada de la gracia de las anteriores y que incluso se ve dañada por una estética bastante barata y sencilla, aún más que en entregas precedentes que contaron con un presupuesto más reducido. Creo que no se sabe hasta el momento si este será efectivamente el final de la saga de Saw (la edición en 2D se titula The Final Chapter) a la que se dio carpetazo una vez que su reino taquillero fue roto por el éxito de Paranormal Activity (2007), pero sinceramente espero que sí, pues pienso que difícilmente esto puede tener una digna continuidad.

Si he de ser sincero...

2011-02-09T16:41:00.002+01:00

... me aburrí.

Esa ha sido la opinión. La reseña vendrá después.

Reseña: Hide and Seek (2005)

2011-02-05T20:00:00.002+01:00

Movido únicamente por un afán de completismo he terminado por ver Hide and Seek (2005) para comprobar una vez más, y de primera mano, una de las muchas tendencias diferentes que generó el cine de terror en la primera mitad de los años "00". Al igual que muchas de sus contemporáneas, esta película del actor y director John Polson es un thriller bastante genérico de los muchos que poblaron las carteleras tras el éxito de El sexto sentido (1999), y que incluye varios de los típicos ingredientes como un misterio que gira alrededor de un niño raro y un final sorpresa de esos que dejan al público supuestamente con la boca abierta, eso sí acompañado de sus respectivos flashbacks que dejan todo bien masticadito.

En este caso específico, dicho niño raro es una cría que ha quedado traumatizada tras el suicidio de su madre y termina mudándose con su padre a una apartada casa donde encuentra (aparentemente) consuelo en la recreación de un amigo imaginario, cuya "presencia" terminará no siendo tan positiva ni tan imaginaria después de todo. Me molesta tener que admitir que la premisa al menos comienza como algo interesante, una aparente historia de secretos oscuros posteriores a la mudanza de los protagonistas, pero todo esto no es más que un engaño; no deja de ser exasperante que elementos como el drama de los vecinos, el siniestro agente inmobiliario o el espeluznante cuarto secreto de la casa no sean más que trapos ondeados ante los ojos del público como trucos baratos de distracción por parte de un guión sumamente tramposo, diseñados para que el espectador crea que está ante una compleja trama de misterio que al final termina no siendo tal, puesto que los elementos antes mencionados no tienen nada que ver con el auténtico eje temático de la película, uno que termina siendo muy distinto.

De hecho, el único toque de distinción que la película tiene es la presencia de una pequeña Dakota Fanning, de cuando era mundialmente conocida como uno de esos niños prodigio de la actuación que surgen de cuando en cuando. Su sobresaliente trabajo contrasta sin embargo, con el de un Robert de Niro crepuscular que, aparte de ser tremendamente inapropiado para el personaje debido a su edad, parece que hace años decidió simplemente dejar de actuar, y su interpretación en esta película es otro de sus famosos "que os den" al público.

El final sorpresa (que en un alarde bastante ingenioso está sugerido por una curiosa escena que involucra una tetera) es totalmente inesperado por lo ilógico y tramposo que es, posible únicamente gracias a que la película ha tratado al espectador como un imbécil haciendo trampa en su relato. Lo peor de todo es que después de esta apabullante revelación (que repito: es absolutamente inverosímil) todavía quedan unos quince minutos de metraje, tiempo suficiente para que el espectador se pregunte por qué empezó a ver esto.

Reseña: Burning Bright (2010)

2011-02-03T20:05:00.000+01:00

A pesar de que la información sobre ella no era lo que se dice abundante, Burning Bright (2010) es una película que tenía muchas ganas de ver, cosa nada fácil ya que pasó en su momento bastante desapercibida e incluso creo que no llegó a tener un estreno en cines. Los comentarios que sobre ella surgieron siempre hacían resaltar su por otro lado curiosa premisa de hombre vs naturaleza, encarnada en esta ocasión en la hazaña de una joven encerrada junto con su hermano autista en una enorme casa en la que se ha colado un tigre. Hay que decir en su defensa que la película hace un esfuerzo bastante loable en mostrar cómo se llega a tal situación introduciendo una subtrama de intriga familiar y una (excesivamente) elaborada tentativa de asesinato, lo que evidencia la voluntad detrás de una cinta que por desgracia se queda en puras intenciones.

Lo curioso en todo caso de Burning Bright es que su premisa ofrece más que el evidente atractivo de chica contra tigre, por mucho que ya sea un aliciente la presencia de la bellísima Briana Evigan, a quien probablemente recordaréis como la protagonista de Sorority Row (2009). Aparte del ya predecible juego de cazador y presa la película deja entrever por breves momentos una en principio interesante diatriba moral que pesa sobre los hombros de la protagonista, tentada en todo momento a abandonar a un hermano pequeño que, de forma fría y objetiva, se presenta constantemente como un estorbo. Este detalle quizás sea lo único realmente destacable de un argumento bastante plano y monótono que para colmo comienza con un prólogo (protagonizado por Meat Loaf) en el que se nos intenta vender la idea de la supuesta "maldad" del tigre con unos diálogos tan exagerados que sólo pueden mover a la risa.

Tan terrible descripción del animal se queda finalmente en nada puesto que tras la única escena realmente escalofriante (un peligroso encuentro en el lavandero de la casa) el resto de la película es bastante aburrido y convencional, encima de en ocasiones inverosímil porque pareciera que el tigre conociese la casa mejor que los propios protagonistas. Se agradece que al menos el animal haya sido de verdad y no una creación informática, ya que en general los efectos especiales son bastante sobresalientes para una producción de estas características, por mucho que en ocasiones se note bastante que el inmenso felino es una superposición de imágenes.

Así que en caso de que os hayáis quedado intrigados en su momento con la premisa, hay que saber que Burning Bright califica como un entretenimiento pasable que queda muy por debajo de sus posibilidades. Incluso con una duración de menos de hora y media, la película se hace larga en ocasiones y queda muy por debajo de otros muchos (demasiados) ejemplos de animales feroces acosando a humanos indefensos, un subgénero que nos ha dado en el pasado grandes joyas entre las cuales esta definitivamente no creo que tenga un lugar.

Reseña: Cabin Fever 2 (2009)

2011-01-30T12:00:00.002+01:00

La Cabin Fever (2002) original, aparte de ser la película que dio a conocer al director Eli Roth, es una muestra bastante curiosa de extravagancias gore que se aventuraba en los terrenos de la comedia negra. En cierta forma, existe un gran parecido entre esta ópera prima de Roth y la película Destino final (2000), en el sentido de que ambas utilizan las convenciones del subgénero de jóvenes enfrentados a un asesino pero creando una amenaza de tipo impersonal, en este caso una bacteria carnívora que devora veloz y grotescamente a todo aquel que resulta infectado. Debo decir que la idea de una secuela no me interesaba mucho, aunque es cierto que Cabin Fever 2: Spring Fever (2009) tiene logros nada fáciles de desdeñar, atribuibles sobre todo a su director Ti West, un nombre que últimamente ha sonado bastante y que deberíais conocer.

Hay que decir, sin embargo, dos cosas de esta continuación: la primera es que se trató de una producción con numerosos retrasos que estuvo engavetada por casi dos años antes de ser finalmente estrenada en formato casero (aunque personalmente pienso que merecía un mejor destino) y la segunda es que está mucho más inclinada hacia la comedia que la primera parte, específicamente la comedia de corte juvenil llevando el concepto de la bacteria depredadora al ambiente de un instituto americano, cuyo mundo es retratado de forma bastante eficiente con sus propios estereotipos y miserias. De hecho da la impresión en ocasiones de que Ti West está más interesado en retratar esto que las propias apetencias sangrientas de la película, ya que los mejores momentos, cómicos o no, están conseguidos a costa de la humillación de los jovencitos entre ellos mismos, casi siempre de tipo sexual (curiosa la idea de que el sexo es siempre utilizado como venganza emocional). Esto hace, por desgracia, que gran parte del material concerniente a la premisa de la película se desaproveche: al contrario que en la película original, en esta ocasión el "conflicto" tarda mucho en arrancar y a partir de allí todo sucede muy rápidamente, con la mayor parte de las víctimas muriendo fuera de la pantalla y casi a la vez, siendo imperdonable por ejemplo que la mayor secuencia violenta de la cinta (la bacteria desatada en medio de un baile de graduación bajo cuarentena) ocurra durante una elipsis. En cuanto a esto, la película podría haber durado cuarenta minutos y hubiese tenido la misma fuerza.

Por fortuna los aciertos son también bastante evidentes, con geniales secuencias de humor que superan a la de Eli Roth en número aunque no en intensidad (la escena del perro y la moribunda en la primera película supera cualquier cosa que podáis encontrar en esta secuela en cuanto a crudeza). Aún así, es sorprendentemente cruel considerando lo joven de su elenco, casi traspasando los límites que una película de estudio suele tener. A un nivel más anecdótico se nota la reverencia de Ti West ante el cine de terror de los ochenta, evidente en el puntazo que resulta el hecho de incluir durante la secuencia del baile de graduación el tema musical disco de Prom Night (1980), cinta con la que también hay claros pararelismos.

Son estos aciertos de West los que literalmente salvan la película y la convierten en una secuela muy divertida que hace honor a la original aunque no llegue a alcanzar aquello que la hacía especial. Personalmente creo que hubiese resultado mucho mejor si su director hubiese podido llevar hasta el final su particular visión del horror típicamente adolescente sin las ya conocidas intervenciones; al parecer Ti West quedó bastante descontento con el proceso de rodaje y la desaparición de la película por casi dos años, tiempo durante el cual varias escenas fueron rodadas de nuevo y montadas por un equipo distinto que incluyó un epílogo de quince minutos que se siente tremendamente fuera de lugar, haciendo de esta una cinta que por momentos se siente bastante inconexa y caótica. Se sabe que West intentó además quitar su nombre de los créditos sin éxito, aunque los tropiezos de Cabin Fever 2 no logran hacer bastante mella como para que deje de ser una secuela recomendable y bastante digna que simplemente pudo haber sido mucho mejor.

Tres tristes trailers 33

2011-01-23T11:00:00.000+01:00

The Ward, el nuevo largometraje de John Carpenter, estrenado finalmente tras el descarte de dos anteriores proyectos anunciados hace años y que jamás llegaron a hacerse realidad, tiene el aval de contar con el elenco con Amber Heard, una belleza que últimamente está apareciendo en dos de cada tres películas de terror que se estrenan en cartelera. A juzgar por el avance, la película tiene varias similitudes, tanto estilísticas como argumentales, con otros thrillers como Girl: Interrupted (1999) y Shutter Island (2010), y de hecho ya he leído varias comparaciones con la cinta de Scorsese, aunque por desgracia casi siempre desfavorables. Con todo y eso, espero que se comprenda que el regreso de Carpenter a la pantalla grande es algo digno de reseñar.

Un poco en la misma onda, The Resident parece tener un argumento similar, o al menos partir de una base temática muy parecida a la de la película de Carpenter, sólo que al parecer con intenciones más modestas. Si incluyo este avance aquí no es porque me parezca particularmente atrayente, sino porque me sorprende sobremanera la presencia como protagonista de la oscarizada Hillary Swank, quien tras haber dado firmes pasos en un tipo de cine mal llamado "legítimo" parece estar teniendo últimamente un regreso al cutrerío directo-a-vídeo que la vio nacer como actriz. Supongo que ahora queda demostrado que, en verdad, le puede pasar a cualquiera.

Por último esperamos este año el estreno de Dead Space: Aftermath, segunda película animada inspirada en la homónima saga de videojuegos y que asimismo sirve como complemento a esta. Debo decir que la primera parte fue bastante de mi agrado y que definitivamente pienso darle un vistazo a esta, aunque no será reseñada en el blog. El motivo de esto es una estricta "política editorial" de mi parte, aunque no deja de interesarme el hecho de que dicho género tenga representantes en la narrativa de animación. Aún así, no me extrañaría que en estos tiempos en los que el conocimiento de marca es tan importante para el éxito de cualquier producción, algguien se saque de la manga alguna adaptación con actores de carne y hueso de esta saga en particular. Si aún no ha sido anunciado y luego esto se hace una realidad, no olvidéis que primero lo habéis leído aquí.

Reseña: Night of the Demons (2009)

2011-01-20T23:00:00.000+01:00

Aquellos que hayáis estado por aquí hace unos dos años y medio, recordaréis sin duda esta lista con cinco (entonces) próximos remakes de terror a estrenarse y el por qué todos ellos estaban condenados irremediablemente al fracaso. De los cinco, uno de ellos todavía no ha llegado a concretarse, y de los otros cuatro, el único que nos faltaba por reseñar era esta versión de Night of the Demons (2009), película ante la cual nos vemos obligados a matizar un poco nuestro prejuicio inicial; si bien es cierto que este refrito del director Adam Gierasch (quien tiene un mayor número de créditos como guionista en cuanto a cine de terror) está muy lejos de alcanzar incluso los modestos niveles de la original, es también mucho más divertida de lo que originalmente esperaba y al menos una digna continuación del estilo de la primera.

La premisa base sigue siendo la misma, en la que un grupo de jóvenes realiza una fiesta clandestina de Halloween en una casa embrujada y terminan invocando por accidente un grupo de demonios que los irán poseyendo y asesinado uno por uno a lo largo de toda una noche. Hay que destacar sin embargo que este remake está mucho más inclinado hacia la comedia que la película original de 1988, lo cual no es decir poco ya que esta era en gran medida una cinta en la que el tratamiento del horror estaba hecho desde una perspectiva juguetona sin dejar de ser cruel y sangrienta. En este último apartado la nueva versión también tiene lo suyo ya que es mucho más dada a los excesos, aunque por desgracia sólo en el apartado de violencia: si bien es cierto que esta versión de Night of the Demons afianza (muy previsiblemente) su fuerza en el despliegue indiscriminado de tías buenas (Shannon Elizabeth, Diora Baird, Monica Keena, Bobbi Sue Luther y un largo etc), la verdad es que en lo referente a despliegues de erotismo hay mucho menos tela que cortar que en la versión original.

Sin embargo, el verdadero punto difícil de perdonar está en la forma como esta versión desaprovecha lo que había sido el elemento más destacable y el verdadero punto de unión de la trilogía original, y es que la Angela de Shannon Elizabeth no sólo no tiene tanto protagonismo como en la original (de hecho es el personaje que está menos desarrollado, incluso para los estándares de esta película) sino que además es completamente distinto, muy alejado de la gótica reina de los demonios que encarnara en el pasado Amelia Kinkade. Esto es sólo uno de los muchos puntos en los que el argumento se separa de aquel mostrado en el original optando por hacer una película más violenta y más dada a las exageraciones que sin embargo no se olvida de evidenciar más que nunca las auténticas influencias de esta saga, principalmente The Evil Dead (1981), de Sam Raimi, y Demons (1985), de Lamberto Bava. No obstante esto no impide que la película haga referencia a su antecesora por medio de un breve cameo de Linnea Quigley y obvias referencias a la trilogía original, con las que los cazadores de guiños se lo pasarán pipa.

Evidentemente se hace necesario tener unas expectativas bajas para disfrutarla, ya que después de todo la película no está exhenta de problemas: se hace un poco larga una vez que comienza el ataque de los demonios, principalmente porque todo esto ya lo hemos visto, hay unos efectos especiales de chichinabo bastante cutres (especialmente en lo que se refiere a la transformación de los demonios), y la presencia de un Edward Furlong resucitado de entre los profesionalmente muertos e hinchado hasta perder el cuello descoloca muchísimo y es tremendamente desacertada. Pero con todo y eso, acomete la sabia decisión de no tomarse demasiado en serio a sí misma, a diferencia del 99 por ciento de los remakes de terror de hoy en día, y consigue algunos momentos de humor muy logrados incluso a costa de la propia película que son muy de agradecer. Es una verdadera película de Halloween aunque no llegue a los niveles de la original (que ya ganaba puntos con ese prólogo y epílogo tan típicos de esta entrañable fiesta) y al menos bastante digna de la trilogía iniciada en los ochenta. No todo el mundo parece haberlo visto así, ya que tras rodar en varios festivales, esta Night of the Demons no consiguió distribución en cines y tuvo que conformarse en pasar directamente a formato casero. Prejuicios aparte, y aunque como remake y película es indudablemente fallida, es sorprendentemente mejor de lo que me esperaba, tanto como para hacerla recomendable.

Reseña: Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (1980)

2011-01-17T22:20:00.001+01:00

De Lucio Fulci ya habíamos hablado al comentar aquí la que había sido su primera película de terror propiamente dicha, Nueva York bajo el terror de los zombis (1979). Sin embargo, el tema de los cadáveres ambulantes sería tratado nuevamente por el director italiano un año después con Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (1980), su siguiente trabajo y la primera de la famosa trilogía titulada Las puertas del Infierno. Es una película que también marca una tendencia presente no sólo en Fulci sino también en gran parte del cine de terror italiano de la época, que estaba viviendo el que sin duda fue su mejor momento, con una serie de cintas intencionalmente enrevesadas en las que, siempre según sus propios creadores, se seguía el objetivo de hacer un cine de terror basado en ideas y sensaciones y sin argumento. A este movimiento pertenecen no sólo algunas de las mejores películas de Lucio Fulci sino también otras como Inferno (1980), de Dario Argento, estrenada por la misma época.

Pero lo cierto es que Miedo en la ciudad de los muertos vivientes sí que tiene un argumento, uno que con escasos cambios terminaría siendo el mismo para toda la trilogía con una serie de constantes marcas de la casa: la muerte de un personaje en contacto con esferas ultraterrenales, la presencia (mayor o menor según el caso) de un ancestral libro maldito, y las nada veladas referencias al universo de H.P. Lovecraft, evidenciadas en este caso en el nombre del pueblo (Dunwich) donde transcurre la mayor parte de la acción. Y por supuesto, los zombis, que al igual que en el debut terrorífico de Fulci, son un elemento estético, no temático. Esto último cede protagonismo a lo que son los auténticos tópicos particulares del director como por ejemplo el empleo macabro del imaginario religioso: hay un espíritu profundamente católico en la obsesión estética de Fulci por los cementerios resumido en la imagen del cura colgando de una cuerda al principio de la película de forma inexplicable (no se ve por ningún lado cómo hizo para subirse allí) o la forma en que los protagonistas acceden a todo un mundo subterráneo a través de una tumba abierta.

Esta serie de imágenes impactantes y la ambientación en un pueblo pequeño donde el horror se hace presente es sin embargo lo que más se recuerda de la película. Más allá de los temas tocados por su director, en muchas ocasiones se ha reseñado el despliegue de sanguinolencias varias de las que esta cinta hace gala, encima con la cámara recreándose en arranques de violencia cada vez más gráficos como un personaje que vomita sus propias vísceras o un chico a quien se le taladra lentamente el cráneo. Con semejantes imágenes (algunas bastante desagradables incluso hoy en día) se explica que la película se haya encontrado con numerosos problemas de distribución, hasta el punto de estar aún hoy prohibida en algunos países (entre ellos Alemania). Todo esto, sin embargo, es anecdótico, puesto que precisamente el aura de tabú alrededor de la película de Fulci fue la que ayudó a propiciar su estatus de culto a través de su distribución en formato casero durante los ochenta, aunque en una perspectiva más superficial de la que sin duda se merece.

En cierto modo, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes no representa todavía la cima como director de Fulci, quien habría de salirse con la suya en posteriores trabajos. Sin embargo, siempre es interesante revisarla al menos para ver como la trilogía de Las Puertas del Infierno guarda cierto carácter de unidad que se nota incluso en detalles supérfluos como el hecho de que su protagonista femenina, la actriz británica Catriona MacColl, está presente tanto en esta como en El más allá (1981) y Aquella casa al lado del cementerio (1981), aunque siempre como "distintos" personajes, completando así el cuadro de horrores de un director de esos que siempre hay que tener en cuenta.

Reseña: Resident Evil: Afterlife (2010)

2011-01-15T11:00:00.003+01:00

Al contrario que la mayor parte de los detractores de esta saga, personalmente celebro que las películas de Resident Evil se hayan distanciado desde el principio de los videojuegos de Capcom, entendiendo de forma correcta que la adaptación de las formas interactivas de este medio requieren más que simplemente la recreación (pasiva) de una narrativa que ya había sido explicada. Esto se hace para mí mucho más evidente al ver Resident Evil: Afterlife (2010), cuarta parte de la saga que consolida a Milla Jovovich como una heroína de acción ineludible. Cierto es que gran parte de lo que se había anticipado sobre esta cinta ha terminado por ser falso (principalmente la supuesta mayor presencia de lo zombi en el metraje final), pero eso es porque estamos ante una saga que ha seguido un camino propio que ya no se puede desandar tan fácilmente. Con todo y eso, resulta para mí muy superior a Resident Evil: Extinction (2007), aunque todavía muy lejos de la primera parte, que cada día crece en mi recuerdo como la única realmente buena.

Decíamos que la saga ha evolucionado a su manera reduciendo cada vez más la trama en beneficio de la acción, de hecho no es exagerado decir que cada entrega de Resident Evil ha tenido menos argumento que la anterior, y esta cuarta entrega es hasta cierto punto no sólo una secuela sino también una especie de reboot; Alice pierde (de forma bastante cutre y muy "conveniente") sus poderes casi al principio, y toda la trama de los clones, que se perfilaba como lo principal por la forma como acababa la tercera entrega, se resuelve en los primeros quince minutos de película en una hiperbólica y exageradísima secuencia de acción en la que Alice y sus dobles atacan el cuartel general de Umbrella, situado bajo las ruinas de Tokio. El resto transcurre casi por completo en una prisión de Los Ángeles convertida en fortaleza anti-zombi y defendida por un grupo de supervivientes a los que Alice intentará llevar al prometido refugio. No hay mucho más que decir en cuanto al argumento ya que este es, de nuevo, bastante caótico y con tendencia a jugar con varias subtramas a la vez pero sin explorar ninguna de ellas realmente, incluso llegando a tener un final descaradamente abierto que apunta a una inevitable quinta entrega (a decir verdad, se ha dicho desde hace bastante tiempo que esta película marca el inicio de una nueva trilogía).

El desprecio por las líneas argumentales en beneficio de la estética de película de acción es algo que en el fondo cualquiera se espera de esta saga, sobre todo teniendo en cuenta el (muy bienvenido) regreso como director de Paul W.S. Anderson, artífice de la Resident Evil (2002) original y que aquí se encuentra realmente en su elemento. Muchos no le han perdonado su voluntario distanciamiento del videojuego y eso se nota aquí de la peor manera posible. De hecho, podría decir que las peores cosas de esta cuarta entrega no son sus libertades argumentales ni su exageración, sino precisamente sus más que evidentes concesiones al fanboy promedio: la injustificada y arbitraria presencia del gigantón del hacha, la poco aprovechada presencia de Chris Redfield (resaltado inútilmente en la película ya que no aporta realmente nada más allá del reconocimiento de marca) y la aparición como villano de Albert Wesker, a quien no conocerá nadie que no esté medianamente familiarizado con los videojuegos y de quien no se nos cuenta absolutamente nada a pesar de que todo parece indicar que es un personaje importante. Se agradece eso sí, el regreso de la bellísima Ali Larter aunque ello nos prive de esta tradición de la saga de emparentar a Milla Jovovich con una superhembra guerrera diferente en cada una de las entregas.

Como sin duda sabréis todos ya, lo que diferencia en todo caso a Resident Evil: Afterlife de sus antecesoras está en el uso del 3D como atractivo estetico adicional. Hay que decir que, sorprendentemente y contra todo pronóstico, me ha parecido estar muy bien aprovechado hasta el punto de ser realmente espectacular en algunas secuencias puntuales (aunque hay trozos de la película en los que es prácticamente olvidado). Además, el efecto calza muy bien no sólo con el estilo hiperbólico de Paul W.S. Anderson, sino también con un discurso estético muy acode con lo que es el cine de accion de estos últimos años, una prueba más de que Ultraviolet (2006) era una película visionaria. La entrega de la saga zombífila a los excesos del cine-espectáculo funciona esta vez algo mejor que en la tercera entrega, y aunque no llegue a los niveles de calidad de la primera parte es lo suficientemente atractiva como para desear que se hagan diez continuaciones más.

Parecidos razonables (5)

2011-01-14T20:08:00.002+01:00

Cartel de And Soon The Darkness (2010)

Cartel de Una escapada perfecta (A Perfect Getaway, 2009)

El recurso de seccionar el cartel y adornarlo con las caras de las estrellas protagonistas es tan viejo que me ha dado pereza buscar más que los dos ejemplos más recientes. Sobre todo porque ambas películas parten de un arquetipo narrativo muy similar.

Lo más curioso de todo es que estas muestras de evidente pereza creativa por parte de los responsables de carteles cinematográficos nacen de la pereza creativa de la persona que escribe estas líneas, pero ya todos aquí me conocen.

Reseña: Hatchet (2006)

2011-01-10T13:00:00.002+01:00

En un ejemplo de escasa sutileza, el tagline de Hatchet (2006) reza "old school american horror", con lo que debería quedar claro que esta película de Adam Green, que no se topó con buenas críticas en su momento pero que ha conseguido un fiel culto tras su estreno, busca emular esquemas y fórmulas utilizadas en décadas pasadas pero con una energía propia desprovista de las concesiones normalmente empleadas en productos nostálgicos del horror mainstream. Estas intenciones se evidencian también en el hecho de que la película reúne a varios rostros familiares del género de terror de los ochenta como Robert Englund, Tony Todd, Kane Hodder y John Carl Buechler, quien se encarga de los efectos especiales con gran maestría. Eso sí, no hay que engañarse: la mirada de Green hacia los excesos sangrientos de los ochenta no está desprovista de cierto distanciamiento e ironía, puesto que Hatchet en el fondo no es más que una parodia de todas aquellas franquicias de asesinos carismáticos, siendo la saga de Viernes 13 (1980) la principal y más evidente referencia de una cinta fuertamente inclinada hacia la comedia.

Hacíamos mención de la saga de Jason Voorhees por varias razones, entre ellas que Hatchet parece tomar exactamente la misma premisa de innumerables slasher juveniles: un grupo de incautos perdidos en un pantano donde son acosados por un legendario asesino llamado Victor Crowley, un gigante deforme que despedaza a todos aquellos que se atreven a profanar sus dominios. La ambientación de la película en los pantanos de Lousiana la enlaza con toda una tradición de monstruos y permite asimismo la recreación de un paraje selvático y hostil que es sin embargo puramente americano, tal como la película nos ha prometido. El mismo Victor Crowley, sin embargo, se diferencia de la mayoría de sus congéneres enmascarados en el hecho de que su origen es establecido desde el principio como sobrenatural, una especie de fantasma corpóreo de fuerza sobrehumana que gusta de destrozar a sus víctimas de la forma más brutal y exagerada posible. En ese sentido se agradece que la película no sólo no se tome a sí misma demasiado en serio sino que además vaya al grano y nos ofrezca al personaje en todo su esplendor casi desde el principio sin por ello perder el interés. No nos engañemos: es Crowley el verdadero centro de atención, el resto de los personajes son carne de cañón que sólo está allí para morir. De hecho, en un alarde de referencialidad demasiado curioso para ser casual, todos los protagonistas de Hatchet son auténticos estereotipos de los slasher films... pero de esos estereotipos que generalmente terminan palmándola.

Pero si la película funciona es por dos elementos que la colocan muy arriba. El primero de ellos es sin duda la presencia de Kane Hodder, que está aquí que se sale en el papel de Crowley. Hodder, innegable clásico de este tipo de cine, da una energía increíble a su personaje y es sin duda una de las mejores cosas de la película, tanto que sinceramente esta no habría funcionado tan bien si no le hubiese tenido. Se comentó en su momento que el papel era su forma de desquitarse por no haber sido incluído en Freddy vs Jason (2003), cosa perfectamente posible dado el cameo de Robert Englund como una de las primeras víctimas de Crowley. El otro punto fuerte de la cinta son los efectos especiales de John Carl Buechler, veteranísimo factotum del cine de terror que logra aquí el que considero uno de sus mejores trabajos en cuanto a excesos gore, todo real, nada de extravagancias informáticas. Pienso que en ellos se debe haber ido la mayor parte del presupuesto ya que los decorados no pueden ser más falsos; es tremendamente evidente que los supuestos escenarios del pantano están hechos en un plató: planos cerradísimos, poca profundidad y una estética muy repetitiva.

Adam Green consiguió con Hatchet una muy genuina resurrección del slasher tradicional que homenajea este estilo de películas al mismo tiempo que las parodia sanamente. Después de verla es fácilmente comprensible no sólo el culto que ostenta sino el ninguneo que sufrió por un amplio sector de la crítica actual. Muy previsiblemente, al señor Green le han pedido más y ha terminado por darnos una secuela del 2010 que todavía estoy pendiente de ver pero que caerá por aquí sin duda. En cuanto a todos vosotros, sólo puedo aconsejaros que dejéis de lado remakes insulsos y desabridos de antiguos clásicos y echéis un vistazo a esta joya modesta pero efectiva que vale la pena atesorar.

Reseña: Piraña 3D (2010)

2011-01-08T13:00:00.003+01:00

El 2010 pasó sin que pudiésemos ver en España el estreno de Piraña 3D (2010), pero al menos mi diferente ubicación geográfica me permitió acercarme a ella en condiciones y comprobar en carne propia los motivos por los cuales este tercer remake americano de Alexandra Aja era uno de los más esperados del año. Lo cierto es que con todo y mi reticencia ante el hecho de que este director se haya inclinado por tercera vez consecutiva a revolver la memoria cinéfila del género de terror, debo reconocer que ha conseguido sorprenderme; Aja ha logrado con su revisión de la cinta de Joe Dante de 1978 una película muy diferente a la que me esperaba de él, completamente alejada del explícito mensaje político de Las colinas tienen ojos (2006) o la medianía cansina de Mirrors (2008). Por el contrario, esta versión en tres dimensiones de la horda de pirañas asesinas es (nunca mejor dicho) una auténtica película chorra y un divertimento bastante sincero que no puede engañar a nadie.

La pregunta que surge siempre es qué tanto parecido tiene este remake con el original, y en ese sentido se aprecia por lo menos cierta voluntad de un necesario distanciamiento, puesto que las dos películas terminan siendo muy diferentes. Únicamente la estructura del relato es la misma: las pirañas se liberan y nadan río abajo hasta un enorme festejo turístico donde harán su agosto en las desnudas carnes de los concurrentes. Todo lo demás, sin embargo, cambia; aparte de seguir un espíritu más juvenil en cuanto al argumento y los protagonistas, el origen de las pirañas (esta vez una especie prehistórica liberada tras un terremoto submarino) despoja a la trama del contenido abiertamente político de la cinta de Dante. Asimismo esta vez, y debido ciertamente a un mayor presupuesto y a una mucho más avanzada tecnología, hay un regodeo mucho mayor en los voraces peces carnívoros, auténticos protagonistas de la cinta que alcanzan momentos de una ferocidad inusitada, aunque hay que decir que la imagen que adorna esta reseña está tomada del trailer y no aparece en la película final. De todas maneras, este protagonismo de las pirañas está reñido con la gran cantidad de cuerpos femeninos que la película ostenta y que la convierten en una cinta de explotación genuina y una película de terror de verano (nunca mejor dicho). El desfile y exposición de chicas de la cinta de Aja es descomunal, incluyendo cameos de auténticos pivones como Kelly Brook o las porno-stars Riley Steele, Ashlynn Brooke y Gianna Michaels siendo correspondientemente desmembradas.

Es en este último apartado cuando la película de Alexandre Aja va más allá de la de Dante, puesto que Piraña 3D es sin duda mucho más violenta y sangrienta que la original, sobre todo en ese tramo final del ataque de las pirañas donde el francés encuentra mil formas diferentes de descuartizar seres humanos ante la cámara. Por fortuna lo hace sin renunciar al humor que hacía de la original una película tan disfrutable, permitiendo así que su versión sea todo lo sangrienta que quiera sin jamás llegar a ser desagradable. Gran parte de este humor también está apoyado por el trabajo de un elenco acertado que incluye a Christopher Lloyd como un extravagante científico (again), una Elisabeth Shue cachas y Jerry O'Connell haciendo de un lascivo presentador que resulta un evidentísimo doble paródico de Joe Francis, presentador de la famosa serie de vídeos de Girls Gone Wild.

Todos estos aciertos se ven ligeramente afectados por la decepción que supone, eso sí, el uso del 3D. Hay que decir en primer lugar que en el caso de esta película estamos hablando de un falso 3D (es decir, agregado en post producción), por mucho que la cinta haya sido planeada desde un principio para incluir este efecto. Aparte de momentos muy puntuales como la gloriosa secuencia de las "sirenas", lo cierto es que el 3D de esta película es perfectamente prescindible y poco impresionante si se le compara con otras cintas de terror recientes que han sabido aprovechar mucho mejor el formato, tales como My Bloody Valentine (2009) o Destino final 4 (2009). Así que si sólo conseguís verla en dos dimensiones tampoco os perderéis mucho. Pero este detalle aparte, lo cierto es que Aja ha conseguido realizar una película muy divertida (sobre todo en su tramo final) que fácilmente califica como una de las más destacables del 2010 con todo y su aparente ligereza. Personalmente sigo prefiriendo la de Joe Dante, que me parece una cinta mucho más redonda con un planteamiento mucho más interesante que va más allá del evidente plagio de Tiburón (1975), pero al menos Piraña 3D es un homenaje bastante correcto y una de las cintas de terror más disfrutables del año que recién ha pasado.

Reseña: Slumber Party Massacre 2 (1987)

2011-01-05T23:30:00.001+01:00

Hay que reconocer que con todo y sus limitaciones, Slumber Party Massacre 2 (1987), secuela de aquel slasher supuestamente menor, es una de las películas de chicas-vs-asesinos más extravagantes de los ochenta, y una candidata ineludible para aquellos amantes del mal llamado cine bizarro de esta década en particular. Y lo es porque en lugar de irse por el camino fácil de repetir el esquema de la anterior entrega o incluso sus nada disimuladas muestras de retórica feminista, esta producción del tantas veces mentado Roger Corman se convierte casi en un musical de rock & roll que acompaña una visión bastante ingenua del fenómeno high school y de las bandas musicales de chicas.

Tanto es así que incluso la figura del asesino y principal amenaza para nuestras protagonistas femeninas está caracterizado como un arquetipo del maleante de los cincuenta con chupa de cuero, pelo engominado y un enorme taladro incorporado a la guitarra eléctrica con la que comete sus crímenes. Incluso llega a marcarse un solo de baile en una de las secuencias más delirantes de la película, y eso que el argumento parece en un principio bastante básico y sencillo: la niña sobreviviente de la película original, ahora una adolescente, se retira con su banda de chicas a una casa de verano en medio de una urbanización en construcción donde intentarán pasar un fin de semana con sus chicos. La joven, que ha tenido recientemente pesadillas en la que es perseguida por un maníaco con un taladro gigante, no puede creerlo cuando dicho personaje aparece de repente sin justificación alguna y comienza a cargarse a todos los jóvenes uno a uno. La aparición repentina e inexplicable del psycho-killer que rompe la barrera del sueño, así como el hecho de que constantemente nos muestre su cara y hasta hable, lo aleja de la típica representación de estos asesinos cinematográficos, algo que ya se veía en la primera entrega pero que aquí está exacerbado.

De la misma forma, la caracterización de este carnicero del taladro, así como el evidente símbolo fálico de su arma asesina, dejan entrever que en el fondo Slumber Party Massacre 2 no es más que una muy poco disimulada alegoría en clave paródica del "horror" de una chica ante la pérdida de su virginidad, una idea que está muy bien desarrollada por la directora y guionista Deborah Brock y que hace de esta película un slasher diferente que sólo por esto ya vale la pena, además de lo directamente descabellado de una premisa y ejecución que resulta de todo menos convencional. Una larga persecución final en medio de una construcción resulta un tanto trivial y vista, pero para todos aquellos que puedan superar la estética californiano-ochentera de esta cinta, hay mucho que disfrutar. Como slasher no resulta tan efectiva como la primera parte, pero sí podemos decir que es mucho más arriesgada, sobre todo por esa revelación final que evidencia las verdaderas intenciones de la película y de las que ya hemos hablado anteriormente.

Posteriormente la saga de Slumber Party Massacre tendría otras continuaciones más convencionales que no explotarían la vertiente onírica de esta segunda entrega. De todas formas, aquellos que deseen hacerse con ejemplos de comedias de terror festiva que evidencien los ochenta de forma inequívoca, pueden hacerse aquí con un ejemplo muy pertinente pero al menos no tan conocido como otros tantos.

Cambios cambios cambios

2010-12-23T09:00:00.000+01:00

Tras más de cinco años siguiendo la misma estructura ya va siendo hora de hacer algunas modificaciones, la primera de ellas afectando a nuestra más antigua tradición decembrina. Esto quiere decir que el ya acostumbrado podio con lo (a mi parecer) más destacable del año 2010 no verá la luz en diciembre.

El motivo de esto es que en los últimos meses hemos podido comprobar como el criterio de selección para los componentes de este brevísimo ránking de terror (películas estrenadas comercialmente en cines españoles durante el año en curso) se presentaba cada vez más inviable. La cancelación de los respectivos estrenos de Piraña 3D (2010), El último exorcismo (2010) o incluso el remake americano de Déjame entrar (2010) dejan la selección de posibles candidatas cada vez más pobre, por lo que a manera de protesta hemos decidido prescindir completamente de dicho critierio y extenderlo a cualquier película de terror estrenada durante el 2010, independientemente del país en el que haya visto la luz. La única condición inapelable será que dicha cinta tenga en la web de IMDB el número 2010 como año de su estreno. El tamaño de la muestra, sin embargo, obliga a que tengamos que retrasar unos meses la aparición del ránking para que nos de tiempo de echar un vistazo a lo que consideremos más destacable (¡vaya, como en los Oscar!).

Así que la fecha elegida para dicho ránking será el 6 de abril de cada año, aniversario de Horas de oscuridad. Sé que falta todavía mucho para ello, pero si algo habéis demostrado durante todo este tiempo es tener una infinita paciencia. Además, no será este el único cambio estructural o estético que mostraremos, y sólo eso ya valdrá la pena.

Reseña: La herencia Valdemar (2010)

2010-12-19T19:00:00.000+01:00

Independientemente de los resultados me agrada que una película como La herencia Valdemar (2010) tenga al menos la valentía de atreverse a armar un relato que delata a su director, José Luis Alemán, como alguien ambicioso. Tanto que esta abultada historia de inspiración lovecraftiana ha tenido que dividirse en dos partes, con una secuela que hasta donde sé está pendiente aún de estrenarse. Lo de lovecraftiana por supuesto hay que matizarlo en el sentido de que los responsables de esta cinta no parecen estar tan interesados en abordar la mitología del autor de Providence sino más bien en dar una mirada nostálgica hacia un cine de terror de décadas pasadas en las que el fantástico se asume (por fortuna) sin complejos y se pierde en la recreación de caserones encantados, telarañas y candelabros. Nada de esto, evidentemente, tiene mucho que ver con Lovecraft, pero no creo que eso sea algo que se pueda señalar como defecto o carencia.

Decimos esto porque, como ya mencionábamos anteriormente, adaptar a Lovecraft es muy complicado porque sus mayores virtudes como contador de historias están ineludiblemente ligadas al medio. Por lo tanto, la idea de no optar por un relato específico del autor y simplemente emular el mundo por él creado es buena y sin duda meritoria. De todas formas, las intenciones de José Luis Alemán parecen ir más bien por otro lado y decantarse por un estilo que recuerda más bien al de las producciones de la Hammer y demás joyas del terror gótico de los sesenta y setentas. No en balde la inclusión de Paul Naschy (en la que sería una de sus últimas interpretaciones) en un papel secundario o la idea original de contar con Christopher Lee para el reparto, cosa que no se llegó a hacer. Por desgracia esta misma insistencia nostálgica hace que la película en determinados momentos se sienta increíblemente ingenua y artificial, con diálogos cargados de un dramatismo en ocasiones sonrojante y con determinados detalles estéticos que parecen puestos de forma completamente arbitraria, como por ejemplo la sorpresiva aparición de un zepellín y un tren de vapor en la España del siglo XXI.

Mentiría sin embargo si no dijera que hay cosas que me han agradado de La herencia Valdemar; contrariamente a lo que parece ser la opinión general, el trasfondo de la historia decimonónica es interesante aunque se vea mortalmente herido por la decisión de interpretar personajes históricos anglosajones hablando en castellano con un acento abiertamente hispano (y ya sé que el hecho de que esto mismo realizado al revés no me moleste dice mucho de mí, pero aún así...), algo que junto a lo artificioso de los diálogos termina sacándonos de la película. De hecho es la parte ambientada en la época actual la que menos me importó y la que considero sobraba, pero supongo que esto será el principal enfoque de la inminente segunda parte. Por este motivo la película que comentamos hoy quizás pueda considerarse como el necesario prólogo de una historia que todavía no ha terminado.

Muy a pesar de que sus minutos finales auguren lo contrario, lo cierto es que esta primera parte del relato iniciado por La herencia Valdemar es más bien un melodrama con elementos fantásticos, una historia de amor adornada con una pátina sobrenatural que tiene muy poco que ver con el Lovecraft cuyo nombre se invoca para dotar de prestigio a la película (ya de por sí la trama amorosa tiene poco que ver con el imaginario personal del autor de Providence), pero que hasta cierto punto puedo defender por algunas de sus ideas estéticas y sobre todo por la voluntad de seguir al pie de la letra lo que considera sus códigos propios. La segunda parte, titulada La sombra prohibida (2010) lo tendrá muy difícil al abandonar el mucho más interesante contexto del siglo XIX y regresar a la época actual, pero las imágenes mostradas a modo de trailer al final de esta primera entrega auguran un relato de terror más explícito. José Luis Alemán puede que no haya tenido mucha suerte con algo que hubiese quedado mucho mejor como una miniserie de televisión, pero la ingenuidad de su puesta en escena no deja de ser hasta cierto punto entrañable.

Reseña: Paranormal Activity 2 (2010)

2010-12-16T09:00:00.000+01:00

El descomunal éxito taquillero de Paranormal Activity (2007) tuvo como consecuencia la casi inmediata aprobación de una secuela, apoyada al igual que la primera por su correspondiente campaña viral. Pero a diferencia de lo ocurrido con El proyecto de la bruja de Blair (1999), antecesora de esta cinta en cuanto a formato, popularidad y hype, Paranormal Activity 2 (2010) no aprovecha su continuación para reinventar sus propias reglas sino que por el contrario decide ir a lo seguro y repetir exactamente el mismo estilo y estructura de la original. Esto quizás explique el hecho de que a pesar de no mostrar nada nuevo haya conseguido un gran éxito de taquilla, pero no deja por otro lado de ser una secuela bastante pobre e innecesaria no solamente por no haber intentando trazar un nuevo camino sino también por no aprovechar inteligentemente su formato.

Para empezar (aunque esto es un detalle más bien anecdótico) hay que aclarar que por mucho que tenga el "2" en el título, esta película es en realidad una precuela que cuenta lo ocurrido antes de los eventos de la primera Paranormal Activity, lo que de entrada arruina un poco la experiencia de la original al dotar de explicaciones innecesarias (además de no requeridas) acerca del por qué de la presencia del misterioso demonio en aquella casa. Al igual que en la primera parte, esta secuela está estructurada en forma de "metraje hallado" mostrando el contenido de varias cámaras de vídeo y de un sistema casero de seguridad que vuelve al aspecto ritual de mostrar el metraje nocturno para que el espectador escudriñe la imagen en busca de una aparición sobrenatural que (como no) se tarda lo suyo en llegar. Sin embargo, en esta ocasión el truco no funciona tan bien porque la película no logra justificar que determinadas escenas cargadas de un dramatismo bastanta artificial estén siendo rodadas, por lo que la presencia de la cámara rompe la suspensión de incredulidad del espectador al mostrar como incluso conversaciones privadas quedan registradas intencionalmente en vídeo si ningún motivo ni justificación aparente.

Recuerdo que en su momento defendíamos la primera entrega como una película entretenida y que, si bien completamente desprovista de originalidad y en ocasiones demasiado efectista (sobre todo el final impuesto por estudio, y que hace posible la existencia de esta secuela), al menos tenía una voluntad genuina de ser una historia de terror que aprovechaba su estructura espiral para ir aumentando la presencia de lo sobrenatural de una forma no muy diferente a aquella que usara en su momento Poltergeist (1982). Paranormal Activity 2 no solamente es completamente artificial y evidente en su intento de rentabilidad económica de un éxito anterior, sino que encima es tremendamente aburrida incluso para los estándares de su formato; no son pocos los que han remarcado como de hecho en muchas de las "noches" transcurridas no ocurre realmente nada, lo que resulta frustrante para un público que conoce el juego de la cinta y por lo tanto no puede sino decepcionarse.

Entre todas estas frustraciones una de las más terribles es el final, que enlaza directamente con la primera parte y que, al igual que como ocurría en esta, es de un efectismo barato que daña el por otro lado sosegado ambiente de la película. Si bien sigo defendiendo la primera parte con todo y sus carencias, esta secuela es una que perfectamente se podrían haber ahorrado. Evidentemente, su éxito dará pie a una tercera entrega (esta vez sí una continuación) que intentará cerrar el arco argumental del demonio protagonista y la suerte de aquellos que han ido a parar a sus garras. En cuanto a si optará por seguir el mismo camino del terror de estética documental o si por el contrario decidirá darnos algo nuevo que resucite nuestras esperanzas es algo que está por verse.

Reseña: Devil (2010)

2010-12-13T20:00:00.000+01:00

No llegamos a ver nunca una batalla con el Príncipe de las Tinieblas en persona, pero Devil (2010) pertenece a esta categoría por razones mucho más sólidas que su título; en realidad se trata, como casi todo lo que invoca el nombre del Diablo, en un relato de terror profundamente moralista en el que la idea del Mal como una realidad tangible (aunque sobrenatural) sirve para dar una mirada negativa sobre las miserias personales del Hombre para desembocar en una historia sobre la redención. Estos dos temas, la presencia de algo-más-grande-que-uno-mismo (dicho además literalmente por un personaje al principio de la película) y la idea del (auto)perdón como fuerza liberadora son constantes en el cine de M. Night Shyamalan, productor de esta película que deja su huella en más de una ocasión a la vez que cede el puesto de director a John Erick Dowdle, responsable de cintas como The Poughkeepsie Tapes (2007) y Quarantine (2008).

Devil es también la primera en lo que será una trilogía producida por Shyamalan llamada The Night Chronicles, construida alrededor de la idea de lo sobrenatural como irrupción en un ambiente urbano. Para esta película, el escenario es bastante reducido: un ascensor de un rascacielos en el que han quedado atrapadas cinco personas sin saber que uno de ellos es el Diablo en persona, y que les pondrá a prueba no sólo a ellos sino también a un incansable policía que intentará sacarlos de allí. La idea es interesante por lo contenido de la premisa, muy a pesar de que no está reducida a este único escenario (evidentemente hay escenas fuera del ascensor, aunque este cobra un protagonismo bastante marcado), pero hay un sincero e interesante aprovechamiento de sus recursos narrativos al construir el misterio alrededor de la identidad de los personajes sin dejar al mismo tiempo que el argumento se estanque al darnos sólo aquello que necesitamos saber sobre los que allí se encuentran.

No es de extrañarse que el nombre de Shyamalan haya sido tan mentado al hablar de esta película ya que, si bien el director John Erick Dowdle no se olvida de aportar su propia personalidad, hay demasiadas semejanzas con el antes mencionado director de El sexto sentido (1999) como para creer en una simple coincidencia; aparte del ya mencionado discurso sobre la Fe y la redención están detalles formales como el empleo de los espejos a la hora de construir planos, lo fantástico oculto en lo cotidiano (referencia ineludible a The Twilight Zone, serie que Shyamalan conoce muy bien), el color rojo como indicador de peligro y la ya inevitable revelación sorpresa que depara la película para el final, aunque se agradece que el argumento no esté construido enteramente alrededor de esta. A pesar de sus numerosos aciertos, no es sin embargo una película para todos los gustos, sobre todo por la carga moral que en ocasiones chirría bastante y lleva a momentos de genuina caspa como las ya predecibles confesiones por parte de los personajes protagonistas o el enésimo ejemplo del policía solitario traumatizado por la muerte de su familia. En cuanto a los momentos de terror, estos son pocos y reservados sobre todo para la secuencia final, dejando lo demás en un contexto de intriga y misterio que se salda con unas muertes en ocasiones bastante grotescas.

Este manejo de la intriga sería quizás el mayor ejemplo del potencial que Devil alcanza en algunos de sus mejores momentos, así como en la estructura del relato contado alrededor de una serie de personajes cuyo encuentro parece fortuito pero que no es sino una forma distinta de predestinación. En este sentido la película forma parte de una tradición narrativa muy conocida, pero al menos intenta dar algo diferente con una idea que quizás habría quedado mejor reducida a un formato de menor duración como el de aquellos misterios televisivos a los que Shyamalan y sus cómplices sin duda han intentado emular (aquí suenan de nuevo los nombres de Rod Serling y Richard Matheson como principal norte a seguir). Aún así este primer acercamiento a The Night Chronicles es, si bien no demasiado destacable, al menos interesante. La siguiente película, Reincarnated (2011), será dirigida por Daniel Stamm, responsable de El último exorcismo (2010) y escrita por Chris Sparling, guionista de Buried (2010). No cabe duda que al menos yo estaré esperándola.

Tres tristes trailers 32

2010-12-11T11:35:00.002+01:00

Volvemos una vez más con nuestra sana costumbre de dar impresiones sobre avances que ya todo el mundo ha visto. Para salir de ello comenzamos con la aparentemente más genérica y banal de las entradas de este trío, The Rite, una historia de posesiones demoníacas con Anthony Hopkins en la que se explota una vez más el filón de los secretos ocultos de la Iglesia y la lucha entre un sacerdote escéptico (again) y las fuerzas del mismísimo Demonio en persona. No hay mucho que comentar ante algo que se ve similar a muchos ejemplos anteriormente vistos de poseídos y agentes del Vaticano, así que habrá que esperar a tener algo más que un trailer para ver qué se nos viene encima.

Es así como llega el turno de Scream 4, un nuevo ejemplo de esta reciente obsesión por la rentabilidad que produce secuelas tardías que se estrenan muchos años después sin ningún motivo aparente. Sin embargo, y a pesar de que la tercera entrega de la saga iniciada en 1996 no me convenció demasiado, hay dos cosas que me llaman la atención de esta cuarta parte del asesino auto-referencial: en primer lugar, el siempre bienvenido Wes Craven, por mucho que no siempre se justifique nuestro entusiasmo. En segundo lugar, el grado extremo de guiño-codazo al que ha llegado la saga al enfrentar en esta ocasión a sus supervivientes a un mundo en el que las reglas del cine de terror, tal como explica un personaje, han cambiado y en el que lo inesperado se ha convertido en otro cliché más (me entusiasma sobre todo la coña del terror "en primera persona" como una nueva moda en este género). Así que si bien sigo pensando que Scream ya tuvo su momento, el hecho de que al menos sigan esforzándose en sacar al menos una idea nueva cada vez me alegra.

Mucho más interesante se nota el nuevo trabajo de Brad Anderson, Vanishing on 7th Street, con todo y que las historias de misteriosas e inexplicables formas del Apocalipsis se han convertido en otra constante del cine actual. En este sentido, la cercanía de este nuevo trabajo con obras como Blindness (2008) y The Happening (2008) puede que eche a más de uno para atrás (lo que explicaría en último caso que esta cinta vaya a tener un estreno limitado a pesar de contar con estrellas en alza) pero Anderson se ha ganado nuestra atención más de una vez y por lo tanto sabemos que esta caerá por aquí de una forma u otra. En cuanto al avance en cuestión, es cierto que ostenta un dramatismo un tanto forzado y que las imágenes de las ropas desperdigadas remiten tanto a La noche del cometa (1984) como a cierto episodio de Los Simpsons acerca del fenómeno del Arrebatamiento, pero con todo y eso no dejaremos de darle una oportunidad.

Reseña: El último exorcismo (2010)

2010-12-09T09:00:00.000+01:00

Las inevitables comparaciones con El exorcista (1973) y el hecho de estar sepultada en medio de la reciente moda del cine de terror con aspecto documental han por desgracia ocultado las mayores virtudes de una película como El último exorcismo (2010), la cual no solamente tiene la ventaja de huir del susto fácil y efectista sino que encima funciona como indagación sobre el fenómeno de la religiosidad y la irrupción del terror en la vida cotidiana de una forma no muy diferente a lo que en su momento hicieron cintas como El bebé de Rosemary (1968). Tampoco ayuda el hecho de que su campaña publicitaria y el material divulgado (incluyendo la imagen que adorna esta reseña) la mostraran como algo que definitivamente no es: una película de terror efectista en la que el fenómeno de la posesión tiene un marcado protagonismo. Para colmo, no fueron pocas las personas en acercarse a ella con prejuicios debido al crédito como productor ejecutivo de Eli Roth, argumento sorprendente ya que el director de Hostel (2005) sólo apadrinó la distribución de la película y no tuvo nada que ver con su modesta producción.

Lo cierto es que El último exorcismo es una película muy diferente que utiliza su formato de falso documental para establecer una confrontación entre la Razón y la Fe, lo que la asemeja más a una hipotética continuación del tema mostrado en El exorcismo de Emily Rose (2005), sólo que vista desde la perspectiva de un pastor protestante que contacta a un cámara y a una productora para rodar un reportaje sobre un exorcismo en el que expondrán al mundo la mentira de su labor como obrador de milagros. Esto no sólo sirve para el tema ya antes mencionado sino que además establece la ya clásica premisa del religioso que ha perdido la Fe y se da de bruces con la existencia del Mal. Todo esto sin artificios (más allá de una banda sonora que recalca de manera innecesaria los momentos más siniestros) y presentado con una estética cruda, feísta y supuestamente "aburrida" en la que los momentos de genuino terror son pocos y tardan en llegar. Con semejante presentación, es comprensible que gran parte de su público natural se haya sentido engañado con las promesas de una cinta de terror visceral llena de contorsiones y enfrentamientos con el Demonio. Tales elementos están presentes, sobre todo en el tramo final de la película, pero no son lo principal.

Es precisamente este tramo final, en el que se desata la mayor parte del contenido sobrenatural de El último exorcismo, donde se evidencia aquello que el director alemán daniel Stamm quiere contarnos: una historia que no solo contrapone los conceptos de racionalidad científica y fervor religioso, sino que además toca otros temas igual de interesantes como el satanismo escondido y el temor hacia la pobreza y aislamiento de las sociedades rurales. Es comprensible que muchos estén ya un tanto cansados de la vertiente supuestamente realista de este tipo de cine de terror, pero el caso es que en esta ocasión este formato está tratado con inteligencia y con un objetivo que va más allá del salto-en-la-silla. Las opiniones que he leído son muy dispares; evidentemente no ha calado en todo el que la ha visto, pero a mí me ha parecido de las más inteligentes que se han estrenado esta temporada y una que realmente vale la pena ver. Como decíamos antes, las comparaciones con la película de William Friedkin son innecesarias en cuanto a que ambas únicamente tienen en común la premisa del exorcismo y la idea de que el Mal existe, pero esta de la que hablamos hoy tiene objetivos muy diferentes que por desgracia han quedado minimizados por una falsa impresión causada por su material publicitario (que incluía una francamente curiosa publicidad viral en Chat Roulette) que intentaba disfrazarla como una película de miedo convencional. Acercaos a ella sin prejuicios, que recomendada queda.

Reseña: Legión (2010)

2010-12-07T09:00:00.001+01:00

Legión (2010), primer largometraje como director del técnico de efectos especiales Scott Charles Stewart, es otro ejemplo más de Cristianismo pop, aquello que alguien por aquí definió tan acertadamente como Deuxploitation; una historia con posibilidades de desquiciada película de acción en la que hay ángeles luchadores, batallas con espadas, armas de fuego y hordas de gente poseída por espíritus celestiales que en poco se diferencian de salvajes zombificados. Todo ello, además, estructurado por medio del ya conocido arquetipo narrativo del estado de sitio en el que un grupo de personajes humanos se atrinchera en un apartado restaurante en medio del desierto americano para hacer frente a los ejércitos de un Dios que ha decidido acabar con la Humanidad de la peor manera posible y ante quien sólo se ha rebelado el último de los arcángeles con Fe en la raza humana.

La película echa mano de varios elementos ya conocidos al abordar un tono bastante reconocible en este tipo de cine, tomando como referente especial la obra de John Carpenter, no sólo Asalto al precinto 13 (1976) sino también Príncipe de las Tinieblas (1987) o algunas de las más recientes como Vampiros (1998), con la que comparte sus ambiciones de western sobrenatural con Paul Bettany haciendo de héroe oscuro tocado por poderes divinos, en lo que se antoja una evidente preparación para su inminente papel protagonista en la adaptación al cine de Priest (2011), la que casualmente estará realizada por el mismo director. Aunque no lo parezca en un principio, Legión también se asemeja a estas cintas en el hecho de contar con unos recursos bastante limitados que justifican en parte la escogencia de los "poseídos" como principal fuente de peligro, ya que el presupuesto destinado a efectos especiales por lo visto sólo daba para crear dos ángeles antagonistas y nada más. Es aquí por desgracia donde se acaban las semejanzas, ya que la película no tiene mucho más que mostrar a nivel de argumento ni (quizás esto sea lo más grave) a nivel de acción.

Ejemplo de esto es que momentos supuestamente inquietantes como la aparición de una anciana poseída en el restaurante terminan causando el efecto contrario al ser una secuencia francamente cómica. El resto de enfrentamientos con los monstruos no pasan de ser momentos muy puntuales que hacen que la película pierda continuidad y se sienta como un montón de escenas concatenadas que siguen todas el mismo patrón de incrementar la "dificultad" con una serie de criaturas en las que el diseño se siente bastante perezoso y convencional (salvo la aparición breve del siempre genial Doug Jones en una escena en la que parece que la película se ha detenido). Encima, y esto es una apreciación bastante personal, el supuesto carácter transgresor de hacer de Dios el "villano" no funciona porque no queda claro exactamente cual es el alcance de las fuerzas celestiales ni se establecen claramente los "monstruos" pertenecientes al bando del enemigo. Con esto sólo quiero decir que los ángeles parecen realmente demonios/zombis y el imaginario de las criaturas no está acorde con lo que en un principio parecía una interesante idea del Hombre acosado por la fuerza destructura del Bien contra la que se ve obligado a luchar. La premisa en este caso no funciona porque la manera como se presenta Dios (y los ángeles) contradice la concepción que teníamos de estos y lo que hacía la premisa atractiva en primer lugar, aparte de hacer de la resolución final algo cuanto menos confuso e incomprensible, como si Dios en lugar de un ser omnipotente fuese un niño caprichoso o al menos un esquizofrénico.

Pero lo que quizás no se pueda perdonar en realidad es que con todo y sus artificios y sus concesiones a su estética de película de acción por encima del relato de terror, Legión es una película muy predecible y vacía que finalmente resulta bastante aburrida y deudora de algo muchas veces visto y en muchas ocasiones mejor hecho. Los numerosos palos que se llevó en el momento de su estreno hacen improbable la idea de una secuela sugerida por el final abierto con el que se cierra este argumento desperdiciado. Para ejemplos de ángeles luchadores resulta mucho más recomendable acercarse a The Prophecy (1995), película con la que Legión tiene muchos puntos en común pero que resulta infinitamente superior a esta fallida extravagancia visual.

Reseña: Buried (2010)

2010-12-05T09:00:00.001+01:00

Una de las cosas en las que todo el mundo parece estar de acuerdo en cuanto a Buried (2010) es la manera como el director Rodrigo Cortés sale airoso de lo que de entrada se perfilaba como el mayor reto de la película: conseguir mantener el interés del espectador por un thriller de noventa minutos que transcurre literalmente en un solo escenario (minúsculo además) y en el que sólo vemos a un actor. Y sin embargo, esta película lo logra con creces hasta el punto de contar una historia genuinamente emocionante en la que siempre está ocurriendo algo y que hace de sus supuestas limitaciones su mejor arma a la hora de montar una intriga digna de un Hitchcock confinado a una locación mínima: un hombre secuestrado en Irak y enterrado vivo dentro de una caja de madera donde la única conexión con el exterior que tiene es un teléfono móvil con el que intentará conseguir su rescate. El punto de vista nunca abandona esa locación ni ese actor (un especialmente inspirado Ryan Reynolds) y con todo y eso mantiene la intriga y la genuina tensión de una carrera contra reloj que depara una que otra sorpresa.

La idea de la intriga vivida y narrada por un personaje aislado del mundo exterior no es nueva; en este sentido Buried recorre el camino trazado anteriormente por clásicos como La ventana indiscreta (1954), del ya mencionado Hitchcock o cintas más recientes como Última llamada (2002), de Joel Schumacher, entre otros ejemplos. La película de Cortés es si acaso más radical en cuanto a la limitación intencional de su espacio, pero al igual que en las otras dos, lo interesante no está únicamente en el gimmick narrativo, ya que al interés argumental hay que sumar el empleo de los esquemas del thriller para tejer una historia con una postura antibelicista y anticorporativa bastante evidente pero en la que el contenido político no se siente forzado ni opaca el factor de angustia y carrera contra el tiempo. Es por eso básicamente que sería un error valor la película únicamente por el hecho meramente anecdótico de transcurrir toda ella en una caja de madera.

Esto me parece así porque a pesar de la sensación de claustrofobia del punto de vista, hay determinados momentos en los que como espectador uno logra olvidarse que está dentro de la caja al dejarse llevar por la entrada de otros personajes en forma de audio que salen del teléfono móvil del protagonista, aparato que por lo demás tiene el propósito de hacer avanzar el argumento insinuando al público una acción paralela a varias bandas que tiene lugar fuera de los confines de madera en los que estamos encerrados y que seguimos con interés en todo momento. El complemento de ambos planos narrativos, por otro lado, está bastante conseguido en el sentido de que realmente nos interesamos por saber qué ocurrirá al final más allá del morbo de ver a Ryan Reynolds retorciéndose y ser sometido a las vejaciones que le depara la película. El desenlace (que por supuesto no revelaré aquí) funciona muy bien (a pesar de ser un tanto tramposo a nivel de construcción) porque revela hasta qué punto Cortés y el guionista Chris Sparling han sabido jugar con las emociones y los nervios de su cautivo público. Todo eso hace que desde aquí consideremos Buried como una de las mejores del año que está por finalizar y una muy digna continuadora de ese tormento y angustia por el que de vez en cuando nos gusta pasar en una sala de cine.

Lo que vino

2010-12-04T17:40:00.003+01:00

Con el solo objetivo de ponernos al día y poder cumplir con la difícil tarea del brevísimo ránking de horror de este mes (además de la correspondiente encuesta al respecto), nos veremos forzados a coger carrera y recuperar el tiempo perdido por mudanzas y demás. Así que en los próximos días tendremos una batería de reseñas dedicadas a estrenos de este año que por uno u otro motivo no hemos reseñado con anterioridad. Las ausencias, sin embargo, serán notables, ya que hay algunas películas en particular que por caprichos de distribución no pude llegar a ver y que hubiesen merecido ser incluídas en el recuento (como por ejemplo aquella cuya imagen adorna esta entrada). Así que esas os las debo. Las demás no tardarán en aparecer muy pronto.

Reseña # 402: Suspiria (1977)

2010-11-30T23:30:00.002+01:00

Mi primer contacto con Suspiria (1977) llegó tarde; ni siquiera fue la primera película del director italiano Darío Argento que llegué a ver, y ya tenía una idea aproximada de la trayectoria de este realizador y de su influencia en el cine italiano de horror de la época, o al menos de la idea que se tenía de él fuera de su Italia natal. Es por todos sabido, por ejemplo, que si bien Argento no creó el subgénero cinematográfico conocido como giallo (término que por cierto tiene un significado distinto dentro de Italia que fuera de ella) sí fue el que lo popularizó e hizo reconocibles sus esquemas gracias a trabajos como El pájaro de las plumas de cristal (1970), El gato de las nueve colas (1971) y Cuatro moscas sobre terciopelo gris (1972). Tras estos vistosos títulos llegó Suspiria, su primera película de terror propiamente dicha y considerada por muchos como su mejor trabajo, con el permiso quizás de Rojo oscuro (1975). Es ella también la que popularizaría varias constantes que habrían de repetirse en su obra de terror posterior: una marcada extravagancia estética, la figura de la Mujer como centro del horror y sus ya conocidas colaboraciones con la banda Goblin, que realizaron en esta película una de sus bandas sonoras más celebradas, la cual fue compuesta antes del rodaje (una práctica por otro lado común en gran parte del cine italiano).

El argumento de Suspiria hace pensar en una transición del cine de Argento al mezclar el tema de lo sobrenatural con el misterio alrededor de un crimen típico del thriller italiano. La película toma la perspectiva de una joven americana que asiste a una prestigiosa academia de ballet en la ciudad alemana de Friburgo, escuela que en realidad esconde un secreto relacionado con antiguos círculos de magia negra. Es bien conocida la influencia a la hora de escribir el guión del ensayo Suspiria de Profundis, de Thomas de Quincey, en la que se hace mención de tres poderosas brujas que serían utilizadas por Argento en su trilogía de las "tres madres", pero este texto es sólo una inspiración que poco tiene que ver con lo vendría después. A pesar del siniestro subtexto de la historia, uno de los mayores logros del director es ese conseguido tono de cuento de hadas presente no sólo gracias a la estética colorista y a la música, sino también a la recreación deliberadamente infantil de las jóvenes alumnas de la academia (las niñas del guión original fueron sustituidas por adolescentes para evitar posibles actos de censura debido a la naturaleza violenta de la película, si bien Argento no cambió ninguno de los diálogos e incluso ordenó colocar los pomos de las puertas a gran altura para que las chicas tuviesen que estirar los brazos para abrirlas). Este ambiente de inocencia roto por los hechos abiertamente violentos con los que la película abre desde el inicio imprime un tono muy singular al argumento que deja muy marcado el caracter irreal de todo lo que ocurre.

Irreal es de hecho la palabra más apropiada que se me ocurre; todo en Suspiria es artificioso, desde la inmensa academia de baile donde ninguna sala es igual a la anterior, hasta la omnipresencia del color rojo tanto en la iluminación como en la fluorescencia de la sangre. Sumamos a esto la general estridencia de la banda sonora de Goblin y es fácil darse cuenta de por qué esta película es más recordada por sus derroches estéticos que por su argumento (bastante básico y sencillo incluso para los estándares de la serie B italiana), aparte de que esta vistosidad y el carácter estilizado de algunas de las muertes hacen fácil perdonar un desenlace apresurado y algunos efectos sonrojantes como el del murciélago de pega. Es este quizás el único momento risible de una cinta que por lo general castiga duramente a sus personajes con elaboradas y truculentas escenas de muerte, algo por lo demás típico en el cine de Argento pero pocas veces tan estilizado como en esta película.

Personalmente (única aportación posible ya que de esta cinta se ha hablado mucho), Suspiria nunca me ha parecido la mejor película de Darío Argento, aunque reconozco que todavía tengo pendiente parte de su filmografía. A menudo se usa el argumento de la estética irreal para justificar un argumento supuestamente caótico, pero no creo que sea así. De hecho el argumento es tremendamente sencillo y el misterio de la academia de ballet y su conexión con la brujería es algo que queda claro prácticamente desde temprano. Con todo y eso no se puede negar que con esta película el cine de terror del director italiano quedaría eficazmente inaugurado, y aunque no sea en mi opinión su película más redonda, sí es una de las más coherentes en cuanto al tono empleado y una de las más impresionantes en su uso de una estética delirante y original, tendencia a la que Argento daría continuidad en las otras dos componentes de su trilogía, Inferno (1980) y Mother of Tears (2007), las cuales también habrán de caer por aquí en algún momento. Esta estética y la tendencia a un tratamiento abiertamente fantástico de su premisa hace que me cueste considerar la película como una cinta perteneciente a las variantes más viscerales del cine de miedo, con lo que su pertenencia al género de terror creo yo tiene más que ver con el reconocimiento por parte del espectador de varios códigos y arquetipos del típico relato sobrenatural, y no tanto con el hecho básico de asustarse. De todas formas, como punto de partida para acercarse a la filmografía de Argento o al horror italiano de finales de los setenta y principios de los ochenta, no se me ocurre nada mejor.

Reseña # 401: Ghostwatch (1992)

2010-11-28T22:50:00.001+01:00

Pasó mucho tiempo (demasiado quizás) antes de que, por recomendación de dos voces cuyo criterio tengo en gran estima, terminara por ver Ghostwatch (1992), falso documental realizado por la BBC en 1992 y transmitido en supuesto "directo" haciéndose pasar por un reality legítimo, con el conocido fenómeno de culto posterior. Sería justo que en estos momentos se reavivara el interés por esta película teniendo en cuenta el éxito de cintas como Paranormal Activity (2007), la cual toma una evidentísima inspiración de esta producción británica que puede pasar desapercibida a aquellos que como yo no la conozcan. Por fortuna siempre se está a tiempo de llenar dicha carencia.

Entrando ya en el tema, Ghostwatch no es más que la puesta en escena de un supuesto especial de Halloween de la BBC en el cual un equipo de rodaje monta guardia en una casa de los suburbios londinenses donde durante un tiempo se ha tenido noticias de varios fenómenos paranormales. La casa, perteneciente a una mujer y sus dos hijas, ha sido denominada como el lugar más "embrujado" de Inglaterra, y la periodista que en ella se ha apersonado espera, en el transcurso de la noche, poder transmitir en directo el encuentro con los espíritus que parecen haberse apoderado del lugar, todo esto intercalado con los comentarios del presentador del programa y una experta en fenómenos sobrenaturales e incluso llamadas telefónicas del público, invitado a participar de la experiencia contando sus propias historias de fantasmas. A pesar de que todo fue efectivamente un montaje ficticio (las escenas de la casa fueron rodadas semanas atrás y sólo las secuencias del plató fueron rodadas en directo) se trató de una broma muy bien elaborada que contó con la presencia de presentadores y periodistas reales de la BBC (principalmente rostros conocidos como el del presentador Michael Parkinson y la reportera Sarah Greene) y una línea telefónica real en la que evidentemente se le advertía a los espectadores que aquello que estaban viendo no era genuino antes de contar su historia. De hecho el artículo de Wikipedia dedicado a esta única transmisión televisiva es muy interesante y cuenta como este primer (y último) episodio de Ghostwatch causó cierto furor colectivo a pesar de que algunas pistas delataban su naturaleza de ficción, tales como un crédito de "escrito por" para el guionista Stephen Volk y el hecho de que se proyectara en un espacio (Screen One) reservado para telefilmes. Sin embargo, tal como me han recordado otras personas en ocasiones, hay que considerar que todo esto ocurrió en la era pre-Internet.

A manera de preparación (algo por otro lado común en este tipo de películas), el inicio es bastante lento y repleto de escenas de diálogos, pero a medida que la noche va avanzando y los fenómenos empiezan a ocurrir de forma cada vez menos sutil, algo en lo que la película incluso colabora con el público gracias a la estrategia de "parar" y comentar aquello que está ocurriendo, a lo que se suman los comentarios de los televidentes que llaman a la línea telefónica y revelan que aquello que está ocurriendo en la televisión tiene consecuencias en otros parajes. Esto aparte del ahondamiento en la propia mitología del fenómeno paranormal y su relación con horrendos crímenes del pasado. Todo esto culmina en un inmejorable tramo final en el que el programa se sale literalmente de control y cualquier atisbo de ligereza o humor presentado al principio encuentra su reverso tenebroso en la maldición de la casa y un ataque sobrenatural del que no sale indemne ni siquiera el propio estudio televisivo.

Es por eso que aparte de las ingeniosas maneras de aprovechar su formato, Ghostwatch sigue siendo recomendable como genuina película de terror independientemente de que el contexto original sea ya parte de la historia. Por lo visto, el fenómeno de histeria colectiva causada en su momento por la película fue lo bastante notable para que la BBC prohibiera su retransmisión, si bien cuenta con su respectiva edición en DVD e incluso está disponible de forma gratuita en el canal de Google Video de la cadena inglesa, por lo que no hay excusas para no verla. Existen evidentemente muchas otras entradas en este mundo del terror en forma de falso documental que han seguido los pasos de esta producción británica al intentar acercarse de manera supuestamente realista a una "leyenda" local que no es más que una creación literaria más o menos elaboada. Algunas de estas cintas, como The Last Broadcast (1998) o la más conocida El proyecto de la bruja de Blair (1999), basaron su éxito además en una campaña de publicidad viral que ha cambiado las reglas del juego. No es este el caso; así que aprovechemos la ocasión de esta trío cuatricentenario para recomendar un acercamiento a Ghostwatch y "descubrir" el correcto aprovechamiento de un recurso narrativo más allá del fenómeno de masas, justificado o no.